Bark at the Moon es el tercer álbum de estudio del vocalista británico de heavy metal Ozzy Osbourne, lanzado originalmente el 15 de noviembre de 1983. El álbum marca el cambio de Ozzy a un sonido pop-metal infundido con sintetizadores, tanto con su "producción sónica como en la imagen de Ozzy". . Un éxito comercial, Bark at the Moon alcanzó el puesto 19 en la lista de álbumes de Billboard y, varias semanas después del lanzamiento, obtuvo la certificación de oro por más de 500,000 ventas en los Estados Unidos. Hasta la fecha, ha vendido más de 3.000.000 de copias en los Estados Unidos. En el Reino Unido, fue el tercero de los cuatro álbumes de Osbourne en obtener la certificación de plata (60.000 unidades vendidas) de la Industria Fonográfica Británica, en enero de 1984. El álbum fue remasterizado en CD en 1995 y nuevamente (con una mezcla diferente) en 2002. Este es el primer álbum de Osbourne que presenta al guitarrista Jake E. Lee y el único álbum de estudio que presenta al baterista Tommy Aldridge.
Bark at the Moon est le troisième album studio du chanteur de heavy metal britannique Ozzy Osbourne, initialement sorti le 15 novembre 1983. L'album marque le passage d'Ozzy à un son pop-metal infusé de synthé, avec à la fois sa "production sonore et dans l'imagerie d'Ozzy" . Succès commercial, Bark at the Moon a culminé à la 19e place du palmarès des albums Billboard et quelques semaines après sa sortie, il a été certifié or pour plus de 500 000 ventes aux États-Unis. À ce jour, il s'est vendu à plus de 3 000 000 d'exemplaires aux États-Unis. Au Royaume-Uni, c'était le troisième des quatre albums d'Osbourne à obtenir la certification argent (60 000 unités vendues) par l'industrie phonographique britannique, y parvenant en janvier 1984. L'album a été remasterisé sur CD en 1995 et à nouveau (avec un mix différent) en 2002. C'est le premier album d'Osbourne avec le guitariste Jake E. Lee et le seul album studio avec le batteur Tommy Aldridge.
Bark at the Moon is the third studio album by British heavy metal vocalist Ozzy Osbourne, originally released on 15 November 1983. The album marks Ozzy's change to a synth infused pop-metal sound, with both its "sonic production, and in Ozzy's imaging". A commercial success, Bark at the Moon peaked at number 19 on the Billboard album chart and within several weeks of release was certified gold for over 500,000 sales in the United States. To date, it has sold over 3,000,000 copies in the United States. In the UK, it was the third of four Osbourne albums to attain silver certification (60,000 units sold) by the British Phonographic Industry, achieving this in January 1984. The album was remastered on CD in 1995 and again (with a different mix) in 2002. This is Osbourne's first album to feature guitarist Jake E. Lee and only studio album to feature drummer Tommy Aldridge.
Chicken Shack es una banda de blues británica, fundada a mediados de la década de 1960 por Stan Webb (guitarra y voz), Andy Silvester (bajo) y Alan Morley (batería), a quienes luego se unió Christine Perfect (más tarde McVie) (voz). y teclados) en 1967. Chicken Shack ha actuado con varias formaciones, siendo Stan Webb el único miembro constante.
Conjunto de tres CD que contiene los álbumes clásicos y las grabaciones realizadas por el legendario Chicken Shack entre 1971 y 1974. Incluye los álbumes Imagination Lady, Unlucky Boy y Goodbye Chicken Shack'. Con folleto ilustrado. Chicken Shack saltó a la fama a fines de la década de 1960 como una de las mejores bandas de blues de Gran Bretaña, grabando una serie de álbumes para el sello Blue Horizon. Para 1971, la banda había sufrido cambios en su formación y el guitarrista/vocalista Stan Webb llevó a la banda en una dirección de rock más duro. Al firmar con el sello Deram de Decca en 1971 bajo un contrato de producción, la banda de Webb grabó el excelente álbum Imagination Lady. John Glascock dejó la banda en 1972 y fue reemplazado por Bob Daisley en el bajo. Esta formación grabaría otro excelente álbum, Unlucky Boy, que fue lanzado a principios de 1973 y contó con la aparición especial de Chris Mercer en los saxofones. Una vez más, esta formación sería de corta duración, con Stan Webb formando una formación completamente nueva de la banda en 1973 para salir de gira. El último álbum de la banda para Deram fue el set en vivo, Goodbye..., grabado en la Universidad de Brunel el 26 de octubre de 1973. Este box set reúne todos los álbumes y sencillos publicados entre 1971 y 1974 y es un espléndido tributo a un gran banda.
Chicken Shack est un groupe de blues britannique, fondé au milieu des années 1960 par Stan Webb (guitare et chant), Andy Silvester (guitare basse) et Alan Morley (batterie), qui ont ensuite été rejoints par Christine Perfect (plus tard McVie) (chant et claviers) en 1967. Chicken Shack a joué avec diverses formations, Stan Webb étant le seul membre constant.
Ensemble de trois CD contenant les albums classiques et les enregistrements réalisés par le légendaire Chicken Shack entre 1971 et 1974. Avec les albums Imagination Lady, Unlucky Boy et Goodbye Chicken Shack'. Avec un livret illustré. Chicken Shack s'était fait connaître à la fin des années 1960 comme l'un des meilleurs groupes de blues de Grande-Bretagne, enregistrant une série d'albums pour le label Blue Horizon. En 1971, le groupe avait subi des changements dans sa composition et le guitariste/chanteur Stan Webb a emmené le groupe dans une direction rock plus dure. Signant sur le label Deram de Decca en 1971 dans le cadre d'un contrat de production, le groupe de Webb a enregistré le bel album Imagination Lady. John Glascock a quitté le groupe en 1972 et a été remplacé par Bob Daisley à la basse. Ce line-up enregistrera un autre excellent album, Unlucky Boy, qui est sorti au début de 1973 et comportait une apparition invitée de Chris Mercer au saxophone. Encore une fois, ce line-up s'avérera de courte durée, Stan Webb formant un tout nouveau line-up du groupe en 1973 pour partir sur la route. Le dernier album du groupe pour Deram est le set live Goodbye..., enregistré à l'université de Brunel le 26 octobre 1973. Ce coffret rassemble tous les albums et singles parus entre 1971 et 1974 et est un magnifique hommage à une belle bande.
