martes, 18 de diciembre de 2018

The Rolling Stones, Beggars Banquet 50th Anniversary Edition, 2018


Beggars Banquet —en español: El banquete de los mendigos— es el séptimo álbum de estudio en el Reino Unido de la banda de rock británica The Rolling Stones y su noveno en los Estados Unidos. Fue lanzado en el año 1968, un año después que Their Satanic Majesties Request. Se grabó entre el 17 de marzo y el 25 de julio de 1968 en Londres (Inglaterra) y Los Ángeles (Estados Unidos) bajo la producción del estadounidense Jimmy Miller, con el que trabajarían hasta 1973. Se trata del primero de una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se considera la cima de la obra de los Stones (junto con Sticky Fingers, Let It Bleed y Exile on Main St.).5​ Su publicación fue planeada inicialmente para el 26 de julio de ese mismo año, pero fue postergada durante varios meses debido a una disputa con su casa discográfica, Decca Records, en torno a la polémica portada que el grupo pretendía usar.6​ Finalmente, Beggars Banquet salió a la venta el 6 de diciembre de 1968 con una carátula totalmente blanca y con solo el nombre del álbum escrito con letras doradas. La producción cuenta con canciones con una base de rhythm & blues, suponiendo el regreso de la banda a sus raíces después de su experimental producción anterior, Their Satanic Majesties Request, en la que ensayaron otros estilos musicales, como el rock psicodélico. También hay temas de música country. Las letras de algunas canciones tienen temáticas centradas en la crítica social, inspiradas en las revueltas y conflictos de esos días, y filosóficas, por la alta cantidad de libros sobre filosofía y poesía que leía Mick Jagger durante ese momento.7​ Debutó en los primeros lugares de las listas de popularidad de Estados Unidos y el Reino Unido, alcanzando pronto el millón de copias en ventas. Para su promoción se pusieron en circulación dos sencillos: «Jumpin' Jack Flash», que fue un gran éxito, mas no estaba incluido en el disco, y «Street Fighting Man». La reproducción de esta última canción fue boicoteada por varias radios Los Stones abandonaron la experimentación psicodélica para volver a sus raíces de blues en este célebre álbum, que fue inmediatamente aclamado como uno de sus logros más destacados. Un fuerte sabor de Delta blues acústico colorea gran parte del material, en particular "Salt of the Earth" y "No Expectations", que presenta un hermoso trabajo de guitarra con diapositivas. El rock & roll básico no se olvidó, sin embargo: "Street Fighting Man", un reflejo de la turbulencia política de 1968, fue uno de sus singles más innovadores, y "Sympathy for the Devil", con su guitarra que baila al fuego, leering Las voces de Jagger, los ritmos africanos y las letras explícitamente satánicas fueron una epopeya que definió la imagen. En "Stray Cat Blues", Jagger y su equipo comenzaron a explorar el tipo de sordidez sexual decadente que llevarían al punto de la autoparodia a mediados de los años setenta. En ese momento, sin embargo, el enfoque aún era reciente, y el mordisco lírico de la mayor parte del material aseguró el lugar de Beggars Banquet como uno de los mejores discos de rock basados ​​en el blues de todos los tiempos.
Los Rolling Stones volvieron a lo básico cuando su creador se desvaneció. Su séptimo álbum, Beggars Banquet, marcó el principio del fin para su guitarrista fundador, Brian Jones.
Beggars Banquet is the seventh studio album in the United Kingdom of the British rock band The Rolling Stones and its ninth in the United States. It was released in 1968, one year after Their Satanic Majesties Request. It was recorded between the 17 of March and the 25 of July of 1968 in London (England) and Los Angeles (the United States) under the production of the American Jimmy Miller, with which they would work until 1973. It is the first of a series of four studio albums that are usually considered the pinnacle of the Stones' work (along with Sticky Fingers, Let It Bleed and Exile on Main St.). 5 Their publication was originally planned for July 26 of that same year, but was postponed for several months due to a dispute with his record label, Decca Records, about the controversial cover that the group intended to use.6 Finally, Beggars Banquet went on sale on December 6, 1968 with a completely white cover and with only the name of the album written in golden letters. The production features songs with a rhythm & amp; amp; blues, assuming the band's return to their roots after their previous experimental production, Their Satanic Majesties Request, in which they rehearsed other musical styles, such as psychedelic rock. There are also country music themes. The lyrics of some songs have themes focused on social criticism, inspired by the revolts and conflicts of those days, and philosophical, for the high number of books on philosophy and poetry that Mick Jagger read at that time.7 He debuted in the first places of the popularity charts of United States and the United Kingdom, reaching soon the million copies in sales. For its promotion two singles were put into circulation: "Jumpin 'Jack Flash", which was a great success, but was not included in the album, and "Street Fighting Man". The reproduction of this last song was boycotted by several radio stations. The Stones abandoned the psychedelic experimentation to return to their blues roots in this famous album, which was immediately hailed as one of its most outstanding achievements. A strong taste of Delta acoustic blues colors much of the material, particularly "Salt of the Earth" and "No Expectations", which presents a beautiful guitar work with slides. The rock & amp; basic roll did not forget, however: "Street Fighting Man", a reflection of the political turbulence of 1968, was one of his most innovative singles, and "Sympathy for the Devil", with his guitar that dances to fire, leering Jagger voices, African rhythms and explicitly satanic lyrics were an epic that defined the image. In "Stray Cat Blues," Jagger and his team began to explore the kind of decadent sexual sleaze they would lead to the point of self-parody in the mid-1970s. At that time, however, the focus was still fresh, and the lyrical bite of most of the material ensured Beggars Banquet's place as one of the best blues-based rock albums of all time.
The Rolling Stones went back to basics when their creator vanished. His seventh album, Beggars Banquet, marked the beginning of the end for his founding guitarist, Brian Jones.

Bruce Springsteen - Springsteen on Broadway

Nunca en la historia del rock & roll ha habido una producción como Springsteen en Broadway. Después de un ajetreado 2016 que comenzó con él en una gira de The River with the E-Street Band y concluyó con la publicación de su autobiografía Born to Run, Springsteen decidió quedarse en un lugar para el 2017: Nueva York, para ser más específicos. donde comenzó una residencia en el Teatro Walter Kerr en octubre de 2017, realizando un espectáculo basado en sus memorias. Springsteen on Broadway resultó ser un gran éxito, permanecer en Broadway hasta el 15 de diciembre de 2018 y conmemorarse con un especial de Netflix respaldado por este documento de doble disco del programa.
Todos los puntos fuertes de la producción son evidentes en el álbum: la ingeniosa construcción del espectáculo, donde su historia está estrechamente vinculada a sus canciones, el buen humor y el sentimentalismo ganado, la ilusión de la intimidad. Lo sorprendente de Springsteen en Broadway como un álbum, en comparación con su versión de escenario o de pantalla, es que es posible escuchar la teatralidad pura de la interpretación de Springsteen, tanto en sus introducciones habladas de gran tamaño como en su canto. Se vuelve muy claro que Springsteen interpreta el papel de Springsteen, exagerando ciertos aspectos de su vida y personalidad por su efecto dramático. Esto tiene un efecto dominó a través de las canciones, muchas de las cuales son bastante familiares, con un par de números de los últimos días lanzados en buena medida, que, en este contexto, se sienten escritos en lugar de en vivo. Quizás eso pinche el mito de autenticidad del Jefe para algunos oyentes, pero el efecto neto es una revelación de cuán completamente y con cuidado Springsteen convierte su vida en arte: primero en canciones, luego en versos, y finalmente en el escenario.
Never in rock & roll history has there been a production like Springsteen on Broadway. Following a busy 2016 which opened with him touring a revival of The River with the E-Street Band and concluded with the publication of his autobiography Born to Run, Springsteen decided to stay in one place for 2017 – New York City, to be specific, where he began a residency at the Walter Kerr Theatre in October 2017, performing a show based on his memoir. Springsteen on Broadway turned out to be a runaway success, staying on Broadway through December 15, 2018 and commemorated with a Netflix special supported by this double-disc document of the show.
All of the strengths of the production are apparent on the album: the clever construction of the show, where his story is closely tied to his songs, the good humor and earned sentimentality, the illusion of intimacy. What's striking about Springsteen on Broadway as an album, as compared to either its stage or screen version, is that it's possible to hear the pure theatricality of Springsteen's performance, both in his oversized spoken introductions and singing. It becomes very clear that Springsteen is playing the part of Springsteen, exaggerating certain aspects of his life and persona for dramatic effect. This has a ripple effect through the songs – many of which are quite familiar, with a couple of latter-day numbers thrown in for good measure – which, in this context, feel written instead of live. Perhaps that punctures the Boss' myth of authenticity for some listeners, but the net effect is a revelation of just how thoroughly and carefully Springsteen turns his life into art: first into song, then into verse, then finally onto stage.

