J.J. Cale "Essentials"

 

John Weldon Cale1​ (Oklahoma City, 5 de diciembre de 1938 - La Jolla, California, 26 de julio de 2013), más conocido como JJ Cale o J.J. Cale, fue un músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, del rockabilly, del country y del jazz. El estilo personal de Cale ha sido descrito a menudo como «relajado» (laid back) y sus canciones han sido ampliamente versionadas por artistas como Eric Clapton, Phish, Jerry García, Waylon Jennings, Lynyrd Skynyrd, John Mayer y Bobby Bare. Cale nació el 5 de diciembre de 1938 en Oklahoma City.​ Creció en Tulsa, Oklahoma y se graduó en la escuela secundaria en 1956. Junto a otros músicos jóvenes de Tulsa, Cale se trasladó a Los Ángeles a comienzos de la década de 1960, donde comenzó a trabajar como ingeniero de sonido en diferentes estudios.2​ Debido a su poco éxito como artista, regresó a Tulsa y consideró abandonar la industria musical hasta que Eric Clapton ejecutó una nueva versión de «After Midnight» en 1970. Su primer álbum, Naturally, estableció su propio estilo musical, descrito por Richard Cromelin en Los Angeles Times como «un híbrido único de blues, folk y jazz, marcado por surcos relajados, la guitarra fluida de Cale y una voz lacónica. Su uso temprano de cajas de ritmos y su mezcla poco convencional dio una calidad distintiva y atemporal a su trabajo y lo situó aparte del paquete del purismo musical de las raíces del americana».​ En 2013, Neil Young comentó que de todos los músicos que había escuchado, Cale era, junto a Jimi Hendrix, el mejor guitarrista eléctrico.​ Algunas fuentes citan incorrectamente su nombre real como Jean-Jacques Cale ​ En el documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, el músico habló sobre Elmer Valentine, copropietario de la discoteca Whisky a Go Go de Sunset Strip, quien lo contrató a mediados de la década de 1960 y fue el responsable del acrónimo JJ para evitar confusión con John Cale, miembro de Velvet Underground. Su mayor éxito en los Estados Unidos, "Crazy Mama", alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard Hot 100 en 1972. En el documental To Tulsa and Back, Cale relató que recibió una oportunidad para aparecer en el programa American Bandstand para promocionar la canción. Cale declinó la oferta cuando supo que no podía llevar a su grupo y que tenía que cantar en playback.​ Cale también fue conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Fue un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años. El lanzamiento de su álbum To Tulsa and Back en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en 2006 y el estreno del documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el Grammy al mejor álbum contemporáneo de blues en la 50ª edición de los premios en 2008. El 26 de julio de 2013, Cale falleció en el Scripps Hospital de La Jolla, California a consecuencia de un ataque al corazón.​ En agosto de 2018 se anunció el lanzamiento de Stay Around, un álbum póstumo con material inédito mezclado y producido por el propio Cale, finalmente publicado en abril de 2019. El primer sencillo, "Chasing You", fue estrenado el 31 de enero de 2019.​

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John Weldon "J. J." Cale (December 5, 1938 – July 26, 2013) was an American guitarist, singer, and songwriter. Though he avoided the limelight, his influence as a musical artist has been widely acknowledged by figures such as Mark Knopfler, Neil Young and Eric Clapton, who described him as "one of the most important artists in the history of rock". He is considered to be one of the originators of the Tulsa Sound, a loose genre drawing on blues, rockabilly, country, and jazz. In 2008, Cale, along with Clapton, received a Grammy Award for their album The Road to Escondido. John Cale was born on December 5, 1938, in Oklahoma City, Oklahoma. He was raised in Tulsa, Oklahoma, and graduated from Tulsa Central High School in 1956. As well as learning to play the guitar he began studying the principles of sound engineering while still living with his parents in Tulsa, where he built himself a recording studio. After graduation he was drafted into military service, studying at the Air Force Air Training Command in Rantoul, Illinois. Cale recalled, "I didn't really want to carry a gun and do all that stuff so I joined the Air Force and what I did is I took technical training and that's kind of where I learned a little bit about electronics." Cale's knowledge of mixing and sound recording turned out to play an important role in creating the distinctive sound of his studio albums. Along with a number of other young Tulsa musicians, Cale moved to Los Angeles in late 1964, where he found employment as a studio engineer as well as playing at bars and clubs. He managed to land a regular gig at the increasingly popular Whisky a Go Go in March 1965. In 1966, while living in the city, he cut a demo single (in those days professional demos were actual 45 rpm vinyl singles) with Liberty Records of his composition "After Midnight". He distributed copies of the single to his Tulsa musician friends living in Los Angeles, many of whom were successfully finding work as session musicians. He found little success as a recording artist and, not being able to make enough money as a studio engineer, he sold his guitar and returned to Tulsa in late 1967, where he joined a band with Tulsa musician Don White. In 1970 it came to his attention that Eric Clapton had recorded a cover of "After Midnight" on his debut album. It was suggested to Cale that he should take advantage of this publicity and cut a record of his own. His first album, Naturally, released in December 1971, established his style, described by Los Angeles Times writer Richard Cromelin as a "unique hybrid of blues, folk and jazz, marked by relaxed grooves and Cale's fluid guitar and iconic vocals. His early use of drum machines and his unconventional mixes lend a distinctive and timeless quality to his work and set him apart from the pack of Americana roots music purists." In his 2003 biography Shakey, Neil Young remarked, "Of all the players I ever heard, it's gotta be [Jimi] Hendrix and J. J. Cale who are the best electric guitar players." In the 2005 documentary To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, Cale's guitar style is characterized by Eric Clapton as "really, really minimal" adding "it's all about finesse". His biggest U.S. hit single, "Crazy Mama", peaked at #22 on the U.S. Billboard Hot 100 chart in 1972. In the 2005 documentary film To Tulsa and Back, Cale recounts the story of being offered the opportunity to appear on Dick Clark's American Bandstand to promote the song, which would have moved it higher on the charts. Cale declined when told he could not bring his band to the recording and would be required to lip-sync the words. Cale moved to California in 1980 and became a recluse, living in a trailer without a telephone. His 1983 album #8 was poorly received and he asked to be released from his contract with PolyGram. When later asked how he had spent the 1980s he replied: "Mowing the lawn and listening to Van Halen and rap. Cale often acted as his own producer / engineer / session player. His vocals, sometimes whispery, would be buried in the mix. He attributed his unique sound to being a recording mixer and engineer, saying, "Because of all the technology now you can make music yourself and a lot of people are doing that now. I started out doing that a long time ago and I found when I did that I came up with a unique sound." His catalogue is published by independent music publishers Fairwood Music Imternational. On August 10, 2018 it was announced on his official website and Facebook page that a posthumous album of previously unreleased material would be released later in the year. On what would have been Cale's 80th birthday on December 5, his Facebook page announced that the album would be released in the spring of 2019. The new album is called Stay Around with its release date set as April 26, 2019. "Chasing You" (2:58), the first single from the album, was digitally released on January 31, 2019[20] and was released physically as a vinyl single on Record Store Day on April 13, 2019.[citation needed] The title track "Stay Around" (3:05) was digitally released on March 20, 2019. Death Cale died at the age of 74 in San Diego, California, on July 26, 2013, after suffering a heart attack. He was survived by his wife Christine Lakeland, whom he married in 1995.