Chicken Shack are a British blues band, founded in the mid-1960s by Stan Webb (guitar and vocals), Andy Silvester (bass guitar), and Alan Morley (drums), who were later joined by Christine Perfect (later McVie) (vocals and keyboards) in 1967. Chicken Shack has performed with various line-ups, Stan Webb being the only constant member.
Three CD set containing the classic albums and recordings made by the legendary Chicken Shack between 1971 and 1974. Featuring the albums Imagination Lady, Unlucky Boy, and Goodbye Chicken Shack'. With an illustrated booklet. Chicken Shack had come to prominence in the late 1960s as one of Britain's finest Blues bands, recording a series of albums for the Blue Horizon label. By 1971, the band had undergone changes to their line-up and guitarist/vocalist Stan Webb took the band in a harder rock direction. Signing to Decca's Deram label in 1971 under a production deal, Webb's band recorded the fine album Imagination Lady. John Glascock departed the band in 1972 and was replaced by Bob Daisley on bass. This line-up would record another excellent album, Unlucky Boy, which was released in early 1973 and featured a guest appearance by Chris Mercer on saxophones. Again, this line-up would prove to be short lived, with Stan Webb forming an entirely new line-up of the band in 1973 to head out on the road. The band's final album for Deram was the live set, Goodbye..., recorded at Brunel University on the 26th October 1973. This box set gathers together all of the albums and singles issued between 1971 and 1974 and is a splendid tribute to a fine band.
Es un gran espectáculo de blues estelar en el que el legendario guitarrista B.B. King trae una gran cantidad de artistas populares al escenario para una noche mágica de música capturada en vivo en el Ebony Showcase Theatre el 15 de abril de 1987. Además de clásicos como "The Thrill Is Gone" y "In the Midnight Hour", King se une a contemporáneos tan talentosos como Eric Clapton, Etta James, Dr. John, Phil Collins, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Billy Ocean y Chaka Kahn para interpretar nueve canciones más. incluyendo "Ain't Nobody's Business", "The Sky Is Crying" y "Let the Good Times Roll".
Grabado en vivo en el Ebony Showcase Theatre de Los Ángeles el 15 de abril de 1987.
C'est une extravagance de blues all-star alors que le légendaire guitariste B.B. King amène une foule d'artistes populaires sur scène pour une nuit magique de musique capturée en direct au Ebony Showcase Theatre le 15 avril 1987. En plus de classiques tels que "The Thrill Is Gone" et "In the Midnight Hour", King est rejoint par des contemporains aussi talentueux qu'Eric Clapton, Etta James, Dr. John, Phil Collins, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Billy Ocean et Chaka Kahn pour interpréter neuf autres chansons. y compris "Ain't Nobody's Business", "The Sky Is Crying" et "Let the Good Times Roll".
Enregistré en direct au Ebony Showcase Theatre de Los Angeles le 15 avril 1987.
It's an all-star blues extravaganza as legendary guitarist B.B. King brings a whole host of popular performers to the stage for a magical night of music captured live at the Ebony Showcase Theater on April 15, 1987. In addition to such classics as "The Thrill Is Gone" and "In the Midnight Hour," King is joined by such talented contemporaries as Eric Clapton, Etta James, Dr. John, Phil Collins, Stevie Ray Vaughan, Albert King, Billy Ocean, and Chaka Kahn in performing nine more songs including "Ain't Nobody's Business," "The Sky Is Crying," and "Let the Good Times Roll."
Recorded live at the Ebony Showcase Theater in Los Angeles 15 April 1987
Atlanta Rhythm Section grabó para Polydor entre 1974 y 1980, un período que los vio pasar del rock conmovedor frito sureño a hábiles profesionales de estudio en el transcurso de siete álbumes de estudio y un disco en vivo. Los ocho álbumes están empaquetados en The Polydor Years, remasterizados por Andy Pearce y Matt Wortham, y ampliados con bonus tracks, que generalmente llegan en forma de versiones individuales alternativas (que pueden incluir más mezclas mono de lo que cabría esperar). Atlanta Rhythm Section acumuló una serie de álbumes exitosos a finales de los años 70: A Rock & Roll Alternative alcanzó su punto máximo en 11 en 1977 y finalmente se convirtió en oro, mientras que Champagne Jam fue un Top 10 de ventas de platino en 1978, pero su la huella cultural no refleja tal éxito; David Cross usó "Champagne Jam" como remate para su personaje de Mr. Show, Ronnie Dobbs, pero esa es la única señal de que la Generación X y las generaciones más jóvenes han oído hablar de la banda. Tal vez esto sea una indicación de que Atlanta Rhythm Section está estancada en los años 70, pero The Polydor Years muestra que el grupo encarna lo mejor de los aspectos más ridiculizados del rock orientado a los álbumes. La banda tiene habilidades para millas y millas, algo que es evidente en sus discos en vivo y sus primeros LP, pero su musicalidad de alto octanaje se prestaba bien a los lujosos confines del estudio. Es por eso que obtuvieron varios éxitos flexibles en el Top 20: "So Into You" e "Imaginary Lover", ambos Top Tens, "I'm Not Gonna Let It Bother Me Tonight" y una versión de "Spooky" de Classic IV son lo suficientemente ingeniosos. para colarse al amparo de la roca del yate. Lo que revela escuchar estos álbumes como un conjunto es cómo el grupo cortó pistas de álbumes de sonido similar para ayudar a desarrollar sus LP, lo que resultó en álbumes sónicamente cohesivos y generalmente satisfactorios. Los fanáticos que están interesados en la remasterización y las pistas adicionales lo sabían y estarán satisfechos con el conjunto, mientras que los neófitos y los curiosos pueden sorprenderse de lo constantemente disfrutable que es esta pequeña caja fuerte.
