jueves, 4 de julio de 2019

nuevo disco de Bruce Springsteen Western Stars

Western Stars es el decimonoveno álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por la compañía discográfica Columbia Records el 14 de junio de 2019.​ Fue producido por Ron Aniello y es el primer álbum de Springsteen con material original desde el lanzamiento de Wrecking Ball (2012). La canción «Hello Sunshine» fue publicada como primer sencillo el 26 de abril del mismo año. Springsteen comentó en diciembre de 2018 que Western Stars estaba influido por la "música pop californiana de la década de 1970". Tras anunciar el disco en abril de 2019, lo definió como "un regreso a mis grabaciones en solitario con canciones basadas en personajes y con extraordinarios arreglos orquestales al estilo cinematográfico", con un comunicado de prensa caracterizarlo con una "gama de temas americanos, de carreteras y espacios desérticos, de aislamiento y comunidad y de la permanencia del hogar y la esperanza". El primer sencillo del álbum fue Hello Sunshine, publicado el 26 de abril de 2019, junto con un vídeo musical. Le siguieron There Goes A Miracle, publicado el 17 de mayo​, Tucson Train, publicado el 30 de mayo​, y el tema homónimo Western Stars, el 14 de junio, el mismo día del lanzamiento del álbum. La portada muestra a un caballo negro cruzando un terreno arenisco., con un cielo azul de fondo.

Western Stars is the nineteenth studio album by American singer-songwriter Bruce Springsteen, released through Columbia Records on June 14, 2019. It was produced by Ron Aniello, who worked with Springsteen on his two previous albums: Wrecking Ball (2012) and High Hopes (2014). The album marks Springsteen's first new studio album of completely original material since Wrecking Ball. Springsteen said a documentary on the making of the album is being planned. However, he is not expected to do a tour for the album and announced that he will shift focus towards recording a new album with the E Street Band in the fall of 2019. Springsteen stated in April 2019 that the album was influenced by "Southern California pop music" of the 1970s, including artists such as Glen Campbell and Burt Bacharach. Upon announcing the album in April 2019, he called it "a return to my solo recordings featuring character-driven songs and sweeping, cinematic orchestral arrangements", with a press release characterizing it as about a "range of American themes, of highways and desert spaces, of isolation and community and the permanence of home and hope" "Hello Sunshine" was released on April 26 as the lead single, along with a music video. "There Goes My Miracle" was released as the album's second single on May 17, 2019. The album's third single, "Tucson Train", was released on May 30, 2019, along with a music video directed by Thom Zimny. A music video for the album's fourth single, "Western Stars", also directed by Zimny, was released on June 14, 2019.

50 años de la muerte de Brian Jones

Lewis Brian Hopkins Jones (Cheltenham, 28 de febrero de 1942-Hartfield, 3 de julio de 1969) fue un músico multiinstrumentista y compositor británico. Fue miembro fundador, junto con el cantante Mick Jagger, el guitarrista Keith Richards y el pianista Ian Stewart, de la banda de rock The Rolling Stones en 1962. Durante los primeros años de la agrupación fue su líder y principal instrumentista, destacando principalmente su influencia en los álbumes Aftermath, Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request. Su madre era profesora de piano y su padre aficionado al jazz. Esta educación lo llevó desde temprana edad a dominar distintos instrumentos musicales, aunque mostraba preferencias por el blues, el rhythm and blues y el jazz.​ Con los Stones fue la guitarra rítmica y el multi-instrumentista de la banda,​ y destacó en esos primeros años como uno de sus miembros más activos.​ No figuró en ninguno de los créditos como compositor y tampoco cantó ninguna de las canciones, no obstante la diversidad y la creatividad que el grupo alcanzó con Jones nunca volvió a ser igualada después de su partida (según la opinión de algunos).​ Jones destacó por su versatilidad en los arreglos de las guitarras, tales como en "Mother's Little Helper" o "She's a Rainbow". Su comportamiento errático, la fricción con sus compañeros, en especial con Richards por relacionarse con su expareja Anita Pallenberg; y el poco aporte en los álbumes de la agrupación lo llevaron a ser despedido de The Rolling Stones.​ Los abandonó el 10 de junio de 1969 y poco después se retiró a su granja de Sussex.​ Un mes más tarde fue hallado muerto en la piscina de su casa, los informes de la policía indicaron que el músico murió a causa de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, que se le presentó mientras se encontraba nadando, aunque otras teorías respecto a su muerte se desarrollaron poco después. En vida hizo un par de proyectos en solitario de bajo perfil. Produjo, escribió e interpretó la banda sonora de la película Mord und Totschlag (también conocida como A Degree Of Murder), un filme protagonizado por su entonces novia Anita Pallenberg, y grabó con un grupo local de una villa de Marruecos, Master Musicians of Joujouka, el álbum Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka, lanzado a título póstumo en 1971.

Lewis Brian Hopkin Jones (28 February 1942 – 3 July 1969) was an English musician, best known as the founder and the original leader of the Rolling Stones. Initially a slide guitarist, Jones would go on to play a wide variety of instruments on Rolling Stones recordings and in concerts, such as rhythm and lead guitar, sitar, dulcimer, various keyboard instruments such as piano and mellotron, marimba, wind instruments such as harmonica, recorder, saxophone, as well as drums and numerous others. Jones and fellow guitarist Keith Richards developed a unique style of guitar play that Richards refers to as the "ancient art of weaving" where both players would play rhythm and lead parts together; Richards would carry the style on with later Stones guitarists and the sound would become a Rolling Stones trademark. After he founded the Rolling Stones as a British blues outfit in 1962, and gave the band its name, Jones' fellow band members Mick Jagger and Keith Richards began to take over the band's musical direction, especially after they became a successful songwriting team. Jones also did not get along with the band's manager, Andrew Loog Oldham, who pushed the band into a musical direction at odds with Jones' blues background. At the same time, Jones developed alcohol and drug problems, and his performance in the studio became increasingly unreliable, leading to a diminished role within the band he had founded. In June 1969, the Rolling Stones asked Jones to leave; guitarist Mick Taylor took his place in the group. Jones died less than a month later, drowning in the swimming pool at his home. Long-time Rolling Stones bass guitarist Bill Wyman said of Jones, "He formed the band. He chose the members. He named the band. He chose the music we played. He got us gigs. ... he was very influential, very important, and then slowly lost it – highly intelligent – and just kind of wasted it and blew it all away."

lunes, 24 de junio de 2019

Arrels de Gracia y su nuevo disco "Remena Nen"



El rumba i el cuplet són dos grans gèneres populars de la música catalana, nascuts a Barcelona, al barri de Gràcia i al Paral·lel. Als anys vint i trenta, el cuplet “Remena nena” va tenir un èxit sensacional. “El canta la modisteta, la mecanògrafa, la raspa, el camàlic, el canonge adipós i la dispesera massissa”, deia amb molta gràcia el 1932 L’Esquella de la Torratxa. “Remena nena” se sentia per tot arreu. El 1970 Guillermina Motta va editar un disc clàssic, Remena nena: onze cuplets en català, dins la moda del “camp”, un estil que actualitzava de manera irònica els vestits, les cançons i els posats de la Belle Époque. I ara, gairebé cinquanta anys després del disc de la Guillermina, i quan en fa vora cent que aquests cuplets feien riure i ballar al Paral·lel, Arrels de Gràcia els ha tornat a gravar en rumba amb un títol que ho diu tot: Remena, nen! (Satélite K, 2019). Hi han afegit un dotzè tema: “Jo sóc barcelonista”, que Guillermina Motta va gravar en un EP molt conegut el 1972. Arrels de Gràcia, el grup encapçalat per Jonatan Ximenis, ha renovat la rumba catalana. El seu tema més conegut, “La moto” va començar a circular per les xarxes fa cinc o sis anys i va tenir milers de visites. Era un retorn a l’essència de la rumba de Gràcia, amb un aire de carrer popularíssim. Han publicat un munt d’EPs que culminen en el CD “Si fa o no fa” del 2017. Han compartit escenari amb els GipsyKings, Manuel Malou, Shantel, Peret, Estrelles de Gràcia, AchilifunkSound System, Els Délai, Estopa, i Joan Manel Serrat entre d’altres. En Jonatan ha participat en “Ximenis Jazz Experience”, amb el taller de músics, un experiment de fusió de jazz i veu flamenca. La producció de Remena, nen! ha anat a càrrec de Jack Tarradellas, un altre dels renovadors de la rumba catalana, que ha crescut musicalment al costat de Peret, Los Amaya, Chacho, Tio palo i la majoria de rumberos de Barcelona. Ha treballat com a músic i productor dels discs d’AchilifunkSound System, Lady Gipsy, Muchacho & Los sobrinos i molts d’altres. El disc ha comptat amb la col·laboració del pianista Francesc Burrull, que el 1970 va fer la direcció musical de Remena nena, i de la cantant Laura Santos. També ha tingut la complicitat de Guillermina Motta, que escriu un text per al llibret, i de l’escriptor Julià Guillamon que ha estat l’impulsor del projecte. La producció musical de Jack Tarradellas combina elements del cuplet clàssic (violins, un joc de percussions enjogassades, marimbes, cors) amb una base rumbera molt sòlida. De vegades el fraseig de les cançons canvia i gira cap al flamenc. Els cuplets sobre la mala vida i els baixos fons es fan més dramàtics, com en l’espectacular “La perduda”, que canten a duo Laura Santos i Jonatan Ximenis. Altres vegades, recorden el ritme del calipso (“El vestir d’en Pasqual”). I aconsegueixen una gran contundència rítmica en el famós “Remena nena”. S’ha ampliat la lletra de “Jo sóc barcelonista” que inclou una estrofa amb els jugadors del Barça d’aquesta temporada, en un joc que resumeix l’esperit del disc: Samitier, Rexach i Messi, el cuplet, el pop i la rumba.
La rumba y el cuplé son dos grandes géneros populares de la música catalana, nacidos en Barcelona, ​​en el barrio de Gracia y el Paralelo. En los años veinte y treinta, el cuplé "Remena nena" tuvo un éxito sensacional. "El canta la modistillas, la mecanógrafa, la raspa, el camalic, el canónge adipos y la dispesera massisa", decía con mucha gracia en 1932 L'Esquella de la Torratxa. "Remena nena" se sentía por todas partes. En 1970 Guillermina Motta editó un disco clásico, Remena niña: once cuplés en catalán, en la moda del "campo", un estilo que actualizaba de manera irónica los vestidos, las canciones y los puestos de la Belle Époque. Y ahora, casi cincuenta años después del disco de la Guillermina, y cuando hace cerca de cien que estos cuplés hacían reír y bailar al Paralelo, Raíces de Gracia les ha vuelto a grabar en rumba con un título que lo dice todo: Remover , niño! (Satélite K, 2019). Han añadido un duodécimo tema: "Yo soy barcelonista", que Guillermina Motta grabó en un EP muy conocido en 1972. Raíces de Gracia, el grupo encabezado por Jonatan Ximenis, ha renovado la rumba catalana. Su tema más conocido, "La moto" comenzó a circular por las redes hace cinco o seis años y tuvo miles de visitas. Era un retorno a la esencia de la rumba de Gracia, con un aire de calle popularísimo. Han publicado un montón de EPs que culminan en el CD "Si más o menos" de 2017. Han compartido escenario con los GipsyKings, Manuel Malou, Shantel, Peret, Estrellas de Gracia, AchilifunkSound System, Los Dela, Estopa, y Joan Manel Serrat entre otros. En Jonatan ha participado en "Ximenis Jazz Experience", con el taller de músicos, un experimento de fusión de jazz y voz flamenca. La producción de Baraja, niño! ha ido a cargo de Jack Tarradellas, otro de los renovadores de la rumba catalana, que ha crecido musicalmente junto a Peret, Los Amaya, Chacho, Tio palo y la mayoría de rumberos de Barcelona. Ha trabajado como músico y productor de los discos de AchilifunkSound System, Lady Gipsy, Muchacho & amp; Los sobrinos y muchos otros. El disco ha contado con la colaboración del pianista Francesc Burrull, que en 1970 hizo la dirección musical de Remena niña, y de la cantante Laura Santos. También ha tenido la complicidad de Guillermina Motta, que escribe un texto para el libro, y del escritor Julià Guillamon que ha sido el impulsor del proyecto. La producción musical de Jack Tarradellas combina elementos del cuplé clásico (violines, un juego de percusiones juguetonas, marimbas, corazones) con una base rumbera muy sólida. A veces el fraseo de las canciones cambia y gira hacia el flamenco. Los cuplés sobre la mala vida y los bajos fondos se hacen más dramáticos, como en la espectacular "La perdida", que cantan a dúo Laura Santos y Jonatan Ximenis. Otras veces, recuerdan el ritmo del calipso ( "El vestir de Pascual"). Y consiguen una gran contundencia rítmica en el famoso "Remover niña". Se ha ampliado la letra de "Yo soy barcelonista" que incluye una estrofa con los jugadores del Barça de esta temporada, en un juego que resume el espíritu del disco: Samitier, Rexach y Messi, el cuplé, el pop y la rumba.