Nuevo disco de Yes "The Royal Affair Tour (Live In Las Vegas)"

 

Yes es una banda inglesa de rock progresivo, formada en 1968 en Londres. Adquirió fama internacional durante la década de 1970 erigiéndose como uno de los pilares del género junto a grupos como Rush, Pink Floyd, Camel, Genesis, Focus, King Crimson y Emerson, Lake & Palmer. Influenciados en sus inicios por grupos como The Beatles, The Who, The Moody Blues o Crosby, Stills, Nash and Young, rápidamente evolucionaron hacia un estilo propio caracterizado por complejas y recargadas armonías, la fusión de elementos del jazz y música clásica,[cita requerida] la creación de melódicas canciones y letras caracterizadas por su contenido enigmático, esotérico, onírico y poético, escritas mayormente por el vocalista, Jon Anderson. Más duros y menos teatrales que Genesis, aunque más progresivos que Rush o Jethro Tull, el rock de Yes marcaría la historia del rock progresivo inglés con clásicos como The Yes Album, Fragile, Close to the Edge y Relayer.

Tras el gran éxito de su gira americana de 2019, YES lanzará The Royal Affair Tour: Live From Las Vegas a través de BMG Records el 30 de octubre. Los fanáticos ansiosos podrán hacerse con los formatos físicos a partir del 2 de octubre si se solicitan exclusivamente a través de YES Store. Los formatos son: funda digital en CD con folleto de 12 páginas; Plegable 2LP con libreta de 12 ”y digital. Todas las giras de conciertos de YES son eventos especiales para sus legiones de fanáticos y The Royal Affair Tour no fue una excepción, concebida como una maravillosa celebración de lo mejor de la música progresiva británica. Los invitados en la gira fueron Asia (con el tecladista de YES Geoff Downes y una aparición especial de Steve Howe), John Lodge de The Moody Blues y ELP Legacy de Carl Palmer con Arthur Brown.

Yes are an English progressive rock band formed in London in 1968 by singer Jon Anderson, bassist Chris Squire, guitarist Peter Banks, keyboardist Tony Kaye, and drummer Bill Bruford. The band has undergone numerous formations throughout its history; nineteen musicians have been full-time members. Since June 2015, it has consisted of guitarist Steve Howe, drummer Alan White, keyboardist Geoff Downes, singer Jon Davison, and bassist Billy Sherwood. Yes have explored several musical styles over the years, and are most notably regarded as progressive rock pioneers. Yes began performing original songs and rearranged covers of rock, pop, blues and jazz songs, as evident on their first two albums. A change of direction in 1970 led to a series of successful progressive rock albums until their disbanding in 1981, their most successful being The Yes Album (1971), Fragile (1971) and Close to the Edge (1972). Yes toured as a major rock act that earned the band a reputation for their elaborate stage sets, light displays, and album covers designed by Roger Dean. The success of "Roundabout", the single from Fragile, cemented their popularity across the decade and beyond. In 1983, Yes reformed with a new line-up that included Trevor Rabin and a more commercial and pop-oriented musical direction. The result was 90125 (1983), their highest-selling album, which contained the U.S. number-one single, "Owner of a Lonely Heart". From 1990 to 1992, Yes were an eight-member formation after they merged with Anderson Bruford Wakeman Howe for Union (1991) and its tour. Since 1994, Yes have released albums with varied levels of success and completed tours from 1994 to 2004. After a four-year hiatus, they resumed touring in 2008 and continue to release albums; their most recent is Heaven & Earth (2014). In 2016, a new group of former Yes members began touring and named themselves Yes Featuring Jon Anderson, Trevor Rabin, Rick Wakeman. Yes are one of the most successful, influential, and longest-lasting progressive rock bands. They have sold 13.5 million RIAA-certified albums in the US. In 1985, they won a Grammy Award for Best Rock Instrumental Performance with "Cinema", and received five Grammy nominations between 1985 and 1992. They were ranked No. 94 on VH1's 100 Greatest Artists of Hard Rock. Yes have headlined annual progressive rock-themed cruises since 2013 named Cruise to the Edge. Their discography spans 21 studio albums. In April 2017, Yes were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, which chose to induct current and former members Anderson, Squire, Bruford, Kaye, Howe, Wakeman, White and Rabin.

Following the huge success of their 2019 American tour, YES will release The Royal Affair Tour: Live From Las Vegas via BMG Records on October 30. Eager fans will be able to get hold of the physical formats starting October 2 if they are ordered exclusively through the YES Store. The formats are: digital CD sleeve with 12-page brochure; 2LP folding with 12 ”and digital notebook. All YES concert tours are special events for their legions of fans and The Royal Affair Tour was no exception, conceived as a wonderful celebration of the best of British progressive music. Guests on the tour were Asia (with YES keyboardist Geoff Downes and a guest appearance by Steve Howe), The Moody Blues' John Lodge and Carl Palmer's ELP Legacy with Arthur Brown.