Después de tocar en las grabaciones de otros artistas, Atlanta Rhythm Section formó su propio grupo, en el que el nombre del grupo fue ideado por el propietario de Studio One, Buddy Buie, y sus dos socios en la empresa, Cobb y Bill Lowery. Firmados por Decca Records, la banda lanzó su primer álbum, Atlanta Rhythm Section, en enero de 1972. Este conjunto de ocho CD presenta todos los álbumes que la banda hizo para Polydor junto con una gran cantidad de ediciones en CD por primera vez, todas remasterizadas. (por Andy Pearce y Matt Wortham) y alojado en una caja de concha con un folleto extenso con nuevas notas y anotaciones del álbum, la guía perfecta para principiantes de una de las bandas más queridas de América.
Atlanta Rhythm Section a enregistré pour Polydor entre 1974 et 1980, une période qui les a vus passer du rock soul frit du sud aux professionnels de studio habiles au cours de sept albums studio et d'un enregistrement live. Les huit albums sont mis en boîte sur The Polydor Years, remasterisés par Andy Pearce et Matt Wortham, et complétés par des pistes bonus, arrivant généralement sous la forme de versions alternatives de single (qui peuvent inclure plus de mix mono que vous ne le pensez). Atlanta Rhythm Section a accumulé un certain nombre d'albums à succès à l'arrière des années 70 - A Rock & Roll Alternative a culminé à 11 en 1977 et a finalement remporté l'or, tandis que Champagne Jam était un Top 10 des ventes de platine en 1978 - mais leur l'empreinte culturelle ne reflète pas un tel succès ; David Cross a utilisé "Champagne Jam" comme punchline pour son personnage de Mr. Show Ronnie Dobbs, mais c'est le seul signe que Gen-X et les jeunes générations ont entendu parler du groupe. C'est peut-être une indication qu'Atlanta Rhythm Section est coincée dans les années 70, mais The Polydor Years montre que le groupe incarne le meilleur des aspects les plus ridiculisés du rock orienté album. Le groupe a des côtelettes sur des kilomètres et des kilomètres, ce qui est évident sur leurs disques live et leurs premiers albums, mais leur sens musical à indice d'octane élevé s'est bien prêté aux confins somptueux du studio. C'est pourquoi ils ont remporté plusieurs succès souples dans le Top 20 : "So Into You" et "Imaginary Lover", les deux Top Tens, "I'm Not Gonna Let It Bother Me Tonight" et une reprise de "Spooky" de Classic IV sont assez lisses se faufiler sous le couvert de yacht rock. Ce que l'écoute de ces albums en tant qu'ensemble révèle, c'est comment le groupe a coupé des pistes d'albums au son similaire pour aider à étoffer leurs LP, résultant en des albums cohérents sur le plan sonore et généralement satisfaisants. Les purs et durs qui s'y sont lancés pour la remasterisation et les titres bonus le savaient, et seront comblés par le set, tandis que les néophytes et les curieux seront peut-être surpris de voir à quel point ce petit boitier bien gonflé est toujours agréable.
Après avoir joué sur les enregistrements d'autres artistes, l'Atlanta Rhythm Section a formé son propre groupe, dans lequel le nom du groupe a été imaginé par le propriétaire de Studio One, Buddy Buie, et ses deux partenaires dans l'entreprise, Cobb et Bill Lowery. Signé par Decca Records, le groupe a sorti son premier album, Atlanta Rhythm Section, en janvier 1972. Cet ensemble de huit CD comprend tous les albums que le groupe a fait pour Polydor ainsi qu'une série d'éditions sur CD pour la première fois, tous remasterisés. (par Andy Pearce et Matt Wortham) et logé dans une boîte en coquille de palourde avec un livret complet avec de nouvelles notes et des annotations d'album, le guide parfait pour les débutants de l'un des groupes les plus aimés des Amériques.
Atlanta Rhythm Section recorded for Polydor between 1974 and 1980, a period that saw them move from Southern-fried soulful rock to slick studio professionals over the course of seven studio albums and one live record. All eight albums are boxed up on The Polydor Years, remastered by Andy Pearce and Matt Wortham, and expanded with bonus tracks, usually arriving in the form of alternate single versions (which may include more mono mixes than you might expect). Atlanta Rhythm Section racked up a number of hit albums in the back of the '70s -- A Rock & Roll Alternative peaked at 11 in 1977 and eventually went gold, while Champagne Jam was a platinum-selling Top 10 in 1978 -- but their cultural footprint doesn't reflect such a success; David Cross used "Champagne Jam" as a punchline for his Mr. Show character Ronnie Dobbs, but that's the only sign that Gen-X and younger generations have heard of the band. Perhaps this is an indication that Atlanta Rhythm Section is stuck in the '70s, yet The Polydor Years shows that the group embodies the best of the much-derided aspects of album-oriented rock. The band has chops for miles and miles, something that's evident on their live records and earliest LPs, but their high-octane musicianship lent itself well to the plush confines of the studio. That's why they earned several supple Top 20 hits: "So Into You" and "Imaginary Lover," Top Tens both, "I'm Not Gonna Let It Bother Me Tonight," and a cover of Classic IV's "Spooky" are slick enough to sneak in under cover of yacht rock. What listening to these albums as a set reveals is how the group cut similar-sounding album tracks to help flesh out their LPs, resulting in sonically cohesive and generally satisfying albums. The diehards who are in it for the remastering and bonus tracks knew this, and will be satisfied by the set, while neophytes and the curious may be surprised how consistently enjoyable this hefty little box is.
After playing on other artists' recordings, the Atlanta Rhythm Section formed their own group, in which the group's name was thought up by Studio One's owner Buddy Buie and his two partners in the venture, Cobb and Bill Lowery. Signed by Decca Records, the band released their first album, Atlanta Rhythm Section, in January 1972. This Eight CD set features all the albums the band did for Polydor along with a raft of edits on CD for the first time, all re-mastered (by Andy Pearce and Matt Wortham) and housed in a clam shell box with an extensive booklet with new notes and album annotations, the perfect beginners guide to one of Americas most loved bands.