The rumba and the cuplé are two great popular genres of Catalan music, born in Barcelona, ​​the neighborhood of Gracia and Parallel. In the twenties and thirties, the cuplé "Remueve niña" was a sensational success. "It is sung by the modistilla, the typist, the rasp, the camàlic, the adipose canon and the massive dispesera", said the 1932 El Esquella de la Torratxa with great grace. "Remove girl" felt everywhere. The 1970 Guillermina Motta released a classic album, Removes girl: eleven cuplés in Catalan, within the fashion of the "field", a style that updated in an ironic way the costumes, songs and gestures of the Belle Époque. And now, almost fifty years after the album of Guillermina, and when it makes a cent that these cuplés gave laughter and dance to the Parallel, Raíces de Gracia has re-recorded them in rumba with a title that says it all: Remove, child! (Satellite K, 2019). They have added a twelfth track: "I am a Barcelonist", which Guillermina Motta recorded in a well-known EP in 1972. Raíces de Gracia, the group headed by Jonatan Ximenis, has renewed the Catalan rumba. His best-known subject, "La moto" began circulating on the networks five or six years ago and had thousands of visits. It was a return to the essence of the rumba de Gracia, with a very popular street air. They have published a lot of EPs that culminate in the CD "Si hace o no hace" from 2017. They have shared the stage with the GipsyKings, Manuel Malou, Shantel, Peret, Stars of Grace, AchilifunkSound System, Los Délai, Estopa, and Joan Manel Serrat among others. In Jonatan he has participated in "Ximenis Jazz Experience", with the workshop of musicians, an experiment of fusion of jazz and flamenco voice. The production of Remove, child! has been in charge of Jack Tarradellas, another of the renovators of the Catalan rumba, who has grown musically with Peret, Los Amaya, Chacho, Tio palo and most of the rumberos of Barcelona. He has worked as a musician and producer of the albums of AchilifunkSound System, Lady Gipsy, Muchacho & amp; The nephews and many others. The album has had the collaboration of pianist Francesc Burrull, who in 1970 made the musical direction of Remueve niña, and singer Laura Santos. He has also had the complicity of Guillermina Motta, who writes a text for the libretto, and the writer Julià Guillamon who has been the driving force of the project. The musical production of Jack Tarradellas combines elements of the classic cuple (violins, a set of percussion enjogassades, marimbe, choirs) with a very solid rumba base. Sometimes the phrase of the songs changes and turns towards flamenco. The cuplés on the bad life and the under funds become more dramatic, like in the spectacular "La perdida", that they sing to duo Laura Santos and Jonatan Ximenis. Other times, remember the rhythm of the calypso ("Dressing in Pasqual"). And they get a great rhythmic forcefulness in the famous "Remueve niña". The lyrics of "Yo soy barcelonista" have been expanded to include a verse with Barça players this season, in a game that sums up the spirit of the album: Samitier, Rexach and Messi, the cuplé, pop and rumba.

sábado, 15 de junio de 2019

rammstein


Rammstein (pronunciado como ['ʁamʃta͡ɪn]) es una banda alemana de metal industrial formada en 1994 por los músicos Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz y Christoph Schneider.​ Su música se basa en una corriente surgida en su país en los años 1990 llamada Neue Deutsche Härte del que son su exponente más popular y al que también pertenecen, entre otros, Oomph! y Die Krupps. Ellos mismos han denominado en alguna ocasión esta mezcla con el apelativo de Tanzmetall («metal de baile»).​ Sus canciones están escritas casi exclusivamente en alemán aunque se pueden encontrar en inglés, francés e incluso español; y han vendido más de 50 millones de copias en todo el mundo.2​Entre otros reconocimientos, han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de metal: en 1999 con el tema «Du hast» (del álbum Sehnsucht) y en 2006 con «Mein Teil» (del álbum Reise, Reise).2​Han lanzado al mercado un total de siete álbumes de estudio y cuatro en directo, así como cinco DVD; toda su discografía se encuentra disponible en el catálogo de la multinacional discográfica Universal Music. El nombre del grupo está inspirado en la ciudad alemana Ramstein, en cuya base aérea sucedió un accidente en 1988 durante un espectáculo, en el que se vieron implicadas tres aeronaves de la escuadrilla acrobática italiana Frecce Tricolori. Dos de ellas chocaron en el aire y otra cayó sobre el público, provocando más de setenta víctimas. En el nombre se repite la «m», de forma que incluye la raíz del verbo rammen ('chocar, hundir') junto al sustantivo Stein ('piedra'); una traducción aproximada de «Rammstein» sería por lo tanto «piedra de choque». Aunque la banda ha tratado a lo largo de su carrera de negar una relación entre su nombre y dicha catástrofe, justo después de fundarse actuaron varias ocasiones bajo el nombre Rammstein-Flugschau ('Espectáculo aéreo de Rammstein'). La canción «Rammstein», una de las primeras que compusieron y que trata precisamente sobre el suceso, alcanzó gran popularidad durante los primeros años del grupo. Esto contribuyó a que decidieran mantener su nombre como «Rammstein». Existe un asteroide nombrado Rammstein en honor suyo. Generalmente se clasifica el estilo musical de Rammstein como metal industrial y neue deutsche härte, pero también diversos géneros del metal como el heavy metal, metal progresivo, metal alternativo, groove metal y metal gótico. Musicalmente, Rammstein está fuertemente influido por artistas como la banda industrial eslovena Laibach, DAF (Deutsch-Amerikanische Freundschaft), Oomph! y Ministry. En todo caso, las profundas diferencias existentes entre canciones como «Bestrafe mich», «Ohne dich» y «Te quiero puta!» hacen extremadamente difícil adscribir a Rammstein a un movimiento concreto, aunque, al ser mayormente música altamente distorsionada, se lo asocia con el movimiento Neue Deutsche Härte. Al contrario que muchos grupos del Berlín reunificado, Rammstein asegura que no querían imitar a grupos estadounidenses e ingleses.

Rammstein (German pronunciation: [ˈʁamʃtaɪn]) is a German Neue Deutsche Härte band formed in Berlin in 1994. Their six-man lineup—lead vocalist Till Lindemann, lead guitarist Richard Z. Kruspe, rhythm guitarist Paul Landers, bassist Oliver Riedel, drummer Christoph Schneider, and keyboardist Christian "Flake" Lorenz—has remained unchanged throughout their existence. Prior to their formation, some members were associated with acts such as Feeling B and First Arsch. After winning a contest for amateur bands, Rammstein were able to record demos and send them to different record labels; they were eventually signed by Motor Music. Working with producer Jacob Hellner, they released their debut album Herzeleid in 1995. Though the album sold poorly, the band gained popularity through their live performances. Their rise led to the release of their second album, Sehnsucht, two years later. It debuted at No. 1 in Germany, resulted in a worldwide tour lasting nearly four years, and spawned the successful singles "Engel" and "Du hast" as well as the live album Live aus Berlin. Following the expansive tour, Rammstein signed with major label Universal Music and released Mutter in 2001. Six singles were released from the album, all charting in multiple countries throughout Europe. The lead single, "Sonne", reached No. 2 in Germany. They released Reise, Reise in 2004 and had two more singles reach No. 2 in Germany; "Mein Teil" and "Amerika". The following year saw the release of their fifth album, Rosenrot, and a live release, Völkerball, one year after. The band released their sixth album, Liebe ist für alle da, in 2009, with its lead single, "Pussy", becoming their first No. 1 hit in Germany, despite having a controversial music video. The band then entered a recording hiatus and toured for several years, releasing the Made in Germany greatest hits album as well as the Rammstein in Amerika and Rammstein: Paris live albums. Rammstein returned with new music in 2019 with the song "Deutschland", which became their second No. 1 hit in Germany. Their untitled seventh studio album was released in May 2019 and reached No. 1 in fourteen countries. Rammstein were one of the first Neue Deutsche Härte bands; their Herzeleid album led the music press to coin that term. Their style of music has generally had a positive reception from music critics. Commercially, the band have been very successful, earning many No. 1 albums as well as gold and platinum certifications in countries around the world. Their grand live performances, which often feature pyrotechnics, have played a part in their popularity growth. Despite success, the band have been subject to some controversies. Their overall image has been subject to criticism, the uncensored music video for "Pussy" was interspersed with scenes of hardcore pornography, and the song "Ich tu dir weh" forced Liebe ist für alle da to be re-released in Germany with the song removed from the album due to its graphic lyrics about sex.