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nuevo disco de Neil Young "The Times"

Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)​ es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación.7​8​ Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay.​ En 1968 inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el blues y el rockabilly.​ Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Buffalo Springfield y artista en solitario, descrito como «uno de los mejores compositores e intérpretes de rock and roll».​ Su trabajo se caracteriza por unas letras marcadamente personales,​ en ocasiones con crítica social y posiciones antibelicistas,​ y por su voz de tenor-alto. Aunque toca instrumentos como el piano, el banjo y la armónica,​ su trabajo se caracteriza por un distintivo empleo de las guitarras acústica y eléctrica, y en particular por el uso de una Gibson Les Paul de 1953 modificada y apodada Old Black.14​15​ Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of Gold» y «Old Man»,​ y el eléctrico, con canciones rock y hard rock como «Hey Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin' in the Free World», interpretadas principalmente con el grupo Crazy Horse y caracterizadas por una alta distorsión del sonido.​ A partir de la década de 1990 adoptó elementos de estilos como el grunge, y su influencia en bandas como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de «el padrino del grunge».​ Como director cinematográfico publicó, siempre bajo el seudónimo de Bernard Shakey, largometrajes como Journey Through the Past, Rust Never Sleeps, Human Highway, Greendale y CSNY Déjà Vu Es también un destacado defensor de causas humanitarias y ambientales, y en 1985 fundó Farm Aid con Willie Nelson y John Mellencamp para ayudar económicamente a los granjeros de Estados Unidos en riesgo de exclusión social.​ Un año después fundó con Pegi Young una organización educativa para niños con discapacidades psíquicas llamada The Bridge School, que financia con la recaudación de los Bridge School Festival, una serie de conciertos benéficos anuales.​ Young contrajo matrimonio en cuatro ocasiones: en 1970 con Susan Acevedo; en 1971 con la actriz Carrie Snodgress, con quien tuvo un hijo de nombre Zeke; en 1978 con Pegi Morton, con quien tuvo dos hijos, Ben y Amber Jean; y en 2018 con la actriz Daryl Hannah.21​ Tras residir más de cincuenta años en los Estados Unidos, primero en Redwood City (California) y luego en Telluride (Colorado), se convirtió en ciudadano estadounidense al adoptar la doble nacionalidad en enero de 2020​

 La colección de siete pistas captura el "Episodio de Porch" de la serie Fireside Sessions de Young de julio. Esa actuación introdujo a los fans a la versión actualizada de "Lookin 'for a Leader 2020", que modifica la letra para apuntar específicamente a Trump y al clima político actual de Estados Unidos en 2020. El EP toma su nombre de otra pista destacada: una versión de Bob Dylan clásico "Los tiempos están cambiando". El Times se completa con cinco cortes de varias etapas en el catálogo de Young, todos los cuales son particularmente relevantes para la actualidad: "Ohio", "Alabama", "Southern Man", "Campaigner" y el corte de Homegrown "Little Wing".

El icónico compositor ofrece una selección de temas de todo su catálogo, interpretados en vivo en su casa y grabados con un iPad. Suena tan crudamente casero como cabría esperar.

Neil Percival Young OC OM[4][5] (born November 12, 1945) is a Canadian-American singer-songwriter, musician, and activist. After embarking on a music career in the 1960s, he moved to Los Angeles, joining Buffalo Springfield with Stephen Stills, Richie Furay and others. Since his early solo albums and those with his backing band Crazy Horse, Young has been prolific, recording a steady stream of studio and live albums. Young has received several Grammy and Juno Awards. The Rock and Roll Hall of Fame inducted him twice: in 1995 as a solo artist and in 1997 as a member of Buffalo Springfield. In 2000, Rolling Stone named Young the 34th greatest rock 'n roll artist. His guitar work, deeply personal lyrics and signature tenor singing voice define his long career. He also plays piano and harmonica on many albums, which frequently combine folk, rock, country and other musical styles. His often distorted electric guitar playing, especially with Crazy Horse, earned him the nickname "Godfather of Grunge" and led to his 1995 album Mirror Ball with Pearl Jam. More recently he has been backed by Promise of the Real. His 21 albums and singles have been certified Gold and Platinum in U.S by RIAA certification. Young directed (or co-directed) films using the pseudonym Bernard Shakey, including Journey Through the Past (1973), Rust Never Sleeps (1979), Human Highway (1982), Greendale (2003), and CSNY/Déjà Vu (2008). He also contributed to the soundtracks of the films Philadelphia (1993) and Dead Man (1995). Young has lived in California since the 1960s but retains Canadian citizenship He was awarded the Order of Manitoba on July 14, 2006, and was made an Officer of the Order of Canada on December 30, 2009. He became a United States citizen, taking dual citizenship, on January 22, 2020.

The seven-track collection captures the “Porch Episode” of Young’s Fireside Sessions series from back in July. That performance introduced fans to the updated version of “Lookin’ for a Leader 2020”, which reworks the lyrics to specifically target Trump and the current US political climate in 2020. The EP takes its name from another featured track: a cover of Bob Dylan’s classic “The Times They Are A-Changin’”. The Times is rounded out by five cuts from various stages in Young’s catalog, all of which are particularly relevant to today: “Ohio”, “Alabama”, “Southern Man”, “Campaigner”, and the Homegrown cut “Little Wing”. The iconic songwriter offers a selection of tunes from across his catalog, performed live in his house and recorded with an iPad. It sounds as starkly homemade as you’d expect.

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Nuevo disco de Joe Bonamasa " Royal Tea"

 

Desde el título del álbum hasta la elección de Abbey Road Studios como lugar de grabación, Joe Bonamassa hace todo lo posible por canalizar el aura de la gran explosión del blues británico en su último LP, Royal Tea. Sin querer parecer tibio en lo más mínimo acerca de su enfoque, Bonamassa incluso solicita un poco de ayuda en la escritura colaborativa del ex letrista de Cream Pete Brown, el guitarrista de Whitesnake Bernie Marsden y Jools Holland. Con el escenario saturado de decoración inglesa, los oyentes podrían estar esperando un conjunto de "casi portadas" de finales de los 60 con un tono increíblemente cercano a las ofertas de esa época. Bonamassa y compañía evitan un homenaje torpe al género y, en cambio, optan por sutiles inyecciones e inflexiones del estilo en diez pistas originales que sonarían tan frescas en generaciones pasadas como lo hacen hoy. Hay breves guiños a los famosos lamidos de antaño, indicios de Jeff Beck que se encuentran en solos distorsionados y ecos del tono aireado de Clapton en pasajes más lentos, pero estos surgen de manera orgánica y nunca se sienten forzados o imitados. Royal Tea no se fija en tempos, tonos o acompañamiento. Abriendo con cuerdas orquestales, "When One Door Opens" combina la introducción barroca con un riff principal pesado y una débil voz femenina para crear un paisaje sonoro muy amplio. La batería de Anton Fig anuncia la segunda mitad de la composición en la que Bonamassa decora con algunos rellenos de guitarra fuzzed-wah. Igualmente pesado es el siguiente "Royal Tea". Lamidas de guitarra puntuadas y las ráfagas de Hammond Organ de Reese Wynans impulsan la inteligente interacción de llamada y respuesta de los versos entre Bonamassa y los coristas.