Si fuiste a la escuela secundaria en los años 70, "I'm Eighteen" y "School's Out" de Alice Cooper se convirtieron en parte de tu vida. Los cantos fúnebres de Cooper como "Desperado" y "Muscle of Love" utilizaron el denso estruendo de Black Sabbath para rockear de una manera que ninguna banda de art-metal de los 80 o 90 ha igualado. Por otro lado, los coros psicodélicos en "Spoonman" de Soundgarden demuestran cuánto le debe el grunge de la era de Whitewater al estilo de la era de Watergate. Así que no es ninguna sorpresa encontrar al aullador de Soundgarden Chris Cornell, sin mencionar a los productores de Sonic Youth y White Zombie, Don Fleming y Andy Wallace, trabajando con Alice ahora. Cornell colabora en dos baladas en la nueva Última tentación de Alice, una que recuerda inquietantemente al período "I Never Cry"/Hollywood Squares de Alice de finales de los 70 ("Stolen Prayer"), y otra simplemente desordenada ("Unholy War"). Pero los éxitos de Alice siempre han sido agotamientos: cuando se volvió hacia los himnos de adolescentes después del tonto dramatismo de Zappa en Easy Action (1970); cuando cambió a canturreo de adultos; cuando se hizo un corte de pelo New Wave para su último álbum realmente divertido, Flush the Fashion (1980), orientado al baile. El nuevo disco de Alice es el más escuchado desde entonces. Se supone que la tentación es una obra de teatro moral sobre un adolescente aburrido que es atraído hacia el sexo y las drogas por un extraño malvado; las canciones de Cornell llegan cuando el niño empieza a enredarse con su conciencia. "Lullaby", la inevitable reescritura de "Welcome to My Nightmare" (a través de "Enter Sandman" de Metallica), viene a continuación, luego nuestro lado gana. Los riffs más chatarra y los chistes más divertidos del álbum llegan temprano: "Sideshow" es el tipo de canción que Urge Overkill haría en exceso; "Lost in America" es un "Fight for Your Right (to Party)" que suena parecido a un Beavis llanero que quiere un padre y una novia con un arma. Sin embargo, después de esos dos, Alice se vuelve un poco demasiado melodramática, al igual que su música antigua, no mucho después de "I'm Eighteen" y "School's Out".
Esta importación japonesa contiene el primer número de la colaboración de Gaiman con Alice, así como 2 CD: uno es el álbum que Alice hizo para acompañar la historia, y el segundo es un show en vivo del '91 en Electric Lady. Todo en las mejores condiciones, incluida la caja. Magníficamente ilustrado por Michael Zulli.
Si vous êtes allé au lycée dans les années 70, "I'm Eighteen" et "School's Out" d'Alice Cooper sont devenus partie intégrante de votre vie. Cooper chante comme "Desperado" et "Muscle of Love" a utilisé le grondement dense de Black Sabbath pour faire du rock d'une manière qu'aucun groupe d'art-metal des années 80 ou 90 n'a égalé. D'un autre côté, les chœurs psychédéliques de "Spoonman" de Soundgarden prouvent à quel point le grunge de l'ère Whitewater doit au genre de l'ère Watergate. Il n'est donc pas surprenant de trouver le hurleur de Soundgarden Chris Cornell, sans parler des producteurs Don Fleming et Andy Wallace de Sonic Youth et White Zombie, qui travaillent maintenant avec Alice. Cornell collabore à deux ballades sur la nouvelle dernière tentation d'Alice, l'une rappelant étrangement la période "I Never Cry"/Hollywood Squares d'Alice à la fin des années 70 ("Stolen Prayer"), l'autre simplement désordonnée ("Unholy War"). Mais les succès d'Alice ont toujours été à guichets fermés : lorsqu'il s'est tourné vers les hymnes pour adolescents après l'épouvantable comédie Zappa d'Easy Action (1970) ; quand il est passé au crooning pour adultes; lorsqu'il s'est fait couper les cheveux New Wave pour son dernier album vraiment fun, Flush the Fashion (1980). Le nouveau disque d'Alice est son plus écoutable depuis lors. La tentation est censée être une pièce de théâtre sur la moralité d'un adolescent ennuyé d'un hicktown attiré vers le sexe et la drogue par un étranger maléfique; les chansons de Cornell viennent quand le gamin commence à s'emmêler avec sa conscience. "Lullaby", l'inévitable réécriture de "Welcome to My Nightmare" (via "Enter Sandman" de Metallica), vient ensuite, puis notre camp gagne. Les riffs les plus junkies et les blagues les plus drôles de l'album arrivent tôt: "Sideshow" est le genre de chanson pour laquelle Urge Overkill serait exagéré; "Lost in America" est un son similaire à "Fight for Your Right (to Party)" à propos d'un Beavis à clé qui veut un père et une petite amie avec une arme à feu. Après ces deux-là, cependant, Alice devient un peu trop mélodramatique – tout comme son ancienne musique, peu de temps après "I'm Eighteen" et "School's Out".
Cette importation japonaise contient le premier numéro de la collaboration de Gaiman avec Alice, ainsi que 2 CD - l'un étant l'album qu'Alice a fait pour accompagner l'histoire, et le second est un spectacle en direct de 91 à Electric Lady. Le tout en parfait état, y compris la boîte. Magnifiquement illustré par Michael Zulli.
If you went to high school in the '70s, Alice Cooper's "I'm Eighteen" and "School's Out" became part of your life. Cooper dirges like "Desperado" and "Muscle of Love" used dense Black Sabbath rumbling to rock in ways no '80s or '90s art-metal band has matched. On the other hand, the psychedelic backup vocals in Soundgarden's "Spoonman" prove just how much Whitewater-era grunge owes the Watergate-era kind. So it's no surprise to find Soundgarden howler Chris Cornell, not to mention sometime Sonic Youth and White Zombie producers Don Fleming and Andy Wallace, working with Alice now. Cornell collaborates on two ballads on Alice's new Last Temptation, one eerily reminiscent of Alice's late '70s "I Never Cry"/Hollywood Squares period ("Stolen Prayer"), one merely messy ("Unholy War"). But Alice's successes have always been sellouts: when he turned toward teen anthems after the dopey Zappa thespianism of Easy Action (1970); when he switched to adult crooning; when he got a New Wave haircut for his last really fun album, the dance-oriented Flush the Fashion (1980). Alice's new record is his most listenable since then. Temptation is supposed to be a morality play about a bored hick-town teen being lured toward sex and drugs by an evil stranger; the Cornell songs come when the kid starts tangling with his conscience. "Lullaby," the inevitable "Welcome to My Nightmare" (via Metallica's "Enter Sandman") rewrite, comes next, then our side wins. The album's junkiest riffs and funniest jokes come early: "Sideshow" is the kind of song Urge Overkill would overkill for; "Lost in America" is a "Fight for Your Right (to Party)" sound-alike about a latchkey Beavis who wants a dad and a girlfriend with a gun. After those two, though, Alice gets a bit too melodramatic – just like his old music did, not long after "I'm Eighteen" and "School's Out."