lunes, 10 de junio de 2019

Muere Dr. John


Malcom John Rebennack Jr. (Nueva Orleans, 20 de noviembre de 1940-ib., 6 de junio de 2019),​ más conocido por su nombre artístico Dr. John, o también Dr. John Creaux, fue un pianista, cantante y compositor estadounidense cuya música combinaba los géneros del blues, boogie woogie y el rock and roll. Activo como músico de sesión desde fines de los años 1950s hasta su muerte, ganando en los siguientes años de 1960s después de la liberación de su albúm Gris-Gris en el Bath Festival de Blues y Música Progresiva. Se presentó en un animado espectáculo inspirado en la medicina. Las costumbres de Mardi Gras y ceremonias de vudú. Rebennack grado 32 albumes de estudio y 6 albumes en vivo y también contribuyó con otros cientos de músicos en sus grabaciones. En 1973 tuvo un Top 10 con el sencillo "right Place, Wrong Time". Ganador de seis Premios Grammy. Rebennack fue inducido al Salón de la Fama del Rock and Roll por el cantante John Legned en marzo del 2011. En mayo de 2013, Rebennack recibió un doctorado honorario de las bellas arters de la Universidad de Tulane. Su carrera musical comenzó en su ciudad natal a comienzos de los años 1950. En un principio, se concentró en la guitarra, ofreciendo conciertos con bandas locales bajo el nombre de Mac Rebbennack and the Skyliners, Frankie Ford and the Thunderbirds y Jerry Byrnes and the Loafers. Dr. John obtuvo cierto éxito a nivel local con el tema Storm Warning, publicado en Rex Records en 1959 e influido por Bo Diddley. La carrera de Rebennack como guitarrista se truncó cuando su dedo anular fue herido en un disparo mientras defendía al teclista y cantante Ronnie Barron, compañero de grupo y amigo de la escuela. Tras la lesión, Rebennack se concentró en el bajo antes de hacer del piano su instrumento principal. Entre las influencias musicales de Rebennack en el piano se encontraba Professor Longhair. En 1963, Rebennack se trasladó a Los Ángeles, donde respaldó como músico de sesión a artistas de la talla de Sonny & Cher o Canned Heat, integrado en el selecto grupo conocido como The Wrecking Crew. Rebennack adquirió fama a finales de los años 60 y comienzos de los 70 con música que combinaba el R&B de Nueva Orleans con el rock psicodélico y elaborados conciertos que se acercaban a ceremonias religiosas de vudú, incluyendo elaborados trajes y peinados. Durante la época, Rebennack adquirió el mote de Dr. John, The Night Tripper, procedente de una médico vudú de Luisiana de comienzos de 1800. Gris-Gris, su álbum debut de 1968, combinaba cánticos y ritmos vudús con la tradición musical de Nueva Orleans, y fue situado en el puesto 143 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en la revista musical Rolling Stone. Otros tres trabajos de estudio, Babylon, Remedies y The Sun, Moon and Herbs, fueron publicados en el mismo sentido de Gris-Gris, si bien ninguno obtuvo la popularidad del primero. A comienzos de 1969, Dr. John ofreció extensos conciertos, apoyado por músicos como Richard Didymus Washington (congas), Richard Crooks (batería), Dave Johnson (bajo), Gary DeSoto (guitarra) y los cantantes Eleanor Barooshian, Jeanette Jacobs y Sherry Graddie. Una segunda alineación para tocar en la Costa Este de los Estados Unidos incluyó a Doug Hastings a la guitarra y a Don MacAllister a la mandolina. Con la publicación de The Sun, Moon and Herbs y la participación en el álbum de Eric Clapton y Mick Jagger, Dr. John adquirió una notable reputación. El álbum sirvió para una transición entre el Dr. John psicodélico y un Dr. John más cercano al R&B y al funk de Nueva Orleans. Su siguiente trabajo, Dr. John's Gumbo, acabó derivando en una grabación histórica considerada como uno de sus trabajos más populares. Junto con Gris-Gris, Dr. John es ampliamente reconocido por sus trabajos publicados entre 1972 y 1974. El álbum de 1972 Dr. John's Gumbo, que abarca varios clásicos del R&B de Nueva Orleans junto a una única composición original, es considerado como una piedra angular en la música de Nueva Orleans. En su autobiografía de 1994, Under a Hoodoo Moon, Dr. John escribió: «En 1972, grabé Gumbo, un álbum que fue tanto un tributo como una interpretación de la música con la que había crecido en los años 40 y 50. Traté de mantener los ligeros cambios característicos en Nueva Orleans mientras trabajaba mi propia guitarra y mi popio piano». El principal sencillo del álbum, Iko Iko, alcanzó los primeros cuarenta puestos de las listas de Billboard. En 2003, Dr. John's Gumbo fue situado en el puesto 402 de la lista de los 500 mejores álkbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone. Con Gumbo, Dr. John amplió su trayectoria más allá del vudú psicodélico que había impulsado su carrera desde que se había introducido en el personaje de Dr. John. No fue hasta el álbum de 1998 Anutha Zone cuando Dr. John volvió a concentrarse en el aspecto de la música en su totalidad para un trabajo completo. «Después de grabar un nuevo disco», escribió el músico, «decidí que había tenido suficiente de aquello, de modo que lancé al vertedero la rutina de Gris-Gris y trabajé en un nuevo acto, un Mardi Gras con los clásicos de Nueva Orleans que habíamos versionado en Gumbo». En 1973, con la producción de Allen Toussaint y el respaldo de The Meters, Dr. John publicó el álbum In the Right Place. En la misma rutina que Dr. John's Gumbo amplió su reputación como músico a la hora de versionar los clásicos de Nueva Orleans, In the Right Place hizo de Dr. John uno de los embajadores del funk de la ciudad. Sobre el álbum, Dr. John escribió: «In the Right Place tiene un mayor sentimiento de dance en comparación con otros que había hecho en el pasado, aunque quedó anclado en el R&B». El álbum alcanzó el puesto 24 en las listas de Billboard, con el sencillo Right Place Wrong Time alzándose hasta el puesto nueve de la lista Billboard Hot 100. Un segundo sencillo, Such a Night, alcanzó el puesto 42. Dr. John intentó capitalizar el éxito de In the Right Place colaborando nuevamente con Allen Toussaint y The Meters en su nuevo trabajo, Desitively Bonnaroo, publicado en 1974. Similar a In the Right Place, obtuvo un éxito menor en comparación a su predecesor. Desitively Bonnaroo supuso el último álbum de estilo funk hasta la publicación en 1994 de Television, si bien la influencia del vudú y del R&B tradicional de Nueva Orleans, así como el funk, continuó en gran medida apareciendo en sus trabajos, especialmente en sus conciertos. A mediados de los años 70, Dr. John comenzó a centrarse en una música más cercana al blues, al R&B y a los clásicos del Tin Pan Alley. Por otra parte, explotó su faceta de músico de sesión, tocando para grupos a lo largo de su carrera como The Rolling Stones en el tema de 1972 Let It Loose, así como en el dueto de Carly Simon y James Taylor Mockingbird en 1974. De forma similar, contribuó a la canción More and More para el álbum de Carly Simon Playing Possum. En 1977, coprodujo el álbum de Van Morrison A Period of Transition, donde también tocó los teclados y la guitarra. El 19 de marzo de 1977, Dr. John apareció en el programa de la NBC Saturday Night Live. Posteriormente, salió de gira con Willy DeVille y contribuyó a sus álbumes Return to Magenta, Victory Mixture, Backstreets of Desire y Big Easy Fantasy. Dr. John apareció, asimismo, en el documental de Martin Scorsese El último vals (donde se unió a The Band para interpretar su canción Such a Night), además de en el musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, inspirado en The Beatles. En la película Blues Brothers 2000, Dr. John se une a la banda de ficción The Louisiana Gator Boys para interpretar las canciones How Blue Can You Get y New Orleans. Su versión de la canción Season of the Witch fue también incluida en la banda sonora de la película. En 1982, Dr. John escribió e interpretó la versión cinematográfica de Cannery Row. En 1993, su canción Right Place Wrong Time fue utilizada en la película Dazed and Confused. El mismo año, Dr. John participó en el Franco Folies Festival en La Rochel, Francia. En 1997, apareció en el single benéfico de Lou Reed Perfect Day. En septiembre de 2005, interpretó el tema de Fats Domino Walkin' to New Orleans para cerrar el teletón Shelter from the Storm: A Concert for the Gulf Coast en apoyo de las víctimas del huracán Katrina. En noviembre del mismo año, publicó el EP Sippiana Hericane con el fin de recaudar fondos para la Clínica de Músicos de Nueva Orleans y la Fundación de Jazz de América. El 5 de febrero de 2006, se unió a Aaron Neville, Aretha Franklin y a un coro de 150 miembros para cantar el himno nacional de Estados Unidos en la gala de la Super Bowl como tributo a Nueva Orleans. El 8 de febrero de 2006, se unió a Allen Toussaint, Bonnie Raitt, The Edge y Irma Thomas para interpretar We Can Can en la ceremonia de clausura de los Premios Grammy de 2006. En enero de 2008, Dr. John fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Louisiana. Comenzando con B. B. King in London, del 1971, Dr. John toca en varios discos de B. B. King. Dr. John estuvo casado dos ocasiones mencionando al New York Times que tenía "muchos" hijos. El 6 de junio, Dr. John murió de un ataque cardíaco. Su familia anunció la noticia a través de su publicista que había mueto al amanecer de ese día y "El había creado una mezcla única de música la cual había llevado de su hogar en New Orleans, en su corazón la cual estaría siempre en su corazón".