El resto del álbum no es tan evidente en su exhibición de ciertos aspectos de la influencia británica, pero el poder general y la composición enfocada son constantes. Un número más lento como el sencillo “Why Does It Take So Long To Say Goodbye” se mantiene tenso a través de una estructura única y una fuerte dinámica de estribillo / estribillo. Incluso en las secciones instrumentales más largas y relajadas, la interpretación de Bonamassa sigue siendo aguda y no serpentea. Quizás el tramo más interesante del LP es la ejecución final de cuatro canciones en la que ninguna de las canciones suena remotamente igual. "No pensé que ella lo haría" podría ser lo mejor del grupo con su genial introducción y sus elegantes voces afectadas por altavoces giratorios. La pista de doble riff de carga dura cuenta con un par de cambios creativos y algunos de los mejores trabajos en solitario de Bonamassa. Más lento y menos electrificado en tono e instrumentación, el ominoso "Beyond The Silence" presenta la mejor interpretación vocal del conjunto y el excelente trabajo de Wynans. Otra vez diferente es el final acústico conciso, "Savannah", estilísticamente se aparta del abridor del álbum. La mayoría de los matices británicos del Royal Tea no están esparcidos por la superficie, sino que se entrelazan sutilmente. En cierto modo, esto es de esperar, ya que el blues británico, no el blues americano, atrapó al joven Bonamassa y siempre ha influido en su estilo y su forma de tocar la guitarra. Cuando se contrasta con la nostalgia básica, las canciones originales y los matices artísticos suelen ganar el día como lo hacen aquí. La voluntad de volver a concebir esta era en lugar de simplemente volver a visitarla hace de Royal Tea un gran álbum y una escucha intrigante. https://ydray.com/get/l/wZ16039030433655/WRcqHDxEfUY

From the album’s title to the choice of Abbey Road Studios as the recording locale, Joe Bonamassa makes every effort to channel the aura of the great British Blues explosion on his latest LP, Royal Tea. Not wanting to appear the slightest bit lukewarm about his approach, Bonamassa even enlists a little collaborative writing help from former Cream lyricist Pete Brown, Whitesnake guitarist Bernie Marsden, and Jools Holland. With the setting saturated in English decor, listeners might be expecting a set of late ‘60s “near-covers” that hue incredibly close to offerings of that era. Bonamassa and company avoid a heavy-handed tribute to the genre and instead opt for subtle injections and inflections of the style into ten original tracks that would sound as fresh in past generations as they do today. There are brief nods to famous licks of yesteryear, hints of Jeff Beck to be found on distorted solos, and echoes of Clapton’s airy tone on slower passages, but these arise organically and never feel forced or aped. Royal Tea doesn’t fixate on tempos, tones, or accompaniment. Opening with orchestral strings, “When One Door Opens” weds the baroque intro with a heavy main riff and faint female backing vocals to create a very large soundscape. Anton Fig’s cracking drums herald the second half of the composition in which Bonamassa decorates with some fuzzed-wah guitar fills. Equally heavy is the following “Royal Tea.” Punctuated guitar licks and Reese Wynans’s Hammond Organ bursts propel the verses’ clever call-and-response interplay between Bonamassa and the backing vocalists.

The remainder of the album isn’t as overt in its display of certain aspects British influence, but the overall power and focused songwriting are constant. A slower number like the single “Why Does It Take So Long To Say Goodbye” holds taut through a unique structure and strong verse/chorus dynamic. Even in longer, more relaxed instrumental sections, Bonamassa’s playing remains sharp and doesn’t meander. Perhaps the most interesting stretch of the LP is the final four-song run in which none of the songs sound remotely alike. “I Didn’t Think She Would Do It” might be the best of the group with its cool intro and sleek rotating-speaker affected vocals. The hard-charging, dual-riffed track boasts a couple of creative changes and some of Bonamassa’s best solo work. Slower and less electrified in tone and instrumentation, the ominous “Beyond The Silence” features the set’s best vocal performance and excellent work by Wynans. Different again is the concise acoustic finale, “Savannah,” stylistically poles apart from the album opener. Most of the British overtones on Royal Tea aren’t scattered upon the surface but enmeshed subtly. In a way, this is to be expected, as British Blues, not American Blues, ensnared the young Bonamassa and have always influenced his style and guitar playing. When set against basic nostalgia, original songs and artistic nuance usually win the day as they do here. The willingness to reconceive this era rather than just revisit it makes Royal Tea a great album and an intriguing listen.

Nuevo disco de Jefferson Starship "Mother Of The Sun"

 Jefferson Starship lanza nueva música por primera vez en 12 años, aunque son solo siete canciones, por lo que no es un álbum, pero quizás más largo que un EP. Jefferson Starship / Starship ha pasado por muchos cambios de formación a lo largo de los años y, de hecho, Mickey Thomas mantiene vivo el nombre de Starship a través de las giras (Jefferson Starship se convirtió en Starship en 1985). La formación actual incluye al cantante y multiinstrumentista fundador David Freiberg, el baterista Donny Baldwin (que ha estado en las diversas formaciones de JS / Starship desde 1982), la vocalista Cathy Richardson, el teclista Chris Smith y el guitarrista Jude Gold. En otra conexión con el pasado de la banda, el bajista original Pete Sears aparece en tres canciones (¡también estuvo en Starship!). Las siete pistas incluyen dos canciones coescritas por los miembros originales de Jefferson Starship / Jefferson Airplane, Grace Slick y Marty Balin. Siete canciones, de las cuales una es una versión en vivo y otra una versión extendida, pueden parecer pocas opciones para una espera de doce años, sin embargo, Jefferson Starship ha optado por la calidad sobre la cantidad. Es genial verlos aún haciendo nueva música y espero que puedan volver a la carretera el año que viene para hacer una gira con estas canciones y los clásicos de Jefferson Airplane / Jefferson Starship.