This Japanese import contains the first issue of Gaiman's collaboration with Alice, as well as 2 CD's – one being the album Alice did to go alongside the story, and the second is a live show from '91 at Electric Lady. All in top condition including the box.Beautifully illustrated by Michael Zulli.
10cc es una banda de rock inglesa formada en Stockport en 1972. Inicialmente, el grupo estaba formado por cuatro músicos: Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme, que habían escrito y grabado juntos desde 1968. El grupo contaba con dos equipos de compositores. Stewart y Gouldman eran predominantemente compositores pop, quienes crearon la mayoría de las canciones accesibles de la banda. Godley y Creme fueron la mitad predominantemente experimental de 10cc, con arte y escritura inspirada en el cine. Todos los miembros de 10cc eran multiinstrumentistas, cantantes, escritores y productores. La mayoría de los discos de la banda se grabaron en sus propios Strawberry Studios (norte) en Stockport y Strawberry Studios (sur) en Dorking, y la mayoría de ellos fueron diseñados por Stewart. De 1972 a 1978, 10cc tuvo cinco álbumes consecutivos entre los diez primeros en el Reino Unido: Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Curvas engañosas (1977) y Turistas sangrientos (1978). 10cc también tuvo doce sencillos que alcanzaron el Top 40 del Reino Unido, tres de los cuales fueron los primeros en las listas de éxitos "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) y "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" fue su gran éxito mundial y es conocido por su innovadora pista de acompañamiento. Godley y Creme abandonaron la banda en 1976 debido a desacuerdos artísticos y se convirtieron en un dúo. Stewart dejó la banda en 1995. Desde 1999, Gouldman ha liderado una versión de gira de 10cc.
La selección de álbumes clásicos de 2012 es una caja atractiva y asequible que contiene mini-LP en fundas de papel de los cinco mejores y más populares álbumes de 10cc: The Original Soundtrack, How Dare You!, Deective Bends, Live and Let Live y Bloody Tourists. Esta es una forma fácil, conveniente y atractiva de obtener lo mejor de 10 cc de una sola vez.
10cc est un groupe de rock anglais formé à Stockport en 1972. Le groupe était initialement composé de quatre musiciens - Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley et Lol Creme - qui avaient écrit et enregistré ensemble depuis 1968. Le groupe comprenait deux équipes de compositeurs. Stewart et Gouldman étaient principalement des auteurs-compositeurs pop, qui ont créé la plupart des chansons accessibles du groupe. Godley et Creme étaient la moitié principalement expérimentale de 10cc, mettant en vedette l'art et l'écriture d'inspiration cinématographique. Chaque membre de 10cc était un multi-instrumentiste, chanteur, écrivain et producteur. La plupart des disques du groupe ont été enregistrés dans leurs propres Strawberry Studios (North) à Stockport et Strawberry Studios (South) à Dorking, la plupart étant conçus par Stewart. De 1972 à 1978, 10cc a eu cinq albums consécutifs parmi les dix meilleurs au Royaume-Uni : Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Virages trompeurs (1977) et Touristes sanglants (1978). 10cc a également eu douze singles atteignant le Top 40 britannique, dont trois étaient les meilleurs "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) et "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" a été leur succès mondial révolutionnaire et est connu pour sa piste d'accompagnement innovante. Godley et Creme ont quitté le groupe en 1976 en raison de désaccords artistiques et sont devenus un duo. Stewart a quitté le groupe en 1995. Depuis 1999, Gouldman a dirigé une version tournée de 10cc.
La sélection d'albums classiques de 2012 est un coffret élégant et abordable contenant des mini-LP en pochette de papier des cinq albums les plus populaires et les meilleurs de 10cc : The Original Soundtrack, How Dare You!, Deceptive Bends, Live and Let Live et Bloody Tourists. C'est un moyen facile, pratique et attrayant d'obtenir le meilleur de 10cc en même temps.
10cc are an English rock band formed in Stockport in 1972. The group initially consisted of four musicians – Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley and Lol Creme – who had written and recorded together since 1968. The group featured two songwriting teams. Stewart and Gouldman were predominantly pop songwriters, who created most of the band's accessible songs. Godley and Creme were the predominantly experimental half of 10cc, featuring art and cinematically inspired writing. Every member of 10cc was a multi-instrumentalist, singer, writer and producer. Most of the band's records were recorded at their own Strawberry Studios (North) in Stockport and Strawberry Studios (South) in Dorking, with most of those engineered by Stewart. From 1972 to 1978, 10cc had five consecutive UK top-ten albums: Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Deceptive Bends (1977) and Bloody Tourists (1978). 10cc also had twelve singles reach the UK Top 40, three of which were the chart-toppers "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) and "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" was their breakthrough worldwide hit and is known for its innovative backing track. Godley and Creme quit the band in 1976 due to artistic disagreements and became a duo act. Stewart left the band in 1995. Since 1999, Gouldman has led a touring version of 10cc.
2012's Classic Album Selection is a handsome, affordable box set containing paper-sleeve mini-LPs of 10cc's five most popular and best albums: The Original Soundtrack, How Dare You!, Deceptive Bends, Live and Let Live, and Bloody Tourists. This is an easy, convenient, and attractive way to get 10cc's best all at once.
George Roger Waters (Surrey, Angleterre, 6 septembre 1943) est un musicien et compositeur britannique, co-fondateur du groupe Pink Floyd, considéré comme l'un des plus influents de l'histoire de la musique moderne. Après le départ de Syd Barrett, il devient le compositeur conceptuel du groupe. En plus d'être le bassiste, il était l'un des chanteurs et a expérimenté les synthétiseurs, les boucles, la guitare électrique et acoustique. Avec lui, Pink Floyd a connu un succès mondial dans les années 1970 grâce à leurs albums concepts The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals et The Wall. Il a quitté le groupe en 1985 en raison de différences créatives et juridiques avec les autres membres. Résolu le différend en 1987, il lui a fallu près de 18 ans pour jouer à nouveau avec le groupe. En 2010, le groupe avait vendu plus de 250 millions de disques ;2 3 4 rien qu'aux États-Unis, 74 millions d'albums.