Malcolm John Rebennack Jr. (November 20, 1941 – June 6, 2019), better known by his stage name Dr. John, was an American singer and songwriter. His music combined blues, pop, jazz, boogie-woogie and rock and roll. Active as a session musician from the late 1950s until his death, he gained a following in the late 1960s after the release of his album Gris-Gris and his appearance at the Bath Festival of Blues and Progressive Music. He typically performed a lively, theatrical stage show inspired by medicine shows, Mardi Gras costumes and voodoo ceremonies. Rebennack recorded 30 studio albums and 9 live albums, as well as contributing to thousands of other musicians' recordings. In 1973 he achieved a top-10 hit single with "Right Place, Wrong Time". The winner of six Grammy Awards, Rebennack was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame by singer John Legend in March 2011. In May 2013, Rebennack received an honorary doctorate of fine arts from Tulane University Rebennack was born in New Orleans on November 20, 1941. He was the son of Dorothy (Cronin) and Malcolm John Rebennack, and had German, Irish, Spanish, English, and French heritage.[4][5] His father ran an appliance shop in the East End of New Orleans, fixing radios and televisions and selling records.[6] Growing up in the 3rd Ward of New Orleans, he found early musical inspiration in the minstrel tunes sung by his grandfather and a number of aunts, uncles, sister and cousins who played piano. He did not take music lessons before his teens and endured only a short stint in choir before getting kicked out.[7] His father, the owner of an appliance store and record shop, exposed him as a young boy to jazz musicians King Oliver and Louis Armstrong, who later inspired his 2014 release, Ske-Dat-De-Dat: The Spirit of Satch. Throughout his adolescence his father's connections enabled him access to the recording rooms of rock artists, including Little Richard and Guitar Slim. Later he began to perform in New Orleans clubs, mainly on guitar, and played on stage with various local artists.[8] When he was about 13 years old, Rebennack met Professor Longhair. Impressed by the professor's flamboyant attire and striking musical style, Rebennack soon began performing with him, and began his life as a professional musician > He later recalled that his debut in the studio, in about 1955 or 1956, came when he was signed as a songwriter and artist by Eddie Mesner at Aladdin Records. He joined the musicians' union at the end of 1957, with the help of Danny Kessler, and then considered himself to be a professional musician.[9] At age 16 Rebennack was hired by Johnny Vincent as a producer at Ace Records.[9] There, he gained experience working with many artists, including James Booker, Earl King and Jimmy Clanton. While a struggling student at Jesuit High School, he was already playing in night clubs, something the Jesuit fathers disapproved of. He formed his first band, The Dominoes, while at the school.[10] The fathers told him to either stop playing in clubs or leave the school. Rebennack was expelled from the high school in 1954[11] and from then on focused entirely on music. In late 1950s New Orleans, Rebennack gigged with local bands including Mac Rebennack and the Skyliners, (Paul Staele/Dennis "Bootsie" Cuquet, drums; Earl Stanley, bass; Charlie Miller, trumpet; Charlie Maduell, sax; Roland "Stone" LeBlanc, vocals), Frankie Ford and the Thunderbirds, and Jerry Byrne and the Loafers. By the age of 17 he had co-written his first rock and roll song "Lights Out", which was a regional hit for white singer Jerry Byrne on the Specialty label in 1957. He had a regional hit with a Bo Diddley-influenced instrumental called "Storm Warning" on Rex Records in 1959. At A&R he and Charlie Miller recorded monophonic singles on 45s for Johnny Vincent and Joe Corona for local labels Ace, Ron, and Ric. He oversaw the rhythm section while Miller wrote the horn arrangements and headed up the horns. This continued until Miller moved to New York to study music formally. Rebennack's career as a guitarist was stunted around 1960 when the ring finger on his left (guitar fretting) hand was injured by a gunshot during an incident at a Jacksonville, Florida gig. After the injury, Rebennack concentrated on bass guitar before making piano his main instrument, developing a style influenced by Professor Longhair. Rebennack's friend Jay Woolfe, who had played in earlier bands, later recalled that Rebennack would often get into trouble with the police for hanging out with black musicians and in black clubs. Rebennack became involved in illegal activities in New Orleans, using and selling narcotics and running a brothel. He was arrested on drug charges and sentenced to two years in the Federal Correctional Institution, Fort Worth. When his sentence ended in 1965, however, a campaign was underway to clean up New Orleans by closing its clubs, which meant that he and his fellow musicians found work hard to get. So he left for Los Angeles. Once settled in Los Angeles he became a "first call" session musician in the Los Angeles studio scene in the 1960s and 1970s and was part of the so-called "Wrecking Crew" stable of studio musicians.He provided backing for Sonny & Cher (and some of the incidental music for Cher's first film, Chastity), for Canned Heat on their albums Living the Blues (1968) and Future Blues (1970), and for Frank Zappa and the Mothers of Invention on Freak Out! (1966).

Muere Roky Erickson

Roger Kynard Erickson (Dallas, Texas, 15 de julio de 1947-Austin, Texas, 31 de mayo de 2019), más conocido por su nombre artísitico Roky Erickson, fue un cantante y compositor estadounidense de rock, famoso por ser el fundador y el líder de la banda de rock psicodélico 13th Floor Elevators y por ser, a su vez, un pionero de ese género, al influir notablemente en bandas similares contemporáneas. Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años. Para los doce años también tocaba la guitarra. Hijo de un arquitecto y una aspirante de cantante de ópera, abandonó los estudios para convertirse en músico profesional. En 1965 firmó su más famosa composición: You're Gonna Mis Me, grabada con un grupo llamado The Spades. Esto llamó la atención de otro grupo local de influencia psicodélica llamado 13th Floor Elevators cuyo letrista Tommy Hall invitó a Roky a unirse al grupo. Rápidamente los Elevators harían su propia versión de You're Gonna Miss Me y llevarían el single al puesto 56 de las listas de Pop en 1966. El éxito obtenido les abriría las puertas de un contrato con International Artists, pero al igual que crecía su fama también lo haría su notoriedad con las leyes locales por el consumo de marihuana y LSD. Se convirtieron así en el objeto de acoso policial y, tras el arresto de Ericksson por posesión de un porro en 1969, éste alegaría locura para eludir la cárcel. Le siguió un periodo de tres años y medio en el Hospital Estatal Austin. Allí le fue dignosticada esquizofrenia y fue sometido a terapia de electroshock, Thorazina y otros tratamientos psicoactivos. Aunque salió del hospital en 1973, Roky no volvió a ser ya la misma persona. Volvió a tocar con una nueva banda, The Aliens, pero sus canciones (una serie de grabaciones influenciadas por películas de terror) tales como Red Temple Prayer, Don't Shake Me Lucifer y I Walked With a Zombie encontraron poco éxito comercial. Aun así, tenía un grupo de fieles seguidores pero también un ejército de mánagers sin escrúpulos que le hicieron numerosos contratos poco claros que le llevaron a no cobrar un céntimo de muchas de sus publicaciones. En 1982 firmó una declaración jurada declarando que un marciano había invadido su cuerpo y fue gradualmente desapareciendo de la escena musical. Hacia 1990 Ericksson se las ingeniaba para sobrevivir con los 200$ al mes que le daba la Seguridad Social. Tras un arresto por robo, que fue finalmente retirado, fue internado de nuevo. En 1990 de cualquier manera, artistas como R.E.M., ZZ Top, John Wesley Harding y Jesus and Mary Chain grabaron sun canciones en el disco Where the Pyramid Meets the Eye: A tribute to Rocky Ericksson obteniendo un éxito nunca antes alcanzado. En 1993 Ericksson tocó por primera vez en directo tras muchos años de ausencia en los Austin Music Awards . Unos pocos meses más tarde volvió al estudio con los guitarristas Charlie Sexton y Paul Leary (de Butthole Surfers) para grabar una serie de nuevas canciones. En 1975 el colega de Leary King Coffey publicó el disco de Roky Ericksson All That May Do My Rhyme en su sello Trance Syndicate. 4 años más tarde publicaría también Never Say Goodbye: una colección de grabaciones privadas e inéditas de Ericksson. En el 2001 Sunner Ericksson, su hermano y reconocido músico clásico, obtuvo la custodia de Rocky, que gozaba ya de muy mala salud. Bajo la estrecha vigilancia de su hermano, Roky comenzó a recibir adecuada atención médica por primera vez en muchos años, así como un más adecuado tratamiento para sus problemas psicológicos. También consiguió una adecuada defensa para sus asuntos legales lo que hizo que empezara a obtener algún beneficio de sus composiciones. Un recuperado Roky comenzó a reaparecer públicamente en Austin, Texas y en marzo de 2005 participó en un foro público sobre 13th Floor Elevators en la Southwest Music Conference. Hizo también un breve aparición musical con los Explosives y un documental sobre él fue presentado en el Southwest Film Festival. Esta explosión de actividad coincidió con la publicación de una antología en doble CD sobre su obra titulada I Have Always Been Here Before: The Rock Ericksson Anthology. La banda Ghost hizo una versión de la canción If You Have Ghost, además nombraron con el mismo nombre su disco, el primer EP de la banda de heavy metal sueca. Fue producido por Dave Grohl y publicado el 20 de noviembre de 2013 por Republic Records.