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Jefferson Starship release new music for the first time in 12 years, although it is only seven songs so not quite an album but maybe longer than an EP. Jefferson Starship/Starship have been through many line-up changes down the years and indeed Mickey Thomas keeps the Starship name alive through touring (Jefferson Starship became Starship in 1985). The current line-up features founding singer/multi-instrumentalist David Freiberg, drummer Donny Baldwin (who has been in the various JS/Starship line-ups since 1982), vocalist Cathy Richardson, keyboards player Chris Smith, and guitarist Jude Gold. In a further connection to the band’s past, original bassist Pete Sears appears on three songs (he was also in Starship!). The seven tracks include two songs co-written by original Jefferson Starship/Jefferson Airplane members Grace Slick and Marty Balin. Seven songs, of which one is a live version and another an extended version, may seem slim pickings for a twelve year wait, however Jefferson Starship have gone for quality over quantity. Great to see them still making new music and here’s hoping they can get back on the road next year to tour these songs and the Jefferson Airplane/Jefferson Starship classics.

Muere Spencer Davis a los 81 años

Spencer Davis, nacido como Spencer David Nelson Davies (Swansea, Gales; 17 de julio de 1939-California, 19 de octubre de 2020) fue un músico británico y multinstrumentista, fundador del grupo beat de los años 1960 al cual le dio su nombre The Spencer Davis Group. Sus primeras influencias musicales fueron el skiffle, jazz y blues, los géneros más grandes de la música popular en la década de 1960. Sus influyentes artistas incluyen a Big Bill Broonzy, Huddy Ledbetter, Buddy Holly, Davey Graham, John Martyn, Alexis Kornet y Long John Baldry. Durante el tiempo que tenía 16 años, Davis fue enganchando con la guitarra y el rhythm and blues estadounidense haciendo su camino por el Atlántico. Con pocas oportunidades de escuchar R&B en Gales del Sur, Davis buscó cualquier actuación que llegó a la ciudad. Cuando oyó una banda llamada Dixieland quienes realizaron una versión de skiffle de la canción de R&B "John Henry", Davis formó una banda llamada The Saints, con Bill Perks, quien más tarde cambió su nombre a Bill Wyman. Cuando Davis se trasladó a Birmingham, como estudiante a menudo actuó en un escenario después de su enseñanza como profesor, dio por finalizado ese trabajo. En Birmingham, él trabajo con Christine Perfect, quien más tarde se casó con el músico de Fleetwood Mac John McVie. Fueron buscando y tocando en varios clubes de folk con el trío de Ian Campbell. Con Perfect en el piano y Davis en la guitarra de 12 cuerdas, interpretaron canciones de folk canadienses , tales como "Spring Hill" y "Nova Scotia". También interpretaron canciones de W.C. Handy y "Lead Belly". En 1963, Davis fue a una casa pública de Birmingham para ver Muff Woody, una banda de jazz tradicional integrada por Muff y Steve Winwood. Steve, tenía quince años en aquel momento, y ya estaba tenía ofertas por sus habilidades musicales. Books, cinco años mayor que su hermano, fue un consumado músico de jazz. Davis persuadió a unirse a él y al baterista Pete York como un cuarteto de Rhythm and Blues. Davis realizaba acordes con la guitarra, la voz y la armónica, Steve Winwood en la guitarra, órgano y voz, Muff Winwood en el bajo y Pete York en la batería. Destacándose principalmente con covers de R&B , la banda tocó primero en el Golden Eagle pub de Hill Street, pero dentro de un año habían desembarcado un concierto regular en The Marquee, y en 1964 habían cambiado el nombre a The Spencer Davis Group. El grupo tuvo éxitos No. 1 en el Reino Unido con lanzamientos consecutivos en 1966 ("Keep on Running" y ""Somebody Help Me"). Los Winwood cantaron también en varios hits de todos los Spencer Davis Group hasta I'm a Man" en 1967. Spencer Davis Group continuó después de Winwood se separara para formar el grupo Traffic en abril de 1967 y se dividieron en 1969. Otra formación del grupo con Davis y York apareció en 1973 y se disolvieron a finales de 1974. Los integrantes de la banda han realizado varios conciertos en los últimos años, bajo la dirección de Davis.

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Spencer Davis, born as Spencer David Nelson Davies (Swansea, Wales; July 17, 1939-California, October 19, 2020) was a British musician and multi-instrumentalist, founder of the beat group of the 1960s to which he gave his name The Spencer Davis Group. His early musical influences were skiffle, jazz and blues, the biggest genres of popular music in the 1960s. His influential artists include Big Bill Broonzy, Huddy Ledbetter, Buddy Holly, Davey Graham, John Martyn, Alexis Kornet and Long John Baldry. By the time he was 16, Davis was hooking on guitar and American rhythm and blues making his way across the Atlantic. With few opportunities to hear R&B in South Wales, Davis sought out any gig that came to town. When he heard a band called Dixieland perform a skiffle version of the R&B song "John Henry," Davis formed a band called The Saints, with Bill Perks, who later changed his name to Bill Wyman. When Davis moved to Birmingham, as a student he often performed on stage after his teaching as a teacher, he terminated that work. In Birmingham, he worked with Christine Perfect, who later married Fleetwood Mac musician John McVie. They were searching and playing various folk clubs with the Ian Campbell trio. With Perfect on piano and Davis on 12-string guitar, they performed Canadian folk songs such as "Spring Hill" and "Nova Scotia." They also performed songs by W.C. Handy and "Lead Belly". In 1963, Davis went to a Birmingham public house to see Muff Woody, a traditional jazz band made up of Muff and Steve Winwood. Steve, he was fifteen at the time, and he was already having offers for his musical skills. Books, five years older than his brother, was an accomplished jazz musician. Davis persuaded them to join him and drummer Pete York as a Rhythm and Blues quartet. Davis performed chords on guitar, vocals and harmonica, Steve Winwood on guitar, organ and vocals, Muff Winwood on bass and Pete York on drums. Standing out primarily with R&B covers, the band first played the Golden Eagle pub on Hill Street, but within a year they had landed a regular gig at The Marquee, and in 1964 they had changed the name to The Spencer Davis Group. The group had No. 1 hits in the UK with back-to-back releases in 1966 ("Keep on Running" and "" Somebody Help Me "). The Winwoods also sang on various hits from across the Spencer Davis Group up to I'm a Man. "in 1967. The Spencer Davis Group continued after Winwood split to form the Traffic group in April 1967 and they split up in 1969. Another group formation with Davis and York appeared in 1973 and disbanded in late 1974. The members of the band have performed several concerts in recent years, under the direction of Davis.