En 1970, il compose en collaboration avec Ron Geesin, Music from The Body, la bande originale du film documentaire The Body, de Roy Battersby, sur la biologie humaine. Il enregistre quatre albums solo en studio : The Pros and Cons of Hitch Hiking ( 1984 ), Radio K.A.O.S. (1987), Amusé à mort (1992) et Est-ce la vie que nous voulons vraiment ? (2017). En 1986, il participe à la bande originale du film When the Wind Blows. En 1990, il organise l'un des concerts les plus fréquentés de l'histoire, The Wall - Live in Berlin, avec 300 000 spectateurs.
En 1996, il a été intronisé au Rock Hall of Fame aux États-Unis et au Royaume-Uni en tant que membre de Pink Floyd. Depuis 1999, il a fait plusieurs tournées. Depuis 1989, il travaille sur l'opéra Ça Ira, créé en 2005, mais dont la première a eu lieu un an plus tôt lors des célébrations de l'entrée de Malte dans l'Union européenne. Le 2 juillet 2005, il a retrouvé ses anciens camarades du groupe Pink Floyd pour le concert-bénéfice Live 8, la seule apparition de Waters avec le groupe depuis leur dernière performance 24 ans plus tôt.
En 2010 débute The Wall Live, une tournée mondiale où il interprète The Wall dans son intégralité. Au cours de celui-ci, le 12 mai 2011, à l'O2 Arena, Gilmour et Mason ont de nouveau partagé la scène avec Waters, Gilmour jouant "Comfortably Numb" et Gilmour et Mason rejoignant Waters sur "Outside the Wall".
George Roger Waters (Surrey, Inglaterra, 6 de septiembre de 1943) es un músico y compositor británico, cofundador de la banda Pink Floyd, considerada una de las más influyentes en la historia de la música moderna. Se convirtió tras la marcha de Syd Barrett en el compositor conceptual de la banda. Además de ser el bajista, fue uno de los cantantes y experimentó con sintetizadores, loops, guitarra eléctrica y acústica. Con él, Pink Floyd alcanzó éxito mundial en la década de 1970 gracias a sus álbumes conceptuales The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Dejó la banda en 1985 debido a diferencias creativas y legales con los otros integrantes. Resuelta la disputa en 1987, pasaron casi 18 años para que volviese a tocar con la banda. Hacia 2010, el grupo había vendido más de 250 millones de discos;234 solo en Estados Unidos, 74 millones de álbumes.
En 1970, compuso en colaboración con Ron Geesin, Music from The Body, banda sonora del filme documental The Body, de Roy Battersby, sobre la biología humana. Grabó en estudio cuatro discos en solitario: The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984), Radio K.A.O.S. (1987), Amused to Death (1992) y Is This the Life We Really Want? (2017). En 1986, contribuyó a la banda sonora de la película Cuando el viento sopla. En 1990, organizó uno de los conciertos con más asistencia de la historia, The Wall - Live in Berlin, con 300 000 espectadores.
En 1996, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos y del Reino Unido como miembro de Pink Floyd. Desde 1999 ha hecho varias giras. Desde 1989 trabajó en la ópera Ça Ira, estrenada en 2005, pero que un año antes tuvo su prémiere en las celebraciones por el ingreso de Malta en la Unión Europea. El 2 de julio de 2005, se reunió con sus excompañeros de Pink Floyd para el concierto benéfico Live 8, la única aparición de Waters con la banda desde su última actuación hacía 24 años.
En 2010 dio comienzo The Wall Live, una gira mundial donde interpreta The Wall al completo. Durante la misma, el 12 de mayo de 2011, en The O2 Arena, Gilmour y Mason volvieron a compartir el escenario con Waters, Gilmour tocando «Comfortably Numb» y Gilmour y Mason junto a Waters en «Outside the Wall».
George Roger Waters (Surrey, England, September 6, 1943) is a British musician and composer, co-founder of the Pink Floyd band, considered one of the most influential in the history of modern music. He became the band's conceptual composer after Syd Barrett's departure. In addition to being the bass player, he was one of the singers and experimented with synthesizers, loops, electric and acoustic guitar. With him, Pink Floyd achieved worldwide success in the 1970s thanks to their concept albums The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals and The Wall. He left the band in 1985 due to creative and legal differences with the other members. Resolved the dispute in 1987, it took almost 18 years for him to return to play with the band. By 2010, the group had sold more than 250 million records;2 3 4 in the United States alone, 74 million albums.
In 1970, he composed in collaboration with Ron Geesin, Music from The Body, the soundtrack to the documentary film The Body, by Roy Battersby, about human biology. He recorded four solo albums in the studio: The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984 ), Radio K.A.O.S. (1987), Amused to Death (1992) and Is This the Life We Really Want? (2017). In 1986, he contributed to the soundtrack for the film When the Wind Blows. In 1990, he organized one of the most attended concerts in history, The Wall-Live in Berlin, with 300,000 spectators.
In 1996, he was inducted into the US and UK Rock Hall of Fame as a member of Pink Floyd. Since 1999 he has done several tours. Since 1989 he worked on the opera Ça Ira, premiered in 2005, but which a year earlier had its premiere at the celebrations for Malta's entry into the European Union. On July 2, 2005, he reunited with his former Pink Floyd bandmates for the Live 8 benefit concert, Waters' only appearance with the band since his last performance 24 years ago.
In 2010 he started The Wall Live, a world tour where he performs The Wall in its entirety. During it, on May 12, 2011, at The O2 Arena, Gilmour and Mason once again shared the stage with Waters, Gilmour playing "Comfortably Numb" and Gilmour and Mason joining Waters on "Outside the Wall".
The Miracle es el decimotercer álbum de estudio de la banda británica de rock Queen, lanzado el 22 de mayo de 1989 por Capitol en los Estados Unidos, y Parlophone en el Reino Unido, siendo el primero lanzado por la banda con ésta discográfica.