Roger Kynard "Roky" Erickson (July 15, 1947 – May 31, 2019) was an American musician and singer-songwriter. He was a founding member of the 13th Floor Elevators and a pioneer of the psychedelic rock genre. Born in Dallas, Texas, Erickson was interested in music from his youth, playing piano from age five and taking up guitar at 10. He attended school in Austin and dropped out of Travis High School in 1965, one month before graduating, rather than cut his hair to conform to the school dress code.[3] His first notable group was the Spades, who scored a regional hit with Erickson's "We Sell Soul"; the song is included as an unlisted bonus track on Erickson's 1995 album All That May Do My Rhyme and was adapted as "Don't Fall Down" by the 13th Floor Elevators for their debut album. The Spades' original version of "You're Gonna Miss Me", later a hit for the 13th Floor Elevators, was featured on the compilation album The Best of Pebbles Volume 1. Erickson co-founded the 13th Floor Elevators in late 1965, aged 18. He and bandmate Tommy Hall were the main songwriters. Early in her career, singer Janis Joplin considered joining the Elevators, but Family Dog's Chet Helms persuaded her to go to San Francisco instead, where she found major fame. The band released their debut album The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators in 1966. It contained the band's only charting single, Erickson's "You're Gonna Miss Me". A stinging breakup song, the single remains probably Erickson's best-known work: it was a major hit on local charts in the U.S. southwest and appeared at lower positions on national singles charts as well. Critic Mark Deming writes that "If Roky Erickson had vanished from the face of the earth after The 13th Floor Elevators released their epochal debut single, "You're Gonna Miss Me", in early 1966, in all likelihood he'd still be regarded as a legend among garage rock fanatics for his primal vocal wailing and feral harmonica work." In 1967, the band followed up with Easter Everywhere, perhaps the band's most focused effort, featuring "Slip Inside This House", and a noted cover of Bob Dylan's "It's All Over Now, Baby Blue". The album Live was released in 1968 by the band's record label, International Artists, with little to no input from the band. It featured audience applause dubbed over studio recordings of cover versions, alternate takes, and older material. Bull of the Woods (1969) was the 13th Floor Elevators' final album on which they worked as a group and was largely the work of Stacy Sutherland. Erickson—due to health and legal problems—and Tommy Hall were only involved with a few tracks, including "Livin' On" and "May the Circle Remain Unbroken". In 1968, while performing at HemisFair, Erickson began speaking gibberish. He was soon diagnosed with paranoid schizophrenia and sent to a Houston psychiatric hospital, where he involuntarily received electroconvulsive therapy. The Elevators were vocal proponents of marijuana and psychedelic drug use, and were subject to extra attention from law enforcement agencies. In 1969, Erickson was arrested for possession of a single marijuana joint in Austin. Facing a potential ten-year incarceration, Erickson pleaded not guilty by reason of insanity to avoid prison. He was first sent to the Austin State Hospital. After several escapes, he was sent to the Rusk State Hospital in Rusk, Texas, where he was subjected to more electroconvulsive therapy and Thorazine treatments, ultimately remaining in custody until 1972. During his time at Rusk, he continued writing songs and poetry. Family and friends managed to smuggle out some of these poems and, in 1972, self published the book Openers, intending to use the proceeds to hire a lawyer. (Various sources claim approximately 1,000 copies of Openers were printed; how many copies were actually sold remains unknown.) Six tracks from the 1999 Erickson collection Never Say Goodbye were also recorded during his time at Rusk. In 1974, after having been released from the state hospital, Erickson formed a new band which he called "Bleib alien," Bleib being an anagram of Bible and/or German for "remain," and "Alien" being a pun on the German word allein ("alone") – the phrase in German, therefore, being "remain alone." His new band exchanged the psychedelic sounds of The 13th Floor Elevators for a more hard rock sound that featured lyrics on old horror film and science fiction themes. "Two Headed Dog (Red Temple Prayer)" (produced by The Sir Douglas Quintet's Doug Sahm and inspired by Vladimir Demikhov's 1950s head transplant experiments) was released as a single. The new band was renamed Roky Erickson and the Aliens. In 1979, after playing with the Reversible Cords on May Day at Raul's, Erickson recorded 15 new songs with producer Stu Cook, former bass player of Creedence Clearwater Revival. These efforts were released in two "overlapping" LPs – I Think of Demons (CBS UK, 1980) and The Evil One (415 Records, 1981). Cook played bass on two tracks, "Sputnik" and "Bloody Hammer." Roky performed with The Nervebreakers as his backup band at The Palladium in Dallas in July 1979. A recording was issued on the French label New Rose and was recently re-issued elsewhere. The Austin-based band the Explosives served as Roky's most frequent back-up band during the early Raul's Club era, between 1978 and the early 1980s. Billed as Roky Erickson and the Explosives, they were regulars at Raul's, the Continental Club, and other Austin venues. It was this incarnation that contributed two live tracks to the first Live at Raul's LP, released in 1980, with other Raul's top bands: The Skunks, Terminal Mind, The Next, Standing Waves, and The Explosives (without Roky Erickson). The Roky Erickson tracks ("Red Temple Prayer" and "Don't Shake Me Lucifer") were not included on the initial release for contractual reasons, but were included on a later release. In 1982, Erickson asserted that a Martian had inhabited his body. He came to feel that, due to his being alien, human beings were attacking him psychically. A concerned friend enlisted a Notary Public to witness an official statement by Erickson that he was an alien; he hoped by declaring so publicly he would be in line with any "international laws" he might have been breaking. Erickson claimed the attacks then indeed stopped. Beginning in the 1980s, Erickson developed a years-long obsession with the mail, often spending hours poring over random junk mail, writing to solicitors and celebrities (dead or living). He was arrested in 1989 on charges of mail theft. Erickson had picked up mail from neighbors who had moved and taped it to the walls of his room. He insisted that he never opened any of the mail, and the charges were ultimately dropped. Several live albums of his older material have been released since then, and in 1990 Sire Records/Warner Bros. Records released a tribute album, Where The Pyramid Meets The Eye: A Tribute to Roky Erickson, produced by WB executive Bill Bentley. It featured versions of Erickson's songs performed by The Jesus and Mary Chain, R.E.M., ZZ Top, Poi Dog Pondering, Julian Cope, Butthole Surfers, Bongwater, John Wesley Harding, Doug Sahm, and Primal Scream, among others. According to the liner notes, the title of the album came from a remark Erickson made to a friend who asked him to define psychedelic music, to which Erickson reportedly replied "It's where the pyramid meets the eye, man," an apparent reference to the Eye of Providence and the Great Seal of the United States. 1995, Erickson released All That May Do My Rhyme on Butthole Surfers drummer King Coffey's label Trance Syndicate Records. Produced by Texas Tornados bassist Speedy Sparks, Austin recording legend Stuart Sullivan, and Texas Music Office director Casey Monahan, the release coincided with the publication of Openers II, a complete collection of Erickson's lyrics. Published by Henry Rollins's 2.13.61 Publications, it was compiled and edited by Casey Monahan with assistance from Rollins and Erickson's youngest brother Sumner Erickson, a classical tuba player. Sumner was granted legal custody of Roky in 2001, and established a legal trust to aid his brother. As a result, Roky received some of the most effective medical and legal aid of his life, the latter useful in helping sort out the complicated tangle of contracts that had reduced royalty payments to all but nothing for his recorded works. He also started taking medication to control his schizophrenia. A documentary film on the life of Roky Erickson titled You're Gonna Miss Me was made by director Keven McAlester and screened at the 2005 SXSW film festival. In September of the same year, Erickson performed his first full-length concert in 20 years at the annual Austin City Limits Music Festival with The Explosives with special guest and longtime associate Billy Gibbons of ZZ Top. In the December 30, 2005 issue of the Austin Chronicle, an alternative weekly newspaper in Austin, Texas, Margaret Moser chronicled Erickson's recovery, saying Erickson had weaned himself off his medication, played at 11 gigs in Austin that year, obtained a driver's license, bought a car (a Volvo), and voted. In 2007, Erickson played his first ever gigs in New York City at Southpaw in Brooklyn, NY, as well as California's Coachella Festival and made a debut performance in England to a capacity audience at the Royal Festival Hall, London. Roky continued to play in Europe, performing for the first time in Finland at Ruisrock festival. According to the article in Helsingin Sanomat June 8, 2007, the performance was widely considered the highlight of the festival day. On September 8, 2008, Scottish post-rock band Mogwai released the Batcat EP. Erickson is featured on one of the tracks, "Devil Rides". Erickson performed alongside Austin-based indie rock band Okkervil River at the Austin Music Awards in 2008 and then again at the 2009 South by Southwest music festival. Erickson returned to the stage in 2008 to perform songs from the 13th Floor Elevators catalog that had not been performed in decades with fellow Austinites The Black Angels as his backing band. After months of practices and time recording in an Austin studio, they performed a show in Dallas followed by a West Coast tour. The Black Angels played a regular set and then backed Erickson as his rhythm section, playing 13th Floor Elevators songs as well as songs from Erickson's solo albums. On April 20, 2010, Erickson released True Love Cast Out All Evil, his first album of new material in 14 years. Okkervil River serves as Erickson's backing band on the album. In March 2012 Roky Toured New Zealand and Australia for the first time headlining Golden Plains Sixxx Festival in Meredeth as well as playing soldout side shows in Sydney and Melbourne. On May 10, 2015, Roky performed with the reunited 13th Floor Elevators at Levitation (formerly Austin Psych Fest, the event was renamed "Levitation" after the song of the same title). The band consisted of original band members Erickson, Tommy Hall, John Ike Walton, and Ronnie Leatherman, joined by Roky's son Jegar Erickson, and guitarist Fred Mitchim. Erickson died in Austin on May 31, 2019.

domingo, 12 de mayo de 2019

Nuevo disco de Joan Rovira "Dies Millors"


Dies millors és el tercer disc de llarga durada de Joan Rovira, un disc vitalista que combina la música festiva amb la música més intimista: ritmes caribenys fusionats amb el pop més actual i amb pinzellades de música electrònica. Joan Rovira amplia la banda i fa un gran salt endavant amb la producció de l’àlbum on trobarem l’essència de l’ebrenc però renovada en 11 cançons, escrites al llarg de gairebé 2 anys i que mostren una gran evolució musical de l’artista. Les lletres porten el seu segell personal i parlen de les relacions humanes: amor, amistat i autosuperació. Destaquen cançons com “Dies millors”, “El gran espectacle final”, “Si tu saltes jo també” i “La fugida”, amb una producció electrònica de la mà deGenís Trani, productor també de grups com Doctor Prats, Buhos i Green Valley entre d’altres. Una altra joia del disc és “Em Confons”, un tema explosiu i frenètic que transmet la força i la frescor dels seus directes. Altres cançons més íntimes i en clau acústica són “Sota el teu balcó”, amb la col·laboració d’en Pau Figueres a la guitarra espanyola, “Sé que ets tu” amb el Pedal Steel del David Soler i “Que et vagi bé”. Un disc eclèctic que inclou tocs Indie (“L’amor amb tu”), i un merengue en castellà (“Me preguntaba”), composada durant un viatge de l’artista a Mèxic.
 Joan Rovira (Camarles, Baix Ebre, 1982) és saxofonista modern llicenciat a l'ESMUC, guitarrista, compositor i cantant, podria fer tots els papers de l'auca però ha decidit convertir-se en un dels cantautors catalans de referència, com ell mateix diu: "l'estudi i el carrer m'han portat fins aquí”. L'ebrenc fusiona els ritmes llatins amb el pop més actual en cançons carregades de lletres vitalistes que parlen de l'amistat, de l'amor, de l'esperança i de la superació personal. La seva música es caracteritza per l’optimisme i els ritmes festius capaços d’emocionar i fer ballar el públic sense parar durant els seus concerts. Després de la seva època com a músic de carrer a Paris, Rovira ens va sorprendre amb el seu primer llançament Peix sense espina (Satélite K, 2015) amb el qual va rebre el reconeixement d’artista revelació segons els Premis Enderrock per votació popular en 2016. Un any més tard, va publicar Encara tenim temps (Satélite K, 2017), un disc que explica com el temps pot canviar l'amor i com l'amor pot condicionar el temps, va rebre el premi a millor disc d'autor als premis Enderrock 2018. Aquest any presenta el seu tercer disc de llarga durada, Dies millors (Satélite K, 2019). En aquest nou treball Joan Rovira avança cap a l’experimentació de noves sonoritats amb la integració d’elements electrònics i l’ampliació de la seva banda, amb la qual ha preparat un potent directe.