viernes, 7 de diciembre de 2018

Van Morrison lanza su nuevo disco "The prophet speaks",


The Prophet Speaks es el cuadragésimo álbum de estudio del músico norirlandés Van Morrison, programado para ser publicado el 2 de diciembre de 2018 por la compañía discográfica Caroline International.​ El álbum incluye seis composiciones de Morrison junto a ocho versiones de otros artistas como Sam Cooke, John Lee Hooker, Solomon Burke y Willie Dixon, de forma similar a trabajos anteriores como Versatile y Roll with the Punches. En un comunicado de prensa sobre el anuncio de The Prophet Speaks, Morrison comentó: "Es importante para mí volver a grabar nueva música así como hacer algo del material de blues que me inspiró en mis comienzos. Escribir canciones y hacer música es lo que hago, y trabajar con grandes músicos lo convierte en más disfrutable".
The Prophet Speaks is the forty-fifth studio album by the Northern Irish musician Van Morrison, scheduled to be published on December 2, 2018 by the record company Caroline International.The album includes six compositions by Morrison along with eight versions of other artists such as Sam Cooke , John Lee Hooker, Solomon Burke and Willie Dixon, similar to previous works like Versatile and Roll with the Punches. In a press release on the announcement of The Prophet Speaks, Morrison commented: "It is important for me to re-record new music as well as make some of the blues material that inspired me in my beginnings." Writing songs and making music is what I do , and working with great musicians makes it more enjoyable. "

lunes, 3 de diciembre de 2018

ERIC CLAPTON - Happy Xmas


El primer álbum completo de vacaciones de estudio de Eric Clapton, Happy Xmas, se encuentra en Clabton's Bushbranch Records / Surfdog Records. Happy Xmas es el 24º álbum de estudio de Clapton y su primer álbum desde "I Still Do" de 2016. Mezcla clásicos de vacaciones reconocibles al instante con títulos únicos menos conocidos, junto con una nueva canción original "For Love On Christmas Day". The Bushbranch Records / Surfdog Records set, que cuenta con una ilustración de portada de Santa Claus por Clapton, es el álbum número 24 de estudio de Slowhand y el primero desde el 2016 I Still Do. Las 14 pistas del álbum son una mezcla de estándares que incluyen "White Christmas", "Silent Night" y "Away in a Manger" y las melodías navideñas menos conocidas, junto con una nueva canción original, "For Love On Christmas Day". La interpretación de Claption "Jingle Bells" está dedicado a "la memoria Avicii", debido a la admiración del cantante por el fallecido DJ.
"Tenía en mente que estas canciones navideñas se podían hacer con un ligero tinte de blues, y comencé a descubrir cómo tocar las líneas de blues entre las voces", dijo Clapton, quien co-produjo Happy Xmas con el productor musical de larga data. Simon Climie. "Lo entendí y una de las canciones más identificables del álbum, la que se convirtió en el estilo fundamental, es 'Have Aourself a Merry Little Christmas'".
Eric Clapton’s first ever full-length studio holiday album, Happy Xmas, is on Clapton’s Bushbranch Records/Surfdog Records. Happy Xmas is Clapton’s 24th studio album and his first since 2016’s “I Still Do.” It mixes instantly recognizable holiday classics with lesser-known unique titles along with an original new song “For Love On Christmas Day.” The Bushbranch Records/Surfdog Records set, which features a cover illustration of Santa Claus by Clapton, is Slowhand’s 24th studio album and his first since 2016’s I Still Do. The album’s 14 tracks are a mix of standards including “White Christmas,” “Silent Night,” and "Away in a Manger" and lesser known holiday tunes, along with an original new track, “For Love On Christmas Day.” Claption's rendition of “Jingle Bells" is dedicated to "the memory Avicii," due to the singer's admiration for the late DJ.
"I had in my head that these holiday songs could be done with a slight blues tinge, and I started to figure out how to play the blues lines in between the vocals,” said Clapton, who co-produced Happy Xmas with longtime music producer Simon Climie. “I got it down and one of the most identifiable songs on the album, the one that became the foundational style, is ‘Have Yourself a Merry Little Christmas.’”

GRETA VAN FLEET - Anthem Of The Peaceful Army


Greta Van Fleet es una banda de rock estadounidense formada en Frankenmuth (Míchigan), en el año 2012. La banda está compuesta por el vocalista Josh Kiszka, el guitarrista Jake Kiszka, el bajista Sam Kiszka y el baterista Danny Wagner. Firmaron por la discográfica Lava Records en marzo de 20172​ y en abril, la banda lanzó su primer EP, Black Smoke Rising. Su single debut, «Highway Tune», encabezó las estaciones Billboard US Mainstream Rock Tracks en septiembre de 2017 como número uno durante cuatro semanas seguidas.3​ Un segundo EP, From the Fires, que contiene las cuatro canciones de Black Smoke Rising y cuatro nuevas canciones, fue lanzado el 10 de noviembre de 2017, junto con un segundo single, «Safari Song». La banda está influenciada principalmente por el trabajo de Led Zeppelin y muchas otras bandas de rock y blues, con el vocalista principal Josh Kiszka teniendo una voz que se ha comparado con el «gruñido ronco» de Robert Plant.2​4​ En 2018, mediante una entrevista, Robert Plant alega que «ellos son Led Zeppelin I» y describe a Josh Kiszka como un «hermoso pequeño cantante». Hace poco más de un año y medio desde que Greta Van Fleet explotó en la escena con su primer single, "Highway Tune". Dos EP y varios éxitos más tarde, los hard rockers de Michigan finalmente han lanzado su álbum debut de larga duración, Anthem of the Peaceful Army. Anthem fue grabado en Nashville y Royal Oak, Michigan, junto con el trío de producción Marlon Young, Al Sutton y Herschel Boone (también conocido como The Rust Brothers). Las 10 pistas del álbum fueron coescritas por los cuatro miembros de Greta Van Fleet: los gemelos Josh (voz) y Jake Kiszka (guitarras), su hermano Sam (bajo) y el baterista Danny Wagner. Sigue el par de EPs de 2017, Black Smoke Rising y From the Fires. Hablando sobre cómo su versión reverencial específica de blback rock bling ha tenido tanto éxito en los últimos dos años, Sam le dijo a Premier Guitar: "Creo que lo que realmente nos diferencia es el momento en que nuestra música se acerca. En este momento, llegará en un momento en que su estéreo no está recibiendo señales de música auténtica. Y es hora de que eso cambie. Greta Van Fleet tiene la oportunidad de devolver el auténtico blues-rock a la escena popular. "Somos tres hermanos y un mejor amigo, nos amamos mucho, escribimos todas nuestras canciones juntas y pusimos el poder detrás de nuestra música en esta escena moderna".