Nuevo Disco Elvin Bishop & Charlie Musselwhite - 100 Years Of Blues

 El guitarrista del Salón de la Fama del Rock And Roll, Elvin Bishop, y el armónico ganador del Grammy Charlie Musselwhite lanzan su primer álbum como dúo, 100 Years of Blues, el 25 de septiembre de 2020 en Alligator Records. Ambos tienen carreras musicales largas y distinguidas que se remontan a la década de 1960, han realizado giras por el mundo y otros lugares, y han rastreado docenas de álbumes, pero nunca han lanzado un disco de ellos dos solos sacando sus blues. Eso es un poco sorprendente, considerando que son amigos cercanos y compañeros de pesca, pero la vida es ajetreada cuando estás entre los mejores músicos de blues del mundo. Producida por Kid Andersen, 100 Years of Blues es un tipo de sesión de porche trasero que presenta nueve nuevas canciones originales de Elvin y Charlie y versiones de temas de Roosevelt Sykes, Leroy Carr y Sonny Boy Williamson. Es el tipo de set blues que más aman los fanáticos del blues: sin adornos, crudo y real, sin nada que se interponga en lo que estos dos hacen mejor. Elvin y Charlie llevan empapados de blues desde su infancia en el sur de Estados Unidos. Bishop surgió en Oklahoma y Musselwhite en Mississippi y Memphis, Tennessee. Ambos comenzaron a tocar sus instrumentos sin planes de convertirse en profesionales, pero ambos también terminaron en Chicago, la capital del blues, a principios de los 60. Bishop vino al norte para asistir a la universidad y Musselwhite vino en busca de trabajo. Terminaron siendo algunos de los únicos rostros blancos en los clubes de blues del South Side de Chicago, pero fueron rápidamente aceptados por los músicos veteranos que conocieron: Elvin de Little Smokey Smothers, Hound Dog Taylor, J.T. Brown, Junior Wells y Charlie de Big Joe Williams, Big Walter Horton y, finalmente, de Muddy Waters. Ambos hombres ganaron fama al presentar la música blues al público del rock and roll. Bishop lo hizo con The Paul Butterfield Blues Band y su propio grupo Elvin Bishop Group y Musselwhite dejaron su huella con sus amplias e influyentes grabaciones como líder de su propia banda. Los dos se han mantenido en el nivel más alto de los músicos estadounidenses desde entonces y se han convertido en partes permanentes de la historia del blues.

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Rock And Roll Hall Of Fame guitarist Elvin Bishop and Grammy-winning harmonica player Charlie Musselwhite drop their first-ever album as a duo, 100 Years of Blues, September 25th, 2020 on Alligator Records. Both have long, distinguished musical careers that reach back to the 1960s, have toured the world and elsewhere, and have tracked dozens of albums but have never released a record of just the two of them putting out their blues. That’s a little surprising, considering that they’re close friends and fishing buddies, but life is busy when you’re among the finest blues musicians in the world. Produced by Kid Andersen, 100 Years of Blues is a lowdown, back porch type of session that features nine new original songs by Elvin and Charlie and covers of numbers by Roosevelt Sykes, Leroy Carr and Sonny Boy Williamson. It’s the kind of set blues fans love the best: unadorned, raw, and real, with nothing to get in the way of what these two do best. Elvin and Charlie have been soaking the blues up since their childhoods in the American South. Bishop came up in Oklahoma and Musselwhite in Mississippi and Memphis, Tennessee. Both began playing their instruments with no plans to become pros but both also wound up in Chicago, the blues capital, in the early 60s. Bishop came north to attend college and Musselwhite came looking for work. They ended up being some of the only white faces in Chicago’s South Side blues clubs but were quickly accepted by the veteran musicians they met – Elvin by Little Smokey Smothers, Hound Dog Taylor, J.T. Brown, and Junior Wells, and Charlie by Big Joe Williams, Big Walter Horton, and, eventually, by Muddy Waters. Both men went on to win fame by introducing blues music to the rock and roll crowd. Bishop did it with The Paul Butterfield Blues Band and his own genre-bending Elvin Bishop Group and Musselwhite made his mark with his wide-ranging and influential recordings as the leader of his own band. The two have remained in the top level of American musicians ever since and have become permanent parts of blues history.

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Nuevo disco de Eagles Live From the forum MMXVIII

 

Hoy en día, los Eagles conservan un atractivo que trasciende tanto la generación como el género, consolidando el papel de la banda como íconos musicales perdurables. Como la banda estadounidense más vendida de los años 70 y uno de los actos más vendidos de todos los tiempos, los Eagles han vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo, obtuvieron seis álbumes número uno y encabezaron las listas de singles cinco veces. Han ganado seis premios GRAMMY®, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998, en su primer año de elegibilidad, y recibieron los Kennedy Center Honors en 2016. Los Eagles pasaron la mayor parte de 2018 viajando con un extenso North Gira estadounidense que encontró a Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit unidos por dos nuevos compañeros de banda: Deacon Frey y Vince Gill. El quinteto, que obtuvo excelentes críticas tanto de los fanáticos como de los críticos, estaba disparando a toda máquina cuando llegaron al Forum en Los Ángeles para tres shows con entradas agotadas en su ciudad natal el 12, 14 y 15 de septiembre. compilado para un nuevo álbum en vivo de 26 canciones y una película de concierto Live From The Forum MMXVIII. Live From The Forum MMXVIII captura las actuaciones en vivo definitivas de los éxitos más emblemáticos de la banda ("Hotel California", "Take It Easy", "Life In The Fast Lane", "Desperado") y las canciones más queridas del álbum ("Ol '55", "Esos zapatos"), junto con algunos de los éxitos en solitario más grandes de los miembros individuales ("Boys Of Summer" de Don Henley, "Don't Let Our Love Start Slippin 'Away" de Vince Gill, "Rocky Mountain Way" de Joe Walsh).

Live from The Forum MMXVIII captura la triunfante aventura de tres noches de Eagles en el Forum el 12, 14 y 15 de septiembre de 2018. Los aspectos más destacados de las tres noches se han recopilado en esta película de concierto, que incluye 26 canciones e incluye las primeras grabaciones de Eagles. con Vince Gill y Deacon Frey.