Días mejores es el tercer disco de larga duración de Joan Rovira, un disco vitalista que combina la música festiva con la música más intimista: ritmos caribeños fusionados con el pop más actual y con pinceladas de música electrónica. Joan Rovira amplía la banda y hace un gran salto adelante con la producción del álbum donde encontraremos la esencia del ebrense pero renovada en 11 canciones, escritas a lo largo de casi 2 años y que muestran una gran evolución musical del artista. Las letras llevan su sello personal y hablan de las relaciones humanas: amor, amistad y autosuperació. Destacan canciones como “Días mejores”, “El gran espectáculo final”, “Si tú saltas yo también” y “La fuga”, con una producción electrónica de la mano de GenísTrani, productor también de grupos como Doctor Prats, Buhos y Green Valley entre otros. Otra joya del disco es “Me Confundes”, un tema explosivo y frenético que transmite la fuerza y la frescura de sus directos. Otras canciones más íntimas y en clave acústica son “Bajo tu balcón”, con la colaboración de en Pau Figueras a la guitarra española, “Sé que eres tú” con el Pedal Steel de David Soler y “Que te vaya bien”. Un disco ecléctico que incluye toques Indie (“El amor contigo”), y un merengue castellano (“Me preguntaba”), compuesta durante un viaje del artista en México.
Joan Rovira (Camarles, Baix Ebre, 1982) es saxofonista moderno licenciado al ESMUC, guitarrista, compositor y cantante, podría hacer todos los papeles del auca pero ha decidido convertirse en uno de los cantautores catalanes de referencia, como él mismo dice: "el estudio y la calle me han llevado hasta aquí”. Fusiona los ritmos latinos con el pop más actual en canciones cargadas de letras vitalistas que hablan de la amistad, del amor, de la esperanza y de la superación personal. Su música se caracteriza por el optimismo y los ritmos festivos capaces de emocionar y hacer bailar el público sin cesar durante sus conciertos. Después de su época como músico de calle a Paris, Rovira nos sorprendió con su primer lanzamiento Pez sin espina (Satélite K, 2015) con el cual recibió el reconocimiento de artista revelación según los Premios Enderrock por votación popular en 2016. Un año más tarde, publicó Todavía tenemos tiempo (SatéliteK, 2017), un disco que explica como el tiempo puede cambiar el amor y como el amor puede condicionar el tiempo, recibió el premio a mejor disco de autor a los premios Enderrock2018. Este año presenta su tercer disco de larga duración, Días mejores (Satélite K, 2019). En este nuevo trabajo Joan Rovira avanza hacia la experimentación de nuevas sonoridades con la integración de elementos electrónicos y la ampliación de su banda, con la cual ha preparado un potente directo.

Better Days is the third full-length album by Joan Rovira, a vitalist album that combines festive music with the most intimate music: Caribbean rhythms fused with the most current pop and with touches of electronic music. Joan Rovira expands the band and makes a great leap forward with the production of the album where we will find the essence of the Ebrense but renewed in 11 songs, written over almost 2 years and that show a great musical evolution of the artist. The letters bear their personal stamp and speak of human relationships: love, friendship and self-sufficiency. Outstanding songs such as "Best days", "The final great show", "If you jump me too" and "La fuga", with an electronic production by the hand of GenísTrani, also producer of groups such as Doctor Prats, Owls and Green Valley among others. Another gem of the album is "Me Confundes", an explosive and frenetic song that transmits the strength and freshness of their live shows. Other more intimate and acoustic key songs are "Bajo tu balcón", with the collaboration of Pau Figueras on the Spanish guitar, "Sé que eres tú" with David Soler's Pedal Steel and "Que ver bien". An eclectic album that includes Indie touches ("El amor contigo"), and a Spanish merengue ("I was wondering"), composed during a trip by the artist in Mexico.
Joan Rovira (Camarles, Baix Ebre, 1982) is a modern saxophonist who graduated from ESMUC, guitarist, composer and singer. He could do all the roles of auca but has decided to become one of the Catalan composers of reference, as he says: " The studio and the street have taken me here. "He fuses Latin rhythms with the most current pop in songs full of vital lyrics that speak of friendship, love, hope and personal improvement. optimism and festive rhythms able to thrill and make the audience dance incessantly during their concerts.After his time as a street musician in Paris, Rovira surprised us with his first release Pez sin espina (Satellite K, 2015) with which he received the recognition of revelation artist according to the Enderrock Awards by popular vote in 2016. A year later, he published We still have time (SatéliteK, 2017), a disc that explains how the iempo can change the love and as love can condition the time, received the award for best author album to the Enderrock2018 awards. This year he presents his third album of long duration, Better Days (Satellite K, 2019). In this new work Joan Rovira advances towards the experimentation of new sounds with the integration of electronic elements and the expansion of his band, with which he has prepared a powerful live show.

martes, 26 de marzo de 2019

Muere Scott Walker a los 76 años


Scott Walker, nacido como Noel Scott Engel (Hamiltion, Ohio, 9 de enero de 19431​2​-Londres, 22 de marzo de 20193​), fue un cantante, músico, productor británico - estadounidense y vocalista del grupo The Walker Brothers. A pesar de ser originario de Hamilton, Ohio, la fama de Walker se extendió por todo el Reino Unido, donde sus primeros cuatro álbumes alcanzaron una excelente posición en el Top Ten. Walker vivió desde 1965 en Inglaterra, continuó trabajando su material en solitario, firmando únicamente con la compañía discográfica 4AD.4​ En 1970, obtuvo la ciudadanía británica. Originalmente dirigida por Eddie Fisher en los años 1950, Scott apareció varias veces en su serie de TV bajo su nombre Fisher, y de adolescente participó en el programa de entretenimiento Fabian de Frankie Avalon. También trabajo como músico de sesión tocando el bajo eléctrico durante su adolescencia en Los Ángeles. Está reconocido como un referente en la música de vanguardia de finales del siglo XX y principios del XXI, gracias a los trabajos experimentales que realizó a partir de 1995 con el álbum Tilt hasta su última producción Soused en colaboración

Scott Walker (born Noel Scott Engel; January 9, 1943 – March 22, 2019) was an American-born British singer-songwriter, composer and record producer. Walker was known for his distinctive baritone voice and an unorthodox career path which took him from 1960s teen pop icon to 21st-century avant-garde musician. Walker's success was largely in the United Kingdom, where his first three solo albums reached the top ten. He lived in the UK from 1965 and became a British citizen in 1970. First coming to fame in the mid-1960s as frontman of the pop music trio The Walker Brothers, Walker began a solo career with 1967's Scott, moving toward an increasingly challenging baroque pop style on late '60s albums such as Scott 3 (1969) and Scott 4 (1969). His solo work did not sell well, leading him to reunite with The Walker Brothers in the mid-1970s. From the mid-1980s, Walker revived his solo career while moving in an increasingly avant-garde direction that The Guardian likened to "Andy Williams reinventing himself as Stockhausen." Walker continued to release solo material until his death, and was last signed to 4AD Records. As a record producer or guest performer, he worked with a number of artists including Pulp, Ute Lemper, Sunn O))) and Bat for Lashes. Upon his death, Walker was described by the BBC as "one of the most enigmatic and influential figures in rock history."