Greta Van Fleet is an American rock band from Frankenmuth, Michigan, formed in 2012. It consists of vocalist Josh Kiszka, guitarist Jake Kiszka, bassist Sam Kiszka, and drummer Danny Wagner. They were signed to Lava Records in March 2017 and a month later the band released their debut studio EP, Black Smoke Rising. Their debut single, "Highway Tune", topped the Billboard US Mainstream Rock and Active Rock charts in September 2017 for four weeks in a row. A second EP From the Fires, containing the four songs from Black Smoke Rising and four new songs, was released on November 10, 2017, alongside a second single, "Safari Song". Their debut full length studio album, Anthem of the Peaceful Army, was released on October 19, 2018 and it topped the Billboard Rock Album charts in the first week after its release, with the album's first single, "When the Curtain Falls", being released ahead of it in July 2018 and eventually becoming the band's third number one US single on the Billboard Mainstream Rock charts. Anthem of the Peaceful Army also launched atop the Billboard Hard Rock charts and reached the number one spot on the Billboard Top Album Sales charts in the first week after its release.
It’s been just over a year and a half since Greta Van Fleet exploded onto the scene with their debut single, “Highway Tune”. Two EPs and a number of hits later, the Michigan hard rockers have finally delivered their debut full-length album, Anthem of the Peaceful Army. Anthem was recorded in Nashville and Royal Oak, Michigan alongside production trio Marlon Young, Al Sutton and Herschel Boone (aka The Rust Brothers). The album’s 10 tracks were co-written by the four members of Greta Van Fleet: twins Josh (vocals) and Jake Kiszka (guitars), their brother Sam (bass), and drummer Danny Wagner. It follows the band’s pair of 2017 EPs, Black Smoke Rising and From the Fires. Speaking about how their specific, reverential version of throwback blues rock has soared to such great success over the last two years, Sam told Premier Guitar: “I think what really sets us apart is the time our music is coming. Right now, it’s coming at a time when your stereo is not receiving signals of authentic music. And it’s time for that to change. Greta Van Fleet has a chance to bring authentic blues-rock back into the popular scene. We are three brothers and a best friend, we really love each other, we write all of our songs together, and we put power behind our music in this modern scene.”

MARK KNOPFLER - Down The Road Wherever

El noveno álbum de estudio de Mark Knopfler 'Down The Road Wherever' presenta nuevas canciones sin pretensiones y elegantes inspiradas en una amplia gama de temas, incluidos sus primeros días en Deptford con Dire Straits, un fanático del fútbol perdido en una ciudad extraña, y la compulsión de un Músico enganchado a casa a través de la nieve. Mark tiene un ojo de poeta para contar los detalles que infunden sus canciones con su psicogeografía única, 'donde el Delta se encuentra con el Tyne' como él lo describe, y su cálido tono vocal de Geordie y su hábil interpretación de guitarra ricamente melódica son tan impresionantes y emocionantes como siempre. El equipo que Knopfler reunió a su alrededor para las sesiones de grabación incluye a muchos de los músicos que han estado con él en el estudio y en la carretera durante años. Entre ellos se encuentran el teclista Guy Fletcher, quien ha trabajado con él desde los días de Dire Straits y co-produjo Down The Road Wherever con Mark; Jim Cox, también en teclados; Nigel Hitchcock en el saxofón, Tom Walsh en la trompeta, John McCusker (violín), Mike McGoldrick (silbato y flauta), Glenn Worf (bajo), el baterista Ian "Ianto" Thomas y Danny Cummings en percusión. También hay apariciones de Richard Bennett y Robbie McIntosh en la guitarra y Trevor Mires en el trombón. Junto con mayo, el álbum cuenta con el coro de Lance Ellington, Kris Drever, Beverley Skeete y Katie Kissoon.
Mark Knopfler’s ninth solo studio album ‘Down The Road Wherever’ features unhurriedly elegant new songs inspired by a wide range of subjects, including his early days in Deptford with Dire Straits, a stray football fan lost in a strange town, and the compulsion of a musician hitching home through the snow. Mark has a poet’s eye for telling details that infuse his songs with his unique psychogeography – ‘where the Delta meets the Tyne’ as he describes it – and his warm Geordie vocal tone and his deft, richly melodic guitar playing are as breathtaking and thrilling as ever. The team that Knopfler assembled around him for the recording sessions includes many of the musicians who have been with him in the studio and on the road for years. Among them are keyboardist Guy Fletcher, who has worked with him since Dire Straits days and co-produced Down The Road Wherever with Mark; Jim Cox, also on keyboards; Nigel Hitchcock on saxophone, Tom Walsh on trumpet, John McCusker (fiddle), Mike McGoldrick (whistle and flute), Glenn Worf (bass), drummer Ian ‘Ianto’ Thomas and Danny Cummings on percussion. There are also appearances by Richard Bennett and the widely-travelled Robbie McIntosh on guitar and Trevor Mires on trombone. Along with May, the album has backing vocals by Lance Ellington, Kris Drever, Beverley Skeete and Katie Kissoon.

THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Electric Ladyland (1968) 50th Anniversary

En celebración del cincuentenario del lanzamiento de Electric Ladyland, la obra maestra de Jimi Hendrix Experience, Experience Hendrix y Legacy Recordings presentan un juego especial de edición de lujo que brinda al oyente una mirada increíblemente íntima en la realización del proyecto más completo y cohesionado de Toda la carrera de Hendrix. Repartidas en 3 CD y 1 Blu-ray, el juego incluye CD1: el álbum original, ahora remasterizado por Bernie Grundman de las cintas analógicas originales. CD2: Electric Ladyland: The Early Takes, que presenta 20 demostraciones y tomas de estudio nunca antes escuchadas. Incluido son demostraciones increíblemente íntimas para ideas de canciones que Hendrix grabó en una cinta de carrete en el Drake Hotel, así como en las primeras sesiones de grabación con apariciones como invitados de Buddy Miles, Stephen Stills y Al Kooper CD3: La Experiencia Jimi Hendrix: En vivo en el Hollywood Bowl 9/14/68, que forma parte de la serie de contrabando oficial de Hendrix's Dagger Records. La grabación de la caja de resonancia recientemente desenterrada captura la banda y la emoción creciente que tuvo lugar unas semanas antes del lanzamiento de Electric Ladyland Blu-Ray: incluye el aclamado documental de larga duración At Last ... The Beginning: The Making of Electric Ladyland, el primer sonido envolvente 5.1. mezcla de sonido de todo el álbum original supervisado por el ingeniero original de Hendrix, Eddie Kramer, más las mezclas estéreo originales en audio de alta resolución sin comprimir de 24 bits / 96 kz. Electric Ladyland Deluxe Edition incluye un libro a todo color de 48 páginas que contiene letras escritas a mano de Jimi, poema e instrucciones para su sello discográfico, así como fotos nunca antes publicadas de las sesiones de grabación que fueron tomadas por el propio Eddie Kramer. Todo contenido en un lujoso libro hecho en casa con una portada nueva que es fiel a la visión original de Hendrix de la portada del álbum: una fotografía de Linda (McCartney) Eastman de la banda y los niños en la estatua de Alice In Wonderland en Central Park de Nueva York.
In celebration of the 50th anniversary of the release of The Jimi Hendrix Experience masterpiece Electric Ladyland, Experience Hendrix and Legacy Recordings present a special Deluxe Edition box set that gives the listener an amazingly intimate look into the making of the most fully realized, cohesive project of Hendrix's entire career. Spread across 3 CDs and 1 Blu-ray the set includes CD1: the original album, now newly remastered by Bernie Grundman from the original analog tapes. CD2: Electric Ladyland: The Early Takes, which presents 20 never before heard demos and studio outtakes. Included are incredibly intimate demos for song ideas Hendrix recorded himself on a reel-to-reel tape at the Drake Hotel, as well as early recording session takes featuring guest appearances from Buddy Miles, Stephen Stills and Al Kooper CD3:The Jimi Hendrix Experience: Live At the Hollywood Bowl 9/14/68, part of Experience Hendrix's Dagger Records official bootleg series. The recently unearthed soundboard recording captures the band and the mounting excitement that took place just weeks before the release of Electric Ladyland Blu-Ray: includes the acclaimed full-length documentary At Last… The Beginning: The Making of Electric Ladyland, the first 5.1 surround sound mix of the entire original album ever overseen by Hendrix s original engineer Eddie Kramer plus the original stereo mixes in uncompressed 24 bit/96 kz high resolution audio. Electric Ladyland Deluxe Edition includes a full color, 48-page book containing Jimi's handwritten lyrics, poem and instructions to his record label, as well as never before published photos from the recording sessions that were shot by Eddie Kramer himself. All contained in a luxe casemade book with new cover art which is true to Hendrix's original vision of the album s cover: a Linda (McCartney) Eastman photograph of the band and children at the statue of Alice In Wonderland in New York's Central Park.