Today the Eagles retain an appeal that transcends both generation and genre, cementing the band’s role as enduring musical icons. As the best-selling American band of the ’70s, and one of the top-selling acts of all time, the Eagles have sold more than 150 million albums worldwide, scored six #1 albums and topped the singles charts five times. They have won six GRAMMY® Awards, were inducted into the Rock & Roll Hall of Fame in 1998, in their first year of eligibility, and received the Kennedy Center Honors in 2016. The Eagles spent most of 2018 on the road with an extensive North American tour that found Don Henley, Joe Walsh, and Timothy B. Schmit joined by two new bandmates: Deacon Frey and Vince Gill. Earning rave reviews from fans and critics alike, the quintet was firing on all cylinders when they arrived at the Forum in Los Angeles for three sold-out, hometown shows on September 12, 14, and 15. Highlights from all three shows have now been compiled for a new 26-song live album and concert film Live From The Forum MMXVIII. Live From The Forum MMXVIII captures definitive live performances of the band’s most iconic hits (“Hotel California,” “Take It Easy,” “Life In The Fast Lane,” “Desperado”) and beloved album tracks (“Ol’ 55,” “Those Shoes”), along with some of the individual members’ biggest solo smashes (Don Henley’s “Boys Of Summer,” Vince Gill’s “Don’t Let Our Love Start Slippin’ Away,” Joe Walsh’s “Rocky Mountain Way”).

Live from The Forum MMXVIII captures Eagles’ triumphant three-night stand at the Forum on Sept. 12, 14 and 15, 2018. Highlights from all three nights have been compiled into this concert film, which features 26 songs and includes the first Eagles recordings with Vince Gill and Deacon Frey.

Nuevo Disco de Bruce Springsteen "Letter To You"

 

Letter to You será el vigésimo álbum de estudio del artista rock Bruce Springsteen, que se espera sea lanzado el 23 de octubre de 2020 por Columbia. Significa el primer álbum de Springsteen con su clásica banda de apoyo E Street Band, desde High Hopes del 2014. Springsteen armó la E Street Band en su estudio casero durante cinco días de grabación en noviembre de 2019, pero terminó después de solo cuatro. Las grabaciones fueron producidas por Ron Aniello y Springsteen y se producen después de un período de bloqueo del escritor que tuvo el músico que se rompió espontáneamente en el transcurso de una semana y media de intensa composición en abril de 2019 . El álbum fue grabado en vivo en estudio, sin sobregrabaciones y cuenta con tres pistas que fueron escritas originalmente antes del álbum debut de Springsteen en 1973, Saludos desde Asbury Park, Nueva Jersey: "If I Was the Priest", "Janey Needs a Shooter" y " Canción para huérfanos ". "If I Was the Priest" no ha sido publicado previamente por Springsteen pero fue versionado por Allan Clarke en la década de 1970. La fotografía de la portada y las notas de la cubierta fue capturada por Danny Clinch a fines de 2018 cuando Springsteen estaba en la ciudad de Nueva York para su espectáculo teatral Springsteen en Broadway. La banda asumió que realizarían una gira para apoyar el disco a principios de 2021, pero esos planes se vieron interrumpidos por la pandemia de COVID-19; en el momento del lanzamiento, Spingsteen estimó que lo más temprano que podrían tocar en vivo sería en 2022. El baterista de E Street, Max Weinberg, continuó de gira con su grupo Max Weinberg's Jukebox y usó esas fechas para promocionar Letter to You El lanzamiento fue anunciado el 10 de septiembre, con un video musical para el sencillo principal "Letter to You" lanzado simultáneamente. La transmisión de audio y un video musical de "Ghosts" siguió el 24 de septiembre. Un documental sobre la realización del álbum, que fue dirigido por Thom Zimny, está programado para ser lanzado en Apple TV + el 23 de octubre. Un emoji con la forma de Springsteen fue lanzado a través de Twitter para promocionar el álbum el 14 de octubre.

Letter to You will be rock artist Bruce Springsteen's 20th studio album, expected to be released on October 23, 2020 by Columbia. It marks Springsteen's first album with his classic backing band E Street Band, since 2014's High Hopes. Springsteen put together the E Street Band in his home studio for five days of recording in November 2019, but it ended after just four. The recordings were produced by Ron Aniello and Springsteen and come after a period of writer's block the musician had that spontaneously broke up over the course of a week and a half of intense songwriting in April 2019. The album was recorded live in the studio, with no overdubs and features three tracks that were originally written prior to Springsteen's 1973 debut album Greetings from Asbury Park, NJ: "If I Was the Priest", "Janey Needs a Shooter "and" Song for orphans. " "If I Was the Priest" has not previously been published by Springsteen but was covered by Allan Clarke in the 1970s. The cover photograph and cover notes were captured by Danny Clinch in late 2018 when Springsteen was on New York City for its Springsteen Broadway stage show. The band assumed they would go on a tour to support the album in early 2021, but those plans were interrupted by the COVID-19 pandemic; At the time of release, Spingsteen estimated that the earliest they could play live would be in 2022. E Street drummer Max Weinberg continued touring with his group Max Weinberg's Jukebox and used those dates to promote Letter to You. was announced on September 10, with a music video for the lead single "Letter to You" released simultaneously. The audio broadcast and a music video for "Ghosts" followed on September 24. A documentary about the making of the album, which was directed by Thom Zimny, is scheduled to be released on Apple TV + on October 23. An emoji in the shape of Springsteen was released via Twitter to promote the album on October 14.

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Muere Eddie Van Halen a los 65 años

 Eddie Van Halen, el virtuoso de la guitarra cuya velocidad, control e innovación deslumbrantes impulsaron a su banda Van Halen a convertirse en uno de los grupos más grandes del hard rock y se convirtió en el dios del rock, ha muerto. Tenía 65 años. Con sus distintos solos, Eddie Van Halen impulsó a la mejor banda de fiestas de California y ayudó a sacar a la música disco de las listas a partir de finales de la década de 1970 con el álbum debut homónimo de su banda y luego con el éxito de taquilla "1984", que contiene los clásicos "Jump", "Panamá" y "Hot for Teacher".

Van Halen se encuentra entre los 20 artistas más vendidos de todos los tiempos, y la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2007. La revista Rolling Stone colocó a Eddie Van Halen en el octavo lugar de su lista de los 100 mejores guitarristas. . Eddie Van Halen fue una especie de contradicción musical. Era un autodidacta que podía tocar casi cualquier instrumento, pero no sabía leer música. Fue un pianista de formación clásica que también creó algunos de los riffs de guitarra más distintivos de la historia del rock. Era un inmigrante holandés considerado uno de los mejores guitarristas estadounidenses de su generación.