sábado, 16 de marzo de 2019

James Taylor cumple 71 años


James Vernon Taylor (12 de marzo de 1948, Boston, Massachusetts) es un cantautor y guitarrista estadounidense, ganador de cinco Premios Grammy. Su primer éxito fue el sencillo «Fire and Rain» de su segundo álbum Sweet Baby James (1970), disco que ocupa el puesto 103 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.​ El año siguiente, su versión de la canción de su amiga Carole King, «You've Got a Friend», alcanzó el puesto número 1. Su álbum recopilatorio, Greatest Hits, de 1976, fue certificado disco Diamante por la RIAA, con doce millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos. Nacido en Boston, Massachusetts, pasó su infancia en Chapel Hill, Carolina del Norte. La carrera de Taylor comenzó a mediados de los años sesenta, pero encontró su público a inicios de los setenta cantando canciones acústicas suaves y sensibles. Taylor formó parte de una ola de cantautores suaves que incluye a Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Jackson Browne y Carly Simon, con quien se casó más tarde. Fue precisamente el éxito comercial de Taylor que abrió el camino para toda esta generación de cantautores.2​ Como músico, ha participado en numerosas grabaciones como guitarrista acústico y vocalista ya incluso antes de ascender a la fama, como en el caso del LP Tapestry, de Carole King. Su particular estilo Fingerpicking, unido a sus constantes Hammer-on y pull-off de las cuerdas prima (Mi) y segunda (Si), al tiempo que acordes abiertos abundantes de cuartas suspendidas ha sido un referente de los guitarristas acústicos desde los años 70. Admirado como músico, se ha rodeado tanto en grabaciones como en giras siempre de grandes figuras como Larry Goldings, Steve Gadd, Danny Kortchmar, Michael Brecker, Michael Landau, David Sanborn, Arnold McCuller y muchos otros. Desde el 17 de diciembre de 2010 inició desde su web site oficial unas clases de guitarra para mostrar su técnica al gran público, siendo el primero que ha perfeccionado dichas grabaciones con una cámara dentro y fuera de la guitarra simultáneas, que muestran tanto la digitación de la mano izquierda como la derecha, con total exactitud.3​ Su primer álbum, James Taylor (1968), fue el primer álbum publicado por el sello discográfico de The Beatles, Apple Records, y contó con la colaboración de George Harrison y Paul McCartney, aunque solo McCartney figura en los créditos. Su primer éxito en alcanzar el número 10 (Top 10 hit) en las listas americanas fue «Fire and Rain», una canción introspectiva cuyas tres estrofas versan sobre diferentes etapas de la vida del artista, incluida su estancia en un hospital mental donde fue internado para recuperarse de episodios de ansiedad acrecentados con el consumo de drogas, que superaría definitivamente en los años 80, según él mismo ha confesado. El siguiente LP lanzado por el artista vendió más de un millón de copias, Mud Slide Slim and the Blue Horizon, que incluía el single «You've Got a Friend», tema escrito por su buena amiga Carole King. Por esta grabación ganó un Grammy en 1971 al mejor cantante pop masculino. En 1972, Taylor volvió a ganar un Disco de Oro por las ventas de su LP One Man Dog, al que siguió en 1973 su LP Walking Man. El álbum Gorilla (1975) incluyó otros dos grandes hits para las listas musicales en los Estados Unidos: «How Sweet It Is (To Be Loved By You)», de Holland-Dozier-Holland y «Mexico». Siguiendo a su último disco con la Warner Brothers, su álbum In the Pocket, Taylor cambió de compañía discográfica, firmando con Columbia Records y lanzando algunos de sus discos más exitosos: JT (1977) un disco doble platino; Flag (1979); Dad Loves His Work (1981); That's Why I'm Here (1985); Never Die Young (1988); New Moon Shine (1991); el disco doble Live (1993); en (1994) presta su voz para el episodio 96 de la quinta temporada de Los Simpson en el que se interpreta a sí mismo, cantando una versión alterada de «Fire and Rain» específicamente para el episodio, Hourglass (1998), ganando entonces su primer Grammy al mejor álbum de pop del año; y October Road (2002), todos discos de platino.5​ La US National Academy of Recording Arts and Sciences le seleccionó como su Personaje MusiCares del año en 2006, y su nuevo CD, One Man Band (2007), fue nominado en los Premios Emmy. En 2006, Taylor interpretó la canción Our Town, escrita por Randy Newman, de la película de Pixar, Cars. La canción fue nominada a Mejor Canción Original en los Premios Óscar de 2006. En el año 2009 realizó una aparición en la película Funny People junto a Adam Sandler, Seth Rogen y Leslie Mann, aunque su primera aparición en el cine vino de la mano del director Monte Hellman, en la película Two-Lane Blacktop, de la que fue protagonista, aunque no tuvo demasiado éxito. En el año 2000 Taylor ingresó por méritos propios en el Rock and Roll Hall of Fame y el prestigioso Songwriters Hall of Fame. En el año 2011 recibió la Medalla Nacional de las Artes 2010 de manos del Presidente de los Estados Unidos Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. En 2012 recibió la distinción de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Gobierno de Francia.7​ Otros artistas americanos que han recibido dicho galardón son: Bob Dylan, Patti Smith, Van Morrison, Frederica von Stade, Philip Glass, Juanes, Kylie Minogue o Andre Rieu. James Taylor ha sido nombrado Doctor Honoris Causa por el Williams College y el Berklee School of Music. Aunque pasó su juventud en Carolina del Norte, vive en la zona oeste de Massachusetts, con su mujer Caroline y los hijos de ambos Henry y Rufus.  James Vernon Taylor (born March 12, 1948) is an American singer-songwriter and guitarist. A five-time Grammy Award winner, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 2000. He is one of the best-selling music artists of all time, having sold more than 100 million records worldwide. Taylor achieved his breakthrough in 1970 with the No. 3 single "Fire and Rain" and had his first No. 1 hit in 1971 with his recording of "You've Got a Friend", written by Carole King in the same year. His 1976 Greatest Hits album was certified Diamond and has sold 12 million US copies. Following his 1977 album, JT, he has retained a large audience over the decades. Every album that he released from 1977 to 2007 sold over 1 million copies. He enjoyed a resurgence in chart performance during the late 1990s and 2000s, when he recorded some of his most-awarded work (including Hourglass, October Road, and Covers). He achieved his first number-one album in the US in 2015 with his recording Before This World. He is known for his popular covers, such as "How Sweet It Is (To Be Loved by You)" and "Handy Man", as well as originals such as "Sweet Baby James". ames Vernon Taylor was born at Massachusetts General Hospital in Boston on March 12, 1948, where his father, Isaac M. Taylor, worked as a resident physician. His father came from a wealthy Scottish family from the South, however, part of his ancestral roots are deep in Massachusetts Bay Colony and include Edmund Rice, one of the founders of Sudbury, Massachusetts. His mother, the former Gertrude Woodard (1921–2015), studied singing with Marie Sundelius at the New England Conservatory of Music and was an aspiring opera singer before the couple's marriage in 1946. James was the second of five children, the others being Alex (1947–1993), Kate (born 1949), Livingston (born 1950), and Hugh (born 1952). In 1951, his family moved to Chapel Hill, North Carolina,[10] when Isaac took a job as an assistant professor of medicine at the University of North Carolina School of Medicine. They built a house in the Morgan Creek area off the present Morgan Creek Road, which was sparsely populated. James would later say, "Chapel Hill, the Piedmont, the outlying hills, were tranquil, rural, beautiful, but quiet. Thinking of the red soil, the seasons, the way things smelled down there, I feel as though my experience of coming of age there was more a matter of landscape and climate than people." James attended public primary school in Chapel Hill. Isaac's career prospered, but he was frequently away from home, on military service at Bethesda Naval Hospital in Maryland, or as part of Operation Deep Freeze in Antarctica in 1955 and 1956. Isaac Taylor later rose to become dean of the UNC School of Medicine from 1964 to 1971. Beginning in 1953, the Taylors spent summers on Martha's Vineyard. James first learned to play the cello as a child in North Carolina and switched to the guitar in 1960.[16] His guitar style evolved, influenced by hymns, carols, and the music of Woody Guthrie, and his technique derived from his bass clef-oriented cello training and from experimenting on his sister Kate's keyboards: "My style was a finger-picking style that was meant to be like a piano, as if my thumb were my left hand, and my first, second, and third fingers were my right hand." He began attending Milton Academy, a preparatory boarding school in Massachusetts in fall 1961. Summering before then with his family on Martha's Vineyard, he met Danny Kortchmar, an aspiring teenage guitarist from Larchmont, New York. The two began listening to and playing blues and folk music together, and Kortchmar quickly realized that Taylor's singing had a "natural sense of phrasing, every syllable beautifully in time. I knew James had that thing." Taylor wrote his first song on guitar at 14, and he continued to learn the instrument effortlessly. By the summer of 1963, he and Kortchmar were playing coffeehouses around the Vineyard, billed as "Jamie & Kootch". Taylor faltered during his junior year at Milton, feeling uneasy in the high-pressure college prep environment despite good scholastic performance. The Milton headmaster would later say, "James was more sensitive and less goal-oriented than most students of his day." He returned home to North Carolina to finish out the semester at Chapel Hill High School. There, he joined a band formed by his brother Alex called The Corsayers (later The Fabulous Corsairs), playing electric guitar; in 1964, they cut a single in Raleigh that featured James's song "Cha Cha Blues" on the B-side. Having lost touch with his former school friends in North Carolina, Taylor returned to Milton for his senior year. There, Taylor started applying to colleges but soon descended into depression; his grades collapsed, he slept 20 hours each day, and he felt part of a "life that [he was] unable to lead." In late 1965 he committed himself to the renowned McLean Hospital in Belmont, Massachusetts, where he was treated with Thorazine and where the organized days began to give him a sense of time and structure. As the Vietnam War escalated, Taylor received a psychological rejection from Selective Service System when he appeared before them with two white-suited McLean assistants and was uncommunicative. Taylor earned a high school diploma in 1966 from the hospital's associated Arlington School. He would later view his nine-month stay at McLean as "a lifesaver ... like a pardon or like a reprieve," and both his brother Livingston and sister Kate would later be patients and students there as well. As for his mental health struggles, Taylor would think of them as innate and say: "It's an inseparable part of my personality that I have these feelings."

jueves, 7 de marzo de 2019

Nuevo disco de Leize "Deriva"


Programa especial de Leize con entrevista a Felix Lasa.
Los creadores del grupo fueron Félix Lasa, Patxi Carrasco, Toño Rodríguez y Toto Waliño. El primer concierto se realizó en Iraeta en 1983 . Ese mismo año también grabaron sus dos primeros modelos. Después de un cambio en la formación (Jorge Sanchez comenzó a tocar la batería), grabaron su primer disco ( Devorando las calles ) en los Tsunami Studios en San Sebastián . Este disco fue producido por How and CRS Records, y se lanzó en 1988 . Junto con el lanzamiento de este disco, comenzaron a tocar en toda España . Al mismo tiempo, Pedro Rodríguez reemplazó a Jorge Sánchez en la batería. Esos miembros (Félix Lasa, Patxi Carrasco, Toño Rodríguez y Pedro Rodríguez) fueron los compositores clásicos de Leizar. En 1989, Buscando ... viendo el segundo álbum lanzado. En 1991 se publicó el tercer trabajo , Acosandome . En 1993 , Loca Pasion lanzó su cuarto álbum. Junto con el lanzamiento de este disco, Patxi y Toño abandonaron el grupo después de tocar durante muchos años. En lugar de ellos, Miguel Obregón (guitarra) y Javier Hoyos se unieron a la banda y con el nuevo formato , Todo por el suelo fue lanzado en 1995 . Para esta presentación, Roberto Moledo se unió al guitarrista. Como resultado de esta gira, en 1997 , esto es lo que grabó un álbum doble en vivo en Madrid . Después del lanzamiento de este álbum, el grupo fue desmantelado. Pero en 2006 , Félix Lasa, Patxi Carrasco y Toño Rodríguez se reunieron de nuevo, junto con David Gorospe, baterista. Con este entrenamiento, Solo para ti fue grabado en los estudios Elkar, con la ayuda de Jean Phocas . Han pasado más de 30 años desde que surgió LEIZE en Zestoa y ahora vuelven con este 11º disco llamado “Deriva”, una compilación de 10 canciones que han sido grabado en los estudios 2noisy de Azpeitia (Gipuzkoa) y masterizado en Cuttingroom Mastering de Suecia. 10 canciones Rock-Metal con el sello LEIZE impregnado en cada una de ellas con las colaboraciones de Jorge Salan en “Mi Lugar” y Alberto Marín en “No me da la gana”. “En plena deriva por abatimiento en nuestra rutina diaria, buscamos un refugio en cualquier actividad que nos de vida, en el que sin fronteras y notando cada sentido, podemos dar rienda suelta, siendo libres, a lo que somos en realidad.” Felix Lasa Es en esencia un disco LEIZE por los cuatro costados, con un sonido crudo, claro y actual, pero que desde la primera nota tiene el toque y la manera de hacer de LEIZE.
The creators of the group were Felix Lasa, Patxi Carrasco, Toño Rodríguez and Toto Waliño. The first concert was held in Iraeta in 1983. That same year they also recorded their first two models. After a change in the formation (Jorge Sanchez began to play the drums), they recorded their first album (Devorando las calles) at the Tsunami Studios in San Sebastián. This album was produced by How and CRS Records, and was released in 1988. Along with the release of this album, they began playing throughout Spain. At the same time, Pedro Rodríguez replaced Jorge Sánchez on drums. These members (Felix Lasa, Patxi Carrasco, Toño Rodríguez and Pedro Rodríguez) were the classical composers of Leizar. In 1989, Buscando ... watching the second album released. In 1991 the third work, Acosandome, was published. In 1993, Loca Pasion released their fourth album. Along with the release of this album, Patxi and Toño left the group after playing for many years. Instead of them, Miguel Obregón (guitar) and Javier Hoyos joined the band and with the new format, Todo por el suelo was released in 1995. For this presentation, Roberto Moledo joined the guitarist. As a result of this tour, in 1997, this is what he recorded a double live album in Madrid. After the release of this album, the group was dismantled. But in 2006, Felix Lasa, Patxi Carrasco and Toño Rodríguez met again, along with David Gorospe, drummer. With this training, Solo para ti was recorded at the Elkar studios, with the help of Jean Phocas. More than 30 years have passed since LEIZE emerged in Zestoa and now they are back with this 11th album called "Deriva", a compilation of 10 songs that have been recorded in the 2noisy studios of Azpeitia (Gipuzkoa) and mastered in Cuttingroom Mastering of Sweden. 10 Rock-Metal songs with the LEIZE label impregnated in each of them with the collaborations of Jorge Salan in "Mi Lugar" and Alberto Marín in "No me la gana". "In full drift through our daily routine, we seek a refuge in any activity that gives us life, in which without borders and noticing each sense, we can give free rein, being free, to what we really are." Felix Lasa It is essentially a LEIZE album on all four sides, with a raw, clear and current sound, but from the first note has the touch and the way of doing LEIZE.