BETH HART - Live At The Royal Albert Hall


Beth Hart es una cantante y compositora estadounidense de blues, rock, soul y jazz. Es una de las contralto más respetadas por su potente voz y su intensidad al interpretar. Artistas como Robert Plant, Ella Fitzgerald, Chris Cornell, Janis Joplin, Aretha Franklin, Etta James, entre otros, influenciaron en su particular estilo. Todas estas influencias se ven claramente plasmadas en su discografía a lo largo de su carrera musical. Nacida el 24 de enero de 1972 (46 años) en Los Angeles. Beth Hart hace un infierno de una entrada. Es el 4 de mayo de 2018, y el Royal Albert Hall está en un apagón. Mientras una multitud agotada retiene el aliento en la oscuridad, una figura solitaria aparece desde las sombras y ronronea la línea de apertura de As Long As I A A Song con esa inconfundible voz de miel quemada. Tomándose su tiempo, seguida por el centro de atención, la cantante y compositora nominada al Grammy se abre camino entre los pasillos de este icónico lugar londinense, entregando la lánguida voz de jazz completamente acapella, mientras agita las manos extendidas de los fanáticos que no pueden creer lo que están presenciando Se necesita un talento especial para comandar esa etapa histórica. Sin embargo, durante las próximas dos horas y 23 canciones, Live At Royal Albert Hall lo mantendrá cautivado, mientras la cantante susurra y grita sus esperanzas, temores y secretos más profundos en su oído, haciendo que este inmenso lugar se sienta como un club de nariz a nariz. espectáculo. Mil entrevistadores han tratado de deshacer el fascinante enigma que es Beth Hart. Pero como Live At Royal Albert Hall nos recuerda, todo lo que necesitas saber está en sus canciones, y en las íntimas historias que ella escribe antes de cada una.
Beth Hart is an American singer and songwriter of blues, rock, soul and jazz. It is one of the most respected contralto due to its powerful voice and its intensity when interpreting. Artists such as Robert Plant, Ella Fitzgerald, Chris Cornell, Janis Joplin, Aretha Franklin, Etta James, among others, influenced their particular style. All these influences are clearly reflected in his discography throughout his musical career. Born on January 24, 1972 (46 years old) in Los Angeles. Beth Hart makes a hell of a ticket. It is May 4, 2018, and the Royal Albert Hall is in a blackout. While an exhausted crowd holds its breath in the dark, a solitary figure appears from the shadows and purrs the opening line of As Long As I To A Song with that unmistakable voice of burned honey. Taking her time, followed by the spotlight, the Grammy-nominated singer and composer makes her way through the corridors of this iconic London place, delivering the languid jazz voice completely acapella, while waving the outstretched hands of fans who can not. believe what they are witnessing A special talent is needed to command that historical stage. However, during the next two hours and 23 songs, Live At Royal Albert Hall will keep you captivated, while the singer whispers and shouts her hopes, fears and deeper secrets in her ear, making this huge place feel like a club. nose to nose show. A thousand interviewers have tried to undo the fascinating enigma that is Beth Hart. But as Live At Royal Albert Hall reminds us, all you need to know is in her songs, and in the intimate stories she writes before each one.

NEIL YOUNG - Songs For Judy


Songs For Judyis es una colección cautivadora de actuaciones acústicas en vivo extraídas de la gira en solitario de Neil en noviembre de 1976 y presenta veintidós canciones grabadas en varias ciudades a lo largo de la gira. Este ciclo de canciones de grabaciones en vivo es particularmente poderoso y único. Young había pasado gran parte del año viajando por el mundo con Crazy Horse. Cuando viajaba solo, se recargó y se enfocó en canciones que no saldrían a la superficie en forma grabada durante varios años. De los muchos tesoros del álbum, "Nadie parece saberlo" no vería la luz del día hasta ahora y permanece inédito en cualquier otra alternación. Las versiones en bruto de las pistas encontradas enSongs For Judyreflect un artista completamente sin adornos y sin miedo de permitir que las canciones respiren y encontrar su propia forma cuando se realizan en un solo. Las canciones escritas en esa era se enfocan y luego desaparecen aparentemente solo para volver a entrar en la órbita de Young en algún lugar del camino. "White Line" y "Give Me Strength" son ejemplos de cómo encontrar la luz en 1990 y 2017 respectivamente. También es fascinante escuchar a Young revisar gemas tempranas como "Mr. Soul" ('67) de Springfield, "Here We Are In The Years" ('68) y "The End of the end" ('69) de algunos de sus primeros Grabaciones en solitario que permanecen tan eternas como siempre.

Songs For Judyis athoroughly engaging collection of live acoustic performances culled from Neil's November 1976 solo tour and features twenty-two songs recorded at various cities along the tour. This song cycle of live recordings is particularly powerful and unique. Young had spent much of the year traveling around the world on tour with Crazy Horse. When touring on his own, he recharged and focused on songs that would not surface in recorded form for several years. Of the albums many treasures, "No One Seems To Know" would not see the light of day until now and it remains unreleased in any other iteration. The raw versions of the tracks found onSongs For Judyreflect an artist completely unvarnished and unafraid to allow the songs to breath and to find their own shape when performed in a solo setting. Songs written in that era would come into focus and then seemingly disappear only to re-enter Young's orbit somewhere down the road. "White Line" and "Give Me Strength" are such examples of finding the light in 1990 and 2017 respectively. It's also fascinating to hear Young revisit early gems such as Springfield's "Mr. Soul" ('67), "Here We Are In The Years" ('68), and "The Losing End" ('69) from some of his earliest solo recordings which remain as timeless as ever.

domingo, 3 de junio de 2018

Muere Eddy Clearwater


Eddy "The Chief" Clearwater (10 de enero de 1935 - 1 de junio de 2018), el nombre artístico de Edward Harrington, fue un músico estadounidense de blues blues que se especializó en Chicago. Blues Revue dijo que interpreta "alegres hazañas ... testifica con asombroso fervor de almas y una poderosa guitarra". Uno de los mejores compositores de blues. "Clearwater murió en su casa en Skokie el 1 de junio de 2018 de insuficiencia cardíaca a la edad de 83 años Harrington nació en Macon, Misisipi. Fue criado por su abuela, parte de Cherokee [ cita requerida ] en Mississippi. Su familia se mudó a Birmingham, Alabama , en 1948. Era primo del jugador de armónica de blues Carey Bell. Comenzó a tocar la guitarra a los 13 años, enseñándose a sí mismo como zurdo y boca abajo. Comenzó a actuar con grupos de gospel, incluyendo Five Blind Boys of Alabama . Se mudó a Chicago en 1950, tocando predominantemente gospel, y más tarde desarrolló su arte del blues después de trabajar con Magic Sam , Otis Rush y otros. Clearwater es mejor conocido por su actividad en la escena del blues de Chicago desde la década de 1950. Actuó en Estados Unidos (especialmente en el área de Chicago , donde reside) e internacionalmente, habiendo tocado en festivales de blues en Francia , Alemania , Dinamarca , Polonia y Holanda . Su sonido ha sido descrito como "blues de la ciudad de los vientos extremos, baladas teñidas de soul, blues country acústicos y levantamientos evangélicos ... fuegos artificiales de diapasón de buen carácter". Cuando dejó el sur de Chicago en 1950, trabajó como lavaplatos mientras vivía con un tío, a través del cual conoció a muchos de los maestros del blues de Chicago, entre ellos Otis Rush (también guitarrista zurdo) y Magic Sam. Inspirado por la música de Chuck Berry , comenzó a interpretar algunas de las canciones de Berry y escribir en un estilo influenciado por él. Clearwater todavía ejecuta regularmente canciones de Rush, Magic Sam y Berry, así como composiciones originales. En 1953, luego conocido como Guitar Eddy , comenzó a trabajar regularmente en bares en South and West Sides de Chicago. Su primer sencillo, el "Hill Billy Blues" de Berry , fue grabado en 1958 para la etiqueta Atomic H de su tío, bajo el nombre de Clear Waters , un nombre que le dio su manager, el baterista Jump Jackson , como una obra de teatro sobre el nombre de las famosas aguas fangosas . Grabó algunos singles más, que tenían algunos airplay de radio local. Finalmente, el nombre Clear Waters se convirtió en Eddy Clearwater . Trabajó constantemente durante los años 60 y 70 y fue uno de los primeros músicos de blues en tener éxito con el público universitario del lado norte de Chicago. Era un acto regular del sábado en el escenario norte del club de blues Kingston Mines , mientras que el bluesman Linsey Alexander tocaba en el escenario sur. [6] Recorrió Europa dos veces durante la década de 1970 y apareció en la BBC Television. Clearwater adquirió el apodo de El Jefe y a menudo actuó con un tocado nativo americano. El lanzamiento de su álbum de 1980, The Chief , en la etiqueta de Rooster Blues, lo hizo conocido en la escena del blues de Chicago. Dos bises para Rooster Blues, Help Yourself (1992) y Mean Case of the Blues (1996), consolidaron la reputación de Clearwater. Su álbum Cool Blues Walk fue lanzado en 1998, seguido por Chicago Daily Blues en 1989 y Reservation Blues a mediados del 2000. En 2004, fue nominado para un premio Grammy con Los Straitjackets por su álbum colaborativo Rock 'n' Roll City . Su álbum West Side Strut , lanzado por Alligator Records en 2008, fue descrito por la revista Vintage Guitar como "genial blues". El tono de Eddy muestra un dominio magistral de la guitarra. Es difícil creer que pueda llegar a esas alturas en un estudio de grabación. Uno escucha y te preguntarás por qué el nombre de Clearwater no se pronuncia respetuosamente en el mismo aliento que Freddie King y Otis Rush ".