Los temas del álbum son recurrentes, siendo inspirados en los problemas maritales de Brian May, y el diagnóstico positivo de sida de Freddie Mercury en 1987 (lo cual era un hecho conocido entre los miembros de la banda pero no para el público en general). Fue grabado durante todo el año de 1988. Fue el último álbum de la banda para los años 80 y el último con una foto de la banda en la portada del disco.
El álbum llegó al puesto 1 en las listas del Reino Unido, Austria, Países Bajos, Alemania Federal y Suiza, y el 24 en el Billboard 200 de Estados Unidos, y vendiendo un estimado de 5 millones de copias a nivel mundial, a pesar de que no se realizó una gira promocional por los quebrantos de salud cada vez más notorios de Freddie Mercury. Allmusic lo considera el mejor álbum de los años 80 de Queen, junto con The Game (1980).
Se lanzaron así mismo varios sencillos: I Want It All (la canción más exitosa del álbum), Breakthru, The Invisible Man, Scandal y The Miracle, con sus respectivos videos.
Desde A Kind of Magic (1986) Queen no había vuelta a grabar material nuevo, ya que cada uno de los miembros de la banda se dedicaron a actividades propias independientes, lo que llevó a la prensa a especular sobre la separación de la banda.
En realidad lo que sucedió fue lo siguiente: Freddie Mercury grabó el álbum Barcelona junto a la soprano española Montserrat Caballé, y realizó varias presentaciones promocionales de temas del álbum, como la presentación que la dupla ofreció en la ceremonia de cierre de los Olímpicos de Seúl de 1988. Ésta presentación daba a entender que el tema homónimo del álbum sería el tema de apertura de los próximos olímpicos, que se celebrarían 4 años después en Barcelona, España. Sin embargo, Mercury murió meses antes de la ceremonia inaugural de los Olímpicos de 1992. Brian May, por su parte, colaboró con varios artistas, Roger Taylor grabó "Shove It", para su primer disco con su banda The Cross, y John Deacon se dedicó a su familia.
Junto con las pocas apariciones públicas de Mercury después de 1988 y la canción Scandal, que The Miracle fuera el primer álbum de Queen sin una gira promocional dio vía libre a las especulaciones cada vez más fuertes sobre el diagnóstico positivo de sida de Freddie Mercury, que terminó siendo público tres años después y algunos meses después, con la muerte del cantante al día siguiente.
El álbum inicia con el tema Party, que va conectado musicalmente con Khashoggi's Ship, segundo tema del álbum. Las canciones hablan sobre llevar una vida festiva y alegre. La primera canción aborda el tema de las fiestas que Queen solía hacer en sus etapas previas, donde todo estaba permitido y a donde acudían personas del jet set estadounidense y británico, como Rod Stewart y Elton John. Por su parte la segunda canción habla sobre la realización de una fiesta hipotética a bordo de la nave Kingdom 5KR, que en ese momento se llamaba Nabila, y era de propiedad del multimillonario saudí Adnan Kashoggi.
El álbum fue acompañado por 5 sencillos: I Want It All, lanzado el 2 de mayo de 1989 (casi un mes antes del lanzamiento del disco), Breakthru, lanzado el 19 de junio, The Invisible Man, el 9 de octubre, y The Miracle, lanzado el 27 de noviembre de 1989. Cada sencillo estuvo acompañado de su respectivo video.
I Want It All fue grabado a principios de 1989 y muestra a los miembros de la banda en un concierto improvisado interpretando la canción en una fábrica, con un interesante cambio de luces entre las escenas del video; como dato curioso fue la primera vez que Freddie Mercury apareció en un video con bárba en lugar de su característico mostacho de los años 80.
Breakthru fue el video más caro realizado jamás por Queen, y muestra a los miembros de la banda a bordo de un tren privado de vapor llamado The Miracle Express3 y donde aparece la modelo Debbie Leng, pareja sentimental de Taylor de la época; durante la filmación hubo algunos inconvenientes con la estabilidad de los miembros de la banda sobre el tren "a alta velocidad".
The Invisible Man muestra a Queen saliendo del videojuego de un muchacho, y versa sobre como el muchacho interactúa con los "personajes" del videojuego. Freddie Mercury calificó el video como uno de los más divertidos que jamás hizo. Además en la canción se oye a Mercury diciendo por primera vez en la carrera de Queen los nombres de los integrantes del grupo en el siguiente orden: El mismo, John Deacon, Brian May y Roger Taylor.
En el video de The Miracle muestra a 4 niños haciendo los papeles de los respectivos miembros de la banda: Un niño Ross McCall interpreta a Freddie a través de varias épocas: El leotardo de rombos a blanco y negro de sus primeros años, el traje de cuero negro de policía con mostacho y gafas oscuras de la época de The Game, el "look" del Live Aid de 1985, y una chaqueta amarilla con una camisa de Marilyn Monroe tipo Warhol y bigote, que correspondía al atuendo que Mercury usaba en el video. También los niños que interpretaban a los demás miembros de la banda compartían tipo de cabello y ropa con sus versiones adultas.
Por último, el video de Scandal muestra a Queen actuando en un escenario decorado al estilo de un periódico sensacionalista. De hecho al inicio del vídeo aparecen titulares de prensa con contenido amarillista, una pareja acosada por paparazzis, y un hombre leyendo algunos periódicos. El vídeo hacía alusión al sentimiento de acoso que sentían los miembros de la banda, en especial Freddie Mercury, quien era frecuentemente víctima de especulaciones sobre el deterioro de su salud.
He Miracle est le treizième album studio du groupe de rock britannique Queen, sorti le 22 mai 1989 par Capitol aux États-Unis et Parlophone au Royaume-Uni, étant le premier sorti par le groupe sur ce label.
Les thèmes de l'album sont récurrents, inspirés des problèmes conjugaux de Brian May et du diagnostic positif de sida de Freddie Mercury en 1987 (ce qui était un fait connu des membres du groupe mais pas du grand public). Il a été enregistré tout au long de l'année 1988. C'était le dernier album du groupe pour les années 80 et le dernier avec une photo du groupe sur la pochette de l'album.