sábado, 12 de enero de 2019

50 años del Lp Led Zeppelin

Led Zeppelin es el primer álbum de estudio de la banda inglesa de hard rock Led Zeppelin, publicado el 12 de enero de 1969. Este fue un álbum que introdujo muchos conceptos nuevos en la música rock, creando una interpretación completamente nueva del género. En 2003 la revista Rolling Stone lo posicionó en el lugar 29 en su lista de los 500 grandes álbumes de todos los tiempos. Un debut más que prometedor, grabado en tan sólo 30 horas en los Estudios Olympic de Londres en octubre de 1968. La banda se encuadra con este disco dentro del movimiento blues británico, al lado de otros grupos como Ten Years After o Cream. Sin embargo, también da muestras evidentes de cuál va a ser su estilo personal: rock and roll impregnado de blues, con riffs virtuosos, folk e incluso influencias de la costa oeste americana (algunos comparan la voz de Plant con la de Janis Joplin).[cita requerida] La mayoría de las canciones aparecen firmadas por Jimmy Page y el resto de miembros del grupo, salvo Plant, que seguía bajo contrato con la CBS. El mánager del grupo, Peter Grant, preparó con este disco el futuro asalto a América. En una visita a Nueva York, firmó un contrato por cinco años con Atlantic Records que daba a Page, productor de todos los discos del grupo, absoluta libertad en el plano musical. Además, les embarcó en una gira como teloneros de Vanilla Fudge, sustituyendo al grupo de Jeff Beck, que se tuvo que retirar a última hora. El 26 de diciembre de 1968, Led Zeppelin debuta en Denver, en la que sería la primera de sus giras triunfales por Estados Unidos. Sobre la portada del disco, la foto del grupo (realizada por Chris Dreja, bajista de los Yardbirds) muestra a los cuatro músicos y una foto de un zepelín en llamas, que dio pie a una anécdota. Durante una gira por Holanda, el grupo se presentó como The Nobs, ya que la baronesa Eva Von Zeppelin, sobrina del inventor del dirigible, se negó a que «unos monos chillones» usaran su apellido. Y eso a pesar de que intentaran convencerla, como contaba Page:

Led Zeppelin is the eponymous debut album by English rock band Led Zeppelin. It was released on 12 January 1969 in the United States and on 31 March in the United Kingdom by Atlantic Records. The album was recorded in September and October 1968 at Olympic Studios, London, shortly after the band's formation. It contains a mix of original material worked out in the first rehearsals, and remakes and rearrangements of contemporary blues and folk songs. The sessions took place before the group had secured a recording contract and were paid for directly, and took 36 hours and less than £2,000 to complete. The album showed the group's fusion of blues and rock, and their take on the emerging hard rock sound was immediately commercially successful in both the UK and US. Although the album was not critically well-received when first released, critics have since come to view it in a more favourable lIn July 1968, the English rock band the Yardbirds disbanded after two founder members Keith Relf and Jim McCarty quit the group, with a third, Chris Dreja, leaving to become a photographer shortly afterwards. The fourth member, guitarist Jimmy Page, was left with rights to the name and contractual obligations for a series of concerts in Scandinavia. Page asked seasoned session player and arranger John Paul Jones to join as bassist, and hoped to recruit Terry Reid as singer and Procol Harum's B. J. Wilson as drummer. Wilson was still committed to Procol Harum, and Reid declined to join but recommended Robert Plant, who met with Page at his boathouse in Pangbourne, Berkshire in August to talk about music and work on new material. Page and Plant realised they had good musical chemistry together, and Plant asked friend and former band-mate John Bonham to drum for the new group. The line-up of Page, Plant, Jones and Bonham first rehearsed in September 1968, shortly before a tour of Scandinavia as "The New Yardbirds", performing some old Yardbirds material as well as new songs such as "Communication Breakdown", "I Can't Quit You Baby", "You Shook Me", "Babe I'm Gonna Leave You" and "How Many More Times". After they returned to London following the tour, Page changed the band's name to Led Zeppelin, and the group entered Olympic Studios at 11 p.m. on 25 September 1968 to record their debut albumight. Page said that the album took only about 36 hours of studio time (over a span of a few weeks) to create (including mixing), adding that he knew this because of the amount charged on the studio bill. One of the primary reasons for the short recording time was that the material selected for the album had been well-rehearsed and pre-arranged by the band on the Scandinavian tour. The band had not yet signed a deal and there was no record company money to waste on excessive studio time. Page and Led Zeppelin's manager Peter Grant paid for the sessions themselves. The reported total studio costs were £1,782. The self-funding was important because it meant they could record exactly what they wanted without record company interference. For the recordings, Page played a psychedelically painted Fender Telecaster, a gift from friend Jeff Beck after Page recommended him to join the Yardbirds in 1965, replacing Eric Clapton on lead guitar. Page played the Telecaster through a Supro amplifier, and used a Gibson J-200, for the album's acoustic tracks. For "Your Time Is Gonna Come" he used a Fender 10-string pedal steel guitar.

viernes, 4 de enero de 2019

Muere Margaret "Pegi" Young

Margaret "Pegi" Young (1 de diciembre de 1952 - 1 de enero de 2019) fue una cantautora, ecologista, educadora y filántropa estadounidense. Su debut como cantante se produjo en 1983 cuando era miembro de The Pinkettes, los vocalistas de la gira Rock-a Billy Shocking Pinks de Neil Young. En 1994 hizo su primera aparición en televisión a nivel nacional en los Premios de la Academia, cantando en la canción "Philadelphia", compuesta por su esposo. Young conoció al futuro esposo Neil Young en 1974 cuando trabajaba de camarera en un restaurante cerca de su rancho, una historia que cuenta en la canción "Leyenda desconocida" de 1992. Se casaron en agosto de 1978 y tuvieron dos hijos, Ben y Amber, además de convertirse en madrastra de su primer hijo, Zeke. En julio de 2014, Neil solicitó el divorcio en California. Pegi murio de cáncer el 1 de enero de 2019, a los 66 años.
La mayoría de los cantautores no esperan una vida para lanzar su álbum de debut. Pero para Pegi Young, la vida siguió obstaculizando la crianza de un hijo y una hija, fundando The Bridge School para niños con necesidades especiales como su hijo Ben y recorriendo el mundo como cantante de respaldo para su esposo Neil Young.  Pegi Young escribió algunas de las canciones originales aquí hace más de treinta años, mucho antes de casarse con Neil Young. Pero uno de los placeres inesperados de Pegi Young (junto con el sonido de Neil tocando el sitar eléctrico en "Love Like Water") está escuchando a Pegi repasar preguntas e impresiones de su joven "Key to Love", "White Line in the Sun" en una voz grabada con el grano profundo de la experiencia adulta. Las canciones recientes de Pegi, como "Fake" y "A veces", son tan simples y directas en sus promesas y preocupaciones como las de su marido, y el productor Elliot Mazer las pone en un brillo de pedal que inevitablemente hace eco de Neil's Harvest.
Margaret "Pegi" Young (December 1, 1952 – January 1, 2019) was an American singer-songwriter, environmentalist, educator and philanthropist. Her debut as a singer came in 1983 when she was a member of The Pinkettes, the backing vocalists of Neil Young's Rock-a Billy Shocking Pinks tour. In 1994 she made her first nationwide TV appearance at the Academy Awards, singing backup on the song "Philadelphia", composed by her husband. Young met future husband Neil Young in 1974 when she was working as a waitress at a diner near his ranch, a story he tells in the 1992 song "Unknown Legend". They married in August 1978 and had two children, Ben and Amber, in addition to her becoming stepmother to his first child, Zeke. In July 2014, Neil filed for divorce in California. Young died of cancer on January 1, 2019, aged 66.
Most singer-songwriters don't wait a lifetime to release their debut album. But for Pegi Young, life kept getting in the way raising a son and a daughter, co-founding The Bridge School for special needs children like her son Ben and touring the world as a backup singer for husband Neil Young. Now, on a self-titled album filled with country-rockin' heartache tunes pondering the tug-of-war between love and independence, Pegi Young finally takes center stage. This has to be one of the most delayed debut albums in singer-songwriter history. Pegi Young wrote some of the original songs here more than thirty years ago, long before she married Neil Young. But one of the unexpected pleasures of Pegi Young (along with the sound of Neil playing electric sitar in "Love Like Water") is hearing Pegi revisit questions and impressions from her youth "Key to Love," "White Line in the Sun" in a voice etched with the deep-cut grain of adult experience. Pegi's recent songs, such as "Fake" and "Sometimes," are as simple and direct in their promises and worries as her husband's, and producer Elliot Mazer sets them in a pedal-steel sparkle that inevitably echoes Neil's Harvest.