Eddy "The Chief" Clearwater (January 10, 1935 - June 1, 2018), the stage name of Edward Harrington, was an American blues blues musician who specialized in Chicago. Blues Revue said he plays "happy deeds ... testifies with amazing soul fervor and a powerful guitar." One of the best blues composers. "Clearwater died at his home in Skokie on June 1, 2018 of heart failure at the age of 83
Harrington was born in Macon, Mississippi. He was raised by his grandmother, part of Cherokee [citation needed] in Mississippi. His family moved to Birmingham, Alabama, in 1948. He was a cousin of blues harmonica player Carey Bell.
He started playing the guitar at age 13, teaching himself to be left-handed and face down. He began acting with gospel groups, including Five Blind Boys of Alabama.
He moved to Chicago in 1950, playing predominantly gospel, and later developed his blues art after working with Magic Sam, Otis Rush and others.
Clearwater is best known for its activity on the Chicago blues scene since the 1950s. He performed in the United States (especially in the Chicago area where he resides) and internationally, having played at blues festivals in France, Germany, Denmark , Poland and Holland. Their sound has been described as "blues of the city of extreme winds, ballads tinged with soul, acoustic blues country and evangelical uprisings ... good-natured finger-fire fireworks".
When he left South Chicago in 1950, he worked as a dishwasher while living with an uncle, through which he met many of Chicago's blues masters, including Otis Rush (also left-handed guitarist) and Magic Sam. Inspired by the music of Chuck Berry, he began to interpret some of Berry's songs and write in a style influenced by him. Clearwater still regularly performs songs by Rush, Magic Sam and Berry, as well as original compositions. In 1953, later known as Guitar Eddy, he began working regularly in bars in the South and West Sides of Chicago. His first single, Berry's "Hill Billy Blues," was recorded in 1958 for his uncle's Atomic H label, under the name Clear Waters, a name given to him by his manager, drummer Jump Jackson, as a work of theater on the name of the famous muddy waters.
He recorded some more singles, which had some local radio airplay. Finally, the name Clear Waters became Eddy Clearwater. He worked constantly during the 60s and 70s and was one of the first blues musicians to succeed with the university public on the north side of Chicago. It was a regular Saturday performance on the northern stage of blues club Kingston Mines, while bluesman Linsey Alexander played on the south stage.  He toured Europe twice during the 1970s and appeared on BBC Television. Clearwater acquired the nickname El Jefe and often acted with a Native American headdress.
The release of his 1980 album, The Chief, on the label of Rooster Blues, made him known in the Chicago blues scene. Two encores for Rooster Blues, Help Yourself (1992) and Mean Case of the Blues (1996), consolidated the reputation of Clearwater. His album Cool Blues Walk was released in 1998, followed by Chicago Daily Blues in 1989 and Reservation Blues in mid-2000. In 2004, he was nominated for a Grammy Award with Los Straitjackets for his collaborative album Rock 'n' Roll City.
His album West Side Strut, released by Alligator Records in 2008, was described by Vintage Guitar as "great blues." Eddy's tone shows a masterful mastery of the guitar. It's hard to believe that I can reach that height in a recording studio. One listens and you wonder why the name of Clearwater is not pronounced respectfully in the same breath as Freddie King and Otis Rush "

domingo, 25 de marzo de 2018

Nazareth "Close Enough for Rock 'n' Roll"


Nazareth es una banda escocesa de hard rock formada en Dunfermline, Escocia en 1967 de los restos de una banda local llamada The Shadettes, formada por Dan McCafferty, Manny Charlton, Pete Agnew y Darrell Sweet. Tras más de cuarenta años de su formación se trata de una de las bandas británicas más reconocidas. El grupo lo integran actualmente Pete Agnew (bajista fundador), Dan McCafferty (vocalista fundador), Jimmy Murrison (guitarra) y Lee Agnew (Hijo de Pete Agnew, batería que sustituye al fallecido Darrell Sweet, quien murió en 1999). Es considerada una banda pionera del hard rock estadounidense, pese a su origen británico. El grupo ha vendido millones de discos en todo el mundo gracias a temas como "Love Hurts", "Hair of the Dog", "Telegram", "Holiday", "Broken Down Angel", "Star", "Shanghai'd in Shanghai" y "Razamanaz". Es una de esas agrupaciones cuyas canciones son conocidas por miles y miles de personas, aunque no siempre se relacionen con el grupo. Nazareth es también uno de los pocos grupos de rock clásicos que se mantiene vigente, a pesar de los constantes cambios en el gusto musical de las nuevas generaciones. La banda formó en 1968 con la fusión de dos bandas locales de Dunfermline. Influenciados por grupos como The Kinks, Deep Purple, Led Zeppelin, The Yardbirds, The Band, Cream, The Rolling Stones, Vanilla Fudge, The Who y Jimi Hendrix, Nazareth empezó realizando pequeñas presentaciones hasta 1970.
Close Enough for Rock 'n' Roll es el séptimo álbum de estudio de la banda escocesa de hard rock Nazareth, lanzado en 1976. El tema principal, Telegram, es la historia definitiva de las bandas de rock de 1970 y describe la experiencia de la banda de resacas, viajes en avión y limusina, aduana, radio FM, chicas, desayuno, recepción de prensa, prueba de sonido y finalmente el show con una guitarra insistente. riff que irrumpe en una versión corta del golpe de Byrds antes de regresar al riff y la historia. Incluye el título del álbum en las letras, esto hace referencia a un dicho entre los guitarristas: no importa si tu guitarra está totalmente afinada, siempre y cuando esté "lo suficientemente cerca para el rock 'n' roll". Telegram (partes 1-3 solamente) fue el primer concierto de Nazaret durante muchos años, incluidos los shows de 1981 grabados para el álbum de Snaz y es uno de sus mejores logros.

Nazareth are a Scottish hard rock band formed in 1968, that had several hits in the United Kingdom, as well as in several other West European countries in the early 1970s, and established an international audience with their 1975 album Hair of the Dog, which featured their hits "Hair of the Dog" and a cover of the ballad "Love Hurts". The band continues to record and tour.
Close Enough for Rock 'n' Roll is the seventh studio album by the Scottish hard rock band Nazareth, released in 1976. The lead track, Telegram, is the definitive story of 1970's touring rock bands and describes the band's experience of hangovers, travel by aeroplane and limousine, customs, FM radio, girls, breakfast, press reception, soundcheck and finally the show over an insistent guitar riff that bursts into a short version of the Byrds hit before returning to the riff and the story. It includes the album title in the lyrics - this references a saying among guitar players: it doesn't matter if your guitar is fully in tune, as long as it's "close enough for rock 'n' roll". Telegram (Parts 1-3 only) was Nazareth's concert opener for many years, including the 1981 shows recorded for the Snaz album and is one of their finest achievements.