Eddie Van Halen, the guitar virtuoso whose dazzling speed, control, and innovation propelled his band Van Halen to become one of hard rock's greatest bands and became the god of rock, has died. He was 65 years old. With his various solos, Eddie Van Halen powered California's best party band and helped push disco off the charts beginning in the late 1970s with his band's self-titled debut album and then success. box office "1984", which contains the classics "Jump", "Panama" and "Hot for Teacher".

Van Halen is among the top 20 best-selling artists of all time, and the band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 2007. Rolling Stone magazine ranked Eddie Van Halen in eighth place on its list of the 100 best guitarists. . Eddie Van Halen was a kind of musical contradiction. He was a self-taught man who could play almost any instrument, but he couldn't read music. He was a classically trained pianist who also created some of the most distinctive guitar riffs in rock history. He was a Dutch immigrant considered one of the best American guitarists of his generation.

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Nuevo disco de Robert Plant - Gigging Deep

 Digging Deep contiene pistas innovadoras de cada uno de los ocho álbumes magistrales en solitario del ocho veces ganador del premio Grammy, incluidas varias canciones que aparecen en Digging Deep con Robert Plant. Los aspectos más destacados incluyen el éxito de rock # 1 Hurting Kind y Shine It All Around, nominado al Grammy, así como lanzamientos exclusivos inéditos de Nothing Takes the Place of You (escrito por el músico de Nueva Orleans Toussaint McCall y grabado para la película Winter In The Blood de 2013), Charlie Patton Highway (Turn It Up - Part 1) del próximo álbum Band of Joy Volume 2 y una espectacular versión a dúo del clásico rockabilly de Charley Feathers Too Much Alike con Patty Griffin.En Digging Deep, Plant está acompañado por una alineación verdaderamente notable de músicos, incluidos Jimmy Page, Buddy Miller, Patty Griffin, Phil Collins, Nigel Kennedy, Richard Thompson y sus hermanos Strange Sensation / The Sensational Space Shifters. La música de Robert Plant es el resultado de un viaje de toda la vida en el que ha explorado la música desde las fronteras de Gales hasta el Sahara y desde Nashville hasta las Montañas Nubladas. Las influencias y amigos que reunió en el camino resuenan en sus canciones.

Digging Deep contains groundbreaking tracks from each of the eight-time Grammy Award-winning solo masterful albums, including several songs featured on Digging Deep with Robert Plant. Highlights include the # 1 rock hit Hurting Kind and the Grammy-nominated Shine It All Around, as well as exclusive, previously unreleased releases from Nothing Takes the Place of You (written by New Orleans musician Toussaint McCall and recorded for the film. 2013's Winter In The Blood), Charlie Patton Highway (Turn It Up - Part 1) from the upcoming album Band of Joy Volume 2, and a spectacular duet version of Charley Feathers' rockabilly classic Too Much Alike featuring Patty Griffin. Plant is joined by a truly remarkable lineup of musicians, including Jimmy Page, Buddy Miller, Patty Griffin, Phil Collins, Nigel Kennedy, Richard Thompson, and his brothers Strange Sensation / The Sensational Space Shifters. Robert Plant's music is the result of a lifelong journey in which he has explored music from the borders of Wales to the Sahara and from Nashville to the Misty Mountains. The influences and friends he met along the way resonate in his songs.

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John Lennon, Gimme Some Truth

 Lanzado en el 80 cumpleaños de John Lennon, Gimme Some Truth: The Ultimate Mixes está diseñado como una celebración de lujo del catálogo en solitario de Lennon. Alojado en una funda y con un hermoso libro de tapa dura de 124 páginas con algunas notas bonitas del forro canción por canción extraídas de las entrevistas de Lennon, Gimme Some Truth cubre un territorio bastante familiar en términos de canciones. Aquí hay 36, comenzando con "Instant Karma ! (We All Shine On) "y con el éxito póstumo" Nobody Told Me ", que llega a casi todos los puntos familiares en el camino (Some Time in New York City, que fue omitido en 2010 Power to the People: The Hits, está representada aquí por "Angela", un corte profundo que hace su debut en una compilación de éxitos). La atracción no es tanto la selección de canciones per se como las Ultimate Mixes, un nuevo conjunto de revisiones limpias y claras de las cintas originales. Estos también están disponibles en los dos CD de la caja y un Blu-Ray, que también cuenta con mezclas de sonido envolvente 5.1 y Dolby Atmos. Con la comprensible excepción de "Grow Old with Me", una grabación que no puede evitar traicionar sus humildes raíces, todo aquí suena más brillante que su original, y también más expansivo. Esto es especialmente evidente en "Instant Karma", "Cold Turkey" y las selecciones de Mind Games, todas grabaciones que eran bastante densas y coloridas en su lanzamiento original, pero aquí casi brillan. Si esto es una mejora es una cuestión de gusto personal, pero es cierto que Ultimate Mixes ofrece una actualización auditiva de última generación, que es un punto de venta para los fanáticos que han comprado este material antes.

Released on John Lennon's 80th birthday, Gimme Some Truth: The Ultimate Mixes is designed as a luxurious celebration of Lennon's solo catalog. Housed in a sleeve and packed with a beautiful 124-page hardcover book with some pretty song-by-song liner notes gleaned from Lennon's interviews, Gimme Some Truth covers pretty familiar territory in terms of songs. Here are 36, starting with "Instant Karma! (We All Shine On)" and with the posthumous hit "Nobody Told Me," reaching almost every familiar point along the way (Some Time in New York City, which was omitted in 2010 Power to the People: The Hits, she is represented here by "Angela," a deep cut that makes her debut on a hit compilation). The attraction isn't so much the song selection per se as the Ultimate Mixes, a new set of clean and clear revisions to the original tapes. These are also available on the two CDs out of the box and one Blu-Ray, which also features 5.1 surround sound mixes and Dolby Atmos. With the understandable exception of "Grow Old with Me," a recording that can't help but betray its humble roots, everything here sounds brighter than its original, and more expansive too. This is especially evident on "Instant Karma", "Cold Turkey" and the Mind Games selections, all recordings that were quite dense and colorful on their original release, but here they almost shine. Whether this is an upgrade is a matter of personal taste, but it is true that Ultimate Mixes offers a state-of-the-art hearing update, which is a selling point for fans who have purchased this material before.

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