Frank Zappa "Sheik Yerbouti"


Sheik Yerbouti es un doble LP del músico y compositor estadounidense Frank Zappa que contiene material grabado en 1977 y 1978. El lanzamiento original fue el 3 de marzo de 1979 a través de la discográfica de Zappa, Zappa Records, y reeditado en CD por Rykodisc el 9 de mayo de 1995. Sheik Yerbouti representó un gran cambio en la carrera de Zappa. Fue su primer álbum lanzado en su propia etiqueta epónima luego de su salida de Warner Bros. Records. Enfatizó el aspecto cómico de sus letras mucho más que antes, comenzando un periodo de mayores ventas y atención del público y la media. Sheik Yerbouti se mantiene como el álbum con mayor ventas en la carrera de Zappa, con 2 millones de unidades vendidas hasta la fecha. El álbum destaca el humor satírico, y un tanto ofensivo, de Zappa. "Bobby Brown" es reconocida mundialmente, excepto por los Estados Unidos, donde fue prohibido el ponerla al aire debido a sus letras. "I Have Been in You" es una parodia al éxito de Peter Frampton de 1977 "I'm in You", manteniendo letras con altas referencias sexuales. "Dancin' Fool", nominada al Grammy se convirtió en una popular canción en las discos a pesar de su obvia parodia a este tipo de música. "Jewish Princess", una burla hacia los estereotipos Judíos, atrajo la atención de la Liga Antidifamación, a la cual Zappa negó pedir disculpas, argumentando: "A diferencia del unicornio, dichas criaturas existen y merecen ser 'conmemoradas'".


 Sheik Yerbouti is a double album by Frank Zappa made up of material recorded in 1977 and 1978. It was first released on March 3, 1979 as the first release on Zappa Records and distributed by Phonogram Inc. Sheik Yerbouti represented a major turning point in Zappa's career. It was the first album to be released on his own eponymous label after his departure from Warner Bros. Records. It emphasized the comedic aspect of his lyrics more than ever before, beginning a period of increased record sales and mainstream media attention. Sheik Yerbouti remains Zappa's biggest selling album worldwide with over 2 million units sold to date.

Led Zeppelin lll



Led Zeppelin III es el tercer álbum de estudio de Led Zeppelin, lanzado el 5 de octubre de 1970 por Atlantic Records. El álbum representó una maduración de la música de la banda, hacia un mayor énfasis en los sonidos folk y acústicos. Esto sorprendió a muchos fans y críticos, y tras su lanzamiento el disco recibió críticas bastante indiferentes. A pesar de esto, Led Zeppelin III es actualmente elogiado y reconocido por mostrar que Led Zeppelin eran más que una banda de rock convencional, y que podría ramificarse en un territorio musical más amplio. Este álbum añadía acústica y elementos de funk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a los seguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra la música heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el material acústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stills and Nash (and Young). En ese año la revista Rolling Stone había dado duras críticas al álbum; estas no se pueden encontrar en los archivos porque fueron eliminadas, dado que éste LP representa, en la actualidad, uno de los mejores trabajos de la banda. «Debe darse crédito a Bron-Yr-Aur, una casita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tanto olvidada de auténtica plenitud que sirvió de incentivo a algunos de estos planteamientos musicales», agosto de 1970. Esta cita, incluida en la cubierta de Led Zeppelin III sirve para explicar el carácter sorprendentemente tranquilo de las canciones. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el material a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de The Rolling Stones) y los estudios Island en Londres. El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas funk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de Led Zeppelin II, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al tercer álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de los mejores discos de la banda. En cuanto al aspecto externo del disco, la portada es mucho más atrevida que las dos anteriores y está plagada de imaginería hippie. En la edición en vinilo, la carpeta está cubierta de agujeros, con lo que se puede ver la funda del disco, con un diseño completamente psicodélico. Detrás de la portada había un disco laminado giratorio cubierto con más imágenes, incluyendo fotos de los miembros de la banda, que al girarse se mostraban a través de agujeros en la cubierta. Esto no podría ser replicado en una portada de cassette o CD convencional, aunque existieron CDs japoneses y británicos envasados en versiones en miniatura de la portada original. El conjunto total, ideado por un tal Zacron, no pareció ser del agrado de Page:
                                    

Led Zeppelin III is the eponymous third studio album by the English rock band Led Zeppelin, released on 5 October 1970 by Atlantic Records in the United States and on 23 October 1970 in the United Kingdom. The songs were recorded using The Rolling Stones Mobile Studio, Headley Grange, and Hampshire Island Studios Olympic Studios, London. The album represented a maturing of the band's music towards a greater emphasis on folk and acoustic sounds. This surprised many fans and critics, and upon its release the album received rather indifferent reviews. Led Zeppelin III is generally praised and acknowledged as representing an important milestone in the band's history, and a turning point in their music. Although acoustic songs had been featured on its predecessors, this album showed that Led Zeppelin were more than just a conventional rock band, and that they could branch out into wider musical territory, like folk. Many of the songs featured on the album were conceived in mid-1970 at Bron-Yr-Aur, an 18th-century cottage in Gwynedd, Wales, on a hilltop overlooking the Dyfi Valley, three miles north of the market town Machynlleth. There, Jimmy Page and Robert Plant spent some time after an exhausting concert tour of North America to play and compose new music. This remote setting had no running water or electric power, which encouraged a slight change of musical direction for the band towards an emphasis on acoustic arrangements. As Page later explained: After the intense touring that had been taking place through the first two albums, working almost 24 hours a day, basically, we managed to stop and have a proper break, a couple of months as opposed to a couple of weeks. We decided to go off and rent a cottage to provide a contrast to motel rooms. Obviously, it had quite an effect on the material that was written... It was the tranquility of the place that set the tone of the album. Obviously, we weren't crashing away at 100 watt Marshall stacks. Having played acoustic and being interested in classical guitar, anyway, being in a cottage without electricity, it was acoustic guitar time... After all the heavy, intense vibe of touring which is reflected in the raw energy of the second album, it was just a totally different feeling. Plant has expressed similar recollections: [Bron-Yr-Aur] was a fantastic place in the middle of nowhere with no facilities at all--and it was a fantastic test of what we could do in that environment. Because by that time we'd become obsessed with change, and the great thing was that we were also able to create a pastoral side of Led Zep. Jimmy was listening to Davey Graham and Bert Jansch and was experimenting with different tunings, and I loved John Fahey. So it was a very natural place for us to go to. After preparing the material that would emerge on the album, Page and Plant were joined by John Bonham and John Paul Jones at Headley Grange, a run-down mansion in East Hampshire, to rehearse the songs. With its relaxed atmosphere and rural surroundings, Headley Grange appealed to the band as the favoured alternative to the discipline of a conventional studio. The album was then recorded in a series of sessions in May and June 1970 at both Headley Grange and at Olympic Studios, London. Some additional work was put in at Island Records' new Basing Street Studios in Notting Hill, London, in July, then mixed at Ardent Studios, Memphis in August 1970 during Led Zeppelin's sixth American concert tour. The album was produced by Page and engineered by Andy Johns and Terry Manning. Six other songs that were recorded during these sessions were released at a later date. "Poor Tom" was released on the 1982 Coda album, "Bron-Yr-Aur" was included on the 1975 double album Physical Graffiti, "Hey, Hey, What Can I Do" was released as the b-side to the 1970 "Immigrant Song" single, later appearing on the first box set in 1990 and then Coda (Deluxe Edition) in 2015 with "St. Tristan's Sword", and "Jennings Farm Blues" and "Key to the Highway/Trouble in Mind" later appeared on the 2014 deluxe edition of the album.

sábado, 24 de marzo de 2018

Jimi Hendrix "Both Sides Of The Sky"


Sides of the Sky es un álbum recopilatorio de Jimi Hendrix, lanzado por Legacy Recordings y Experience Hendrix el 9 de marzo de 2018. El álbum fue el tercer lanzamiento de una trilogía de álbumes de recopilación de "archivos archivados" publicados póstumamente y destacados para seguir hasta Electric Ladyland (1968), comenzando con Valleys of Neptune (2010), y precedida directamente por People, Hell and Angels (2013).

Both Sides of the Sky is a compilation album by Jimi Hendrix, released by Legacy Recordings and Experience Hendrix on March 9, 2018. The album was the third release in a trilogy of posthumously released "archival recordings" compilation albums highlighted as intended for a follow-up to Electric Ladyland (1968), starting with Valleys of Neptune (2010), and preceded directly by People, Hell and Angels (2013).

Nuevo trabajo de Robert Plant "Carry Fire"


Carry Fire es el undécimo álbum de estudio del cantante británico de rock Robert Plant, publicado en 2017 por los sellos Nonesuch y Warner Bros. Records. Es la segunda producción de estudio grabada con su banda de apoyo Sensational Space Shifters, y al igual que el antecesor el nombre del grupo no aparece acreditada en la portada del disco. Luego de ser puesto a la venta logró buenas posiciones en los distintos mercados del mundo, pero principalmente europeos, como por ejemplo llegó hasta el tercer lugar de la lista inglesa UK Albums Chart.​ Por su parte, en los Estados Unidos solo llegó hasta el puesto 14 de los Billboard 200 Para promocionarlo, a mediados de agosto de 2017 se lanzó a través de internet el único sencillo del álbum «The May Queen».

Carry Fire is the eleventh solo studio album by English rock singer, songwriter and musician Robert Plant, released on 13 October 2017 on Nonesuch/Warner Bros. Records. It is the second studio album on which Plant is backed by the Sensational Space Shifters. Carry Fire received positive reviews from critics. On Metacritic, the album holds a score of 84/100 based on 15 reviews, indicating "universal acclaim". The album was selected as the 37th best album of 2017 by Rolling Stone magazine. The album was honoured as the best selling UK Americana album at the 2018 UK Americana Awards.

La Fuga


La Fuga es una banda de rock española de Reinosa (Cantabria) formada en el verano de 1996.1​ Está compuesto por Pedro (voz y guitarra), Nando (guitarra), Alex (bajo) y Edu (batería). Han realizado más de 900 conciertos en una decena de giras y 10 discos publicados. El grupo comenzó a tocar en 1997. En el mes de septiembre, la banda, formada entonces por Edu (batería), Rulo (voz y guitarra), Fito (guitarra y voz) e Iñaki (bajista), comenzó a dar sus primeros conciertos en Reinosa y otros lugares de Cantabria y Palencia.

La Fuga is a Spanish rock band from Reinosa, Cantabria that formed in the summer of 1996. It is composed by Pedro (voice and guitar), Nando (guitar), Raúl (bass) and Edu (drums). They have realized more than 600 concerts in ten tours, and they have published 10 discs to date. The group started to play in 1997. In the month of September, the band, formed then by Edu (drums), Rulo (lead vocals and guitar), Fito (guitar and backing vocals) and Iñaki (bass), started to give their first concerts in Reinosa and other places of Cantabria and Palencia.

martes, 23 de enero de 2018

Nuevo trabajo de Sinkope "El Parque de los poetas"



Sínkope es una banda de rock española (autodefinida como rock rural) originaria de la comarca de La Serena en Extremadura. Sus miembros proceden de Quintana de la Serena y Mérida.
Sinkope viene a presentar su ultimo trabajo "El Parque de los Poetas" en Barcelona el 26/1 en la sala Razzmataz2, pero el jueves en La Música del Segle Passat entrevistaremos a uno de sus componentes Vito Iñiguez que nos hablara de este disco,no os perdáis la entrevista de 20 a 21 horas; en el Prat Radio 91,6fm
                                   
Sínkope is a Spanish rock band (self-defined as rural rock) originally from the region of La Serena in Extremadura. Its members come from Quintana de la Serena and Mérida.
Sinkope comes to present his latest work "The Park of the Poets" in Barcelona on 26/1 in the Razzmataz2 room, but on Thursday in La Musica del Segle Passat we will interview one of its members Vito Iñiguez who will talk about this album, not you miss the interview from 20 to 21 hours; in the Prat Radio 91.6fm


Aqui teneis la entrevista completa del jueves dia 25 a Vito Iñiguez.


domingo, 21 de enero de 2018

Nuevo disco de Joe Satriani "What Happens"

Un disco que se anuncia como "instrumentalmente electrizante", con un power trío: Satriani en la guitarra, el bajista del Rock and Roll Hall of Fame Glenn Hughes (Deep Purple / Black Country Communion) y el batería Chad Smith (Red Hot Chili Peppers). Este último se reunió con Satriani por primera vez desde su trabajo en el supergrupo Chickenfoot. Con la colaboración del productor, ingeniero y mezclador Mike Fraser, habitual de Satriani durante las dos décadas anteriores. Fraser es conocido por grabar y mezclar cada álbum de AC/DC desde The Razors Edge de 1990, junto con sus trabajos clásicos con Satriani desde el lanzamiento de Crystal Planet en 1998. "Desde la dinámica canción de apertura, Energy, hasta el majestuoso rugido de Thunder high on the mountain, y los suaves y sensuales acordes de Smooth soul. Esta incomparable sección de ritmos de rock le da a What happens next una profundidad de groove que lo diferencia de los anteriores trabajos de Satriani". Presentación en el marco de la gira mundial con G3, que Satriani comparte con John Petrucci (Dream Theater) y Uli Jon Roth (Scorpions).
An album that is announced as "instrumentally electrifying", with a power trio: Satriani on guitar, Rock and Roll bassist Hall of Fame Glenn Hughes (Deep Purple / Black Country Communion) and drummer Chad Smith (Red Hot Chili Peppers ). The latter met with Satriani for the first time since his work in the Chickenfoot supergroup. With the collaboration of producer, engineer and mixer Mike Fraser, a regular at Satriani during the previous two decades. Fraser is known for recording and mixing every AC / DC album since The Razors Edge in 1990, along with his classic works with Satriani since the launch of Crystal Planet in 1998. "From the dynamic opening song, Energy, to the majestic roar of Thunder high on the mountain, and the smooth and sensual chords of Smooth soul, this incomparable section of rock rhythms gives What happens next a depth of groove that differentiates it from the previous Satriani works ". Presentation in the framework of the world tour with G3, which Satriani shares with John Petrucci (Dream Theater) and Uli Jon Roth (Scorpions).

lunes, 15 de enero de 2018

Muere Dolores Mary Eileen O'Riordan a los 46 años


Dolores Mary Eileen O'Riordan Burton (Ballybricken, Limerick, Irlanda, 6 de septiembre de 1971-Londres, Reino Unido, 15 de enero de 2018)​ fue una cantante irlandesa, conocida por ser la vocalista femenina de la banda de rock The Cranberries.
The Cranberries es una banda irlandesa de rock, formada en Limerick en 1989 bajo el nombre de The Cranberry Saw Us; más tarde cambiado por la vocalista Dolores O'Riordan. También es asociada con el rock alternativo, el post-punk y el rock celta.[cita requerida] The Cranberries saltó a la fama internacional en la década de 1990 con su álbum debut, Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, que se convirtió en un éxito comercial y vendiendo más de cinco millones de copias en Estados Unidos. El grupo fue uno de los grupos de rock más exitosos de los 90 y vendió más de 14,5 millones de álbumes sólo en los Estados Unidos, mientras que a nivel mundial la cifra asciende a más de 40 millones de discos. La banda ha logrado cuatro álbumes top 20 en el Billboard 200 (Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?; No Need To Argue; To the Faithful Departed y Bury the Hatchet)​ y 20 sencillos en el puesto ocho de las lista de canciones alternativas.

Dolores Mary Eileen O'Riordan Burton (Ballybricken, Limerick, Ireland, September 6, 1971-London, United Kingdom, January 15, 2018) 1 was an Irish singer, known for being the female vocalist of the rock band The Cranberries
The Cranberries is an Irish rock band, formed in Limerick in 1989 under the name of The Cranberry Saw Us; later changed by the vocalist Dolores O'Riordan. It is also associated with alternative rock, post-punk and Celtic rock. [Citation needed] The Cranberries rose to international fame in the 1990s with their debut album, Everybody Else Is Doing It, So Why Can not We ?, which became a commercial success and sold more than five million copies in the United States. The group was one of the most successful rock groups of the 90s and sold more than 14.5 million albums in the United States alone, while worldwide the number amounts to more than 40 million albums. The band has achieved four top 20 albums on the Billboard 200 (Everybody Else Is Doing It, So Why Can not We?, No Need To Argue, To the Faithful Departed and Bury the Hatchet) and 20 singles at number eight the list of alternative songs.

domingo, 14 de enero de 2018

Muere France Gall


Isabelle Geneviève Marie Anne Gall, más conocida como France Gall (París, Francia, 9 de octubre de 1947-Neuilly-sur-Seine, 7 de enero de 2018), fue una popular cantante, actriz y modelo francesa. Desde su infancia la rodeó la música: su padre fue el letrista Robert Gall (autor de, entre otros, «La Mamma» para Charles Aznavour) y su madre Cécile Berthier era hija de Paul Berthier, cofundador del coro Los Pequeños Cantores de la Cruz de Madera. Esto hace que sea prima del guitarrista Denys Lablé y del compositor Vincent Berthier. Tiene dos hermanos mellizos mayores que ella llamados Claude y Patrice, que eran bajista y guitarrista respectivamente. En la primavera de 1963, Robert Gall, al darse cuenta de la buena voz de su única hija de entonces solo 15 años, la animó a grabar canciones y envió las pruebas al editor Denis Burgeois, con quien audicionó en el Teatro de los Campos Elíseos de París en julio. Le impresionó tanto su voz e imagen, que Burgeois la contrató de inmediato y la hizo firmar para la Phillips, donde Burgeois trabajaba como director artístico y donde trabajaba también el compositor Serge Gainsbourg, con el que Gall ganaría el festival de Eurovisión 1965. Este, que por entonces escribía para artistas franceses como Michèle Arnaud (quien también participó en el Festival de Eurovision 1956) y Juliette Gréco, aceptó la solicitud de Burgeois de componer para la joven France Gall. Gainsbourg a su vez hizo posible que Gall grabara con arreglos del músico de jazz Alain Goraguer.

Isabelle Gall, dite France Gall, née le 9 octobre 1947 dans le 12e arrondissement de Paris et morte le 7 janvier 2018 à Neuilly-sur-Seine, est une chanteuse française. Elle connaît de grands succès à partir du début des années 1960, remportant notamment en 1965 le premier prix au Concours Eurovision de la chanson avec le titre Poupée de cire, poupée de son, composé par Serge Gainsbourg. Par la suite, alors qu'elle connaît le succès en Allemagne, sa popularité s'estompe en France jusqu'à sa rencontre avec l'auteur-compositeur-interprète Michel Berger, qu'elle épouse en 1976. Elle enchaîne à nouveau les succès du milieu des années 1970 au début des années 1990, avec des chansons composées pour elle par Michel Berger (notamment La Déclaration d'amour, Si, maman si, Il jouait du piano debout, Résiste, Débranche, Diego libre dans sa tête, Babacar, Ella, elle l'a ou Évidemment). Marquée par la mort de son mari en 1992, des problèmes de santé et la mort de sa fille, elle quitte la scène musicale en 1997. Elle crée la comédie musicale Résiste en 2015.

Muere Ray Thomas


El flautista, vocalista y cofundador de The Moody Blues, Ray Thomas, ha muerto a los 76 años. Aunque no se ha dado una causa concreta para su fallecimiento, músico inglés batallaba desde 2013 contra el cáncer de próstata. Thomas fundó The Moody Blues en 1964 junto a Mike Pinder, Graeme Edge, Clint Warwick y Denny Laine. Dos años después, Justin Hayward y John Lodge reemplazaron a Laine y Warwick, orientando el sonido del grupo hacia el rock progresivo. La flauta de Ray Thomas jugó un papel esencial en el asentamiento del estilo del grupo, especialmente en su gran clásico, Nights in white satin, de 1967. Asimismo, Thomas contribuyó a un gran número de canciones de la banda, en algunas incluso como voz principal, tales como Legend of mind o And the tide rushed in. De una manera o de otra, participó en prácticamente todos los álbumes del grupo desde 1964 hasta 2002, año en el que se retiró oficialmente. Ray Thomas ingresará este año junto al resto de sus compañeros de grupo en el Rock n' Roll Hall of Fame, un honor que le fue concedido el pasado mes de diciembre pero que no podrá disfrutar en la gala del 14 de abril en Cleveland.
                                  

Raymond Thomas (29 December 1941 – 4 January 2018) was an English musician, flautist, singer and composer in the UK rock band The Moody Blues. His flute solo on the band's 1967 hit single "Nights in White Satin" is regarded as one of prog rock's "defining moments." Thomas and Pinder then recruited guitarist Denny Laine, drummer Graeme Edge, and bassist Clint Warwick to form a new, blues-based band, The Moody Blues.Signed to Decca Records, their first album, The Magnificent Moodies, yielded a No. 1 UK hit (No. 10 in the US) with "Go Now". Thomas sang lead vocals on George and Ira Gershwin's "It Ain't Necessarily So" from the musical Porgy and Bess. His flute featured on three songs on the album—"Something You Got", "I've Got a Dream", and "Let Me Go"—as well as the single "From the Bottom of My Heart", When Warwick left the band (followed by Laine a few months later) he was briefly replaced by Rod Clark. Thomas then suggested his and Pinder's old bandmate John Lodge as a permanent replacement and also recruited Justin Hayward to replace Laine. With this line-up the band released seven successful albums between 1967 and 1972 and became known for their pioneering orchestral sound. Although they initially tried to continue singing R&B covers and novelty tunes, they were confronted over this by an audience member, and with their finances deteriorating they made a conscious decision to focus only on their own original material. Following the lead of Pinder, Hayward, and Lodge, Thomas also started writing songs. The first he contributed to the group's repertoire were "Another Morning" and "Twilight Time" on Days of Future Passed. The album is regarded a prog rock landmark, and Thomas’s flute solo on the single "Nights in White Satin" one of its defining moments. His flute would become an integral part of the band's music, even as Pinder started to use the Mellotron keyboard. Thomas has stated that a number of his compositions on the band's earlier albums were made in a studio broom closet, with Thomas writing songs on a glockenspiel. Hayward has spoken of Thomas's learning transcendental meditation in 1967, along with other members of the group. Thomas and Pinder both acted as the band's onstage MCs, as heard on the live album Caught Live + 5 and seen in the Live at the Isle of Wight Festival DVD. Thomas started to become a more prolific writer for the group, penning songs such as "Legend of a Mind"—an ode to LSD guru and friend of the band,Timothy Leary, and a popular live favourite—and "Dr. Livingstone, I Presume" for In Search of the Lost Chord, "Dear Diary" and "Lazy Day" for On the Threshold of a Dream as well as co-writing "Are You Sitting Comfortably?" with Hayward. The Moody Blues formed their own record label Threshold Records, distributed by Decca in the UK and London in the US, and their first album on the Threshold imprint was To Our Children's Children's Children, a concept album about eternal life. Thomas wrote and sang lead vocal on "Floating" and "Eternity Road". When the band began to realize that their method of heavy overdubbing in the studio made most of the songs very difficult to reproduce in concert, they decided to use a more stripped-down sound on their next album A Question of Balance, to be able to play as many songs live as possible. It was their second UK No. 1 album. Thomas wrote and sang "And the Tide Rushes In", reportedly written after having a row with his wife, and was credited with co-writing the album's final track "The Balance" with Edge, while Pinder recited the story.[25] The Moodies went back to their symphonic sound and heavy overdubbing with Every Good Boy Deserves Favour, their third UK No. 1 album, and Thomas wrote and sang "Our Guessing Game" and "Nice to Be Here", also singing a co-lead vocal with Pinder, Hayward and Lodge on Edge's "After You Came". All five members wrote "Procession".[26] The final album of the 'core seven' was Seventh Sojourn, their first album to reach No. 1 in the USA. By this time, Pinder had replaced his mellotron with the chamberlin, which produced orchestral sounds more realistically and easily than the mellotron. Thomas wrote and sang "For My Lady".[27]