L'album a culminé au numéro 1 des charts britanniques, autrichiens, néerlandais, ouest-allemands et suisses, et au numéro 24 du Billboard 200 américain, et s'est vendu à environ 5 millions d'exemplaires dans le monde, malgré le fait qu'une tournée promotionnelle n'a pas été effectuée en raison de la problèmes de santé de plus en plus notoires de Freddie Mercury. Allmusic le considère comme le meilleur album de Queen des années 1980, avec The Game (1980).
Plusieurs singles sont également sortis : I Want It All (la chanson la plus réussie de l'album), Breakthru, The Invisible Man, Scandal et The Miracle, avec leurs clips respectifs.
Depuis A Kind of Magic (1986), Queen n'était pas revenu pour enregistrer du nouveau matériel, puisque chacun des membres du groupe se consacrait à ses propres activités indépendantes, ce qui a conduit la presse à spéculer sur la séparation du groupe.
En réalité, ce qui s'est passé est le suivant : Freddie Mercury a enregistré l'album Barcelona avec la soprano espagnole Montserrat Caballé, et a fait plusieurs présentations promotionnelles de chansons de l'album, comme la présentation que le duo a offerte lors de la cérémonie de clôture des JO de Séoul. de 1988. Cette présentation laissait entendre que le thème éponyme de l'album serait le thème d'ouverture des prochains Jeux olympiques, qui se tiendraient 4 ans plus tard à Barcelone, en Espagne. Cependant, Mercury est décédé des mois avant la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de 1992. Brian May, pour sa part, a collaboré avec divers artistes, Roger Taylor a enregistré "Shove It", pour son premier album avec son groupe The Cross, et John Deacon s'est consacré à sa famille.
Couplé aux quelques apparitions publiques de Mercury après 1988 et à la chanson Scandal, le fait que The Miracle soit le premier album de Queen sans tournée promotionnelle a donné lieu à des spéculations croissantes sur le diagnostic positif du sida de Freddie Mercury, qui a fini par être rendu public trois ans plus tard et quelques mois plus tard, avec la mort du chanteur le lendemain.
L'album commence par le thème Party, qui est musicalement lié à Khashoggi's Ship, le deuxième thème de l'album. Les chansons parlent de mener une vie festive et joyeuse. La première chanson aborde le thème des fêtes que Queen avait l'habitude d'organiser dans leurs scènes précédentes, où tout était permis et auquel assistaient des gens de la jet set américaine et britannique, tels que Rod Stewart et Elton John. Pour sa part, la deuxième chanson parle de la tenue d'une hypothétique fête à bord du navire Kingdom 5KR, qui s'appelait à l'époque Nabila et appartenait au milliardaire saoudien Adnan Kashoggi.
L'album était accompagné de 5 singles : I Want It All, sorti le 2 mai 1989 (presque un mois avant la sortie de l'album), Breakthru, sorti le 19 juin, The Invisible Man, le 9 octobre, et The Miracle, sorti le 27 novembre 1989. Chaque single était accompagné de sa vidéo respective.
I Want It All a été enregistré au début de 1989 et montre les membres du groupe lors d'un concert impromptu interprétant la chanson dans une usine, avec un changement de lumière intéressant entre les scènes de la vidéo; Curieusement, c'était la première fois que Freddie Mercury apparaissait dans une vidéo avec une barbe au lieu de sa moustache caractéristique des années 80.
Breakthru était la vidéo la plus chère jamais réalisée par Queen, et montre les membres du groupe à bord d'un train à vapeur privé appelé The Miracle Express3 et où apparaît le mannequin Debbie Leng, la partenaire sentimentale de Taylor à l'époque ; pendant le tournage, il y a eu quelques problèmes avec la stabilité des membres du groupe dans le train "à grande vitesse".
The Invisible Man montre Queen sortant du jeu vidéo d'un garçon et explique comment le garçon interagit avec les "personnages" du jeu vidéo. Freddie Mercury a qualifié la vidéo de l'une des plus drôles qu'il ait jamais réalisées. Toujours dans la chanson, on entend Mercury dire pour la première fois de la carrière de Queen les noms des membres du groupe dans l'ordre suivant : Lui-même, John Deacon, Brian May et Roger Taylor.
La vidéo de The Miracle montre 4 enfants jouant les rôles des membres respectifs du groupe : Un jeune garçon Ross McCall joue Freddie à travers différentes époques : Le justaucorps en diamant noir et blanc de ses premières années, le policier en cuir noir avec moustache et lunettes noires s de l'ère The Game, le "look" Live Aid de 1985 et une veste jaune avec une chemise et une moustache Warhol-esque Marilyn Monroe, assorties à la tenue que Mercury portait dans la vidéo. De plus, les enfants qui jouaient les autres membres du groupe partageaient les types de cheveux et les vêtements avec leurs versions adultes.
Enfin, la vidéo de Scandal montre Queen se produisant sur une scène décorée à la manière d'un tabloïd. En fait, au début de la vidéo, il y a des titres de tabloïd, un couple harcelé par des paparazzi et un homme lisant des journaux. La vidéo faisait allusion au sentiment de harcèlement ressenti par les membres du groupe, en particulier Freddie Mercury, qui était fréquemment victime de spéculations sur sa santé détériorée.
He Miracle is the thirteenth studio album by British rock band Queen, released on May 22, 1989 by Capitol in the US and Parlophone in the UK, being the band's first release on that label.
The album's themes are recurring, inspired by Brian May's marital problems and Freddie Mercury's positive AIDS diagnosis in 1987 (which was a known fact to band members but not to the general public). It was recorded throughout 1988. It was the band's last album for the 80s and the last with a picture of the band on the album cover.
The album peaked at number 1 on the UK, Austrian, Dutch, West German and Swiss charts, and number 24 on the US Billboard 200, and sold around 5 million copies worldwide, despite the fact that a promotional tour was not performed due to Freddie Mercury's increasingly notorious health issues. Allmusic considers it Queen's best album of the 1980s, along with The Game (1980).
Several singles were also released: I Want It All (the album's most successful song), Breakthru, The Invisible Man, Scandal and The Miracle, with their respective music videos.
Since A Kind of Magic (1986), Queen had not returned to record new material, since each of the band members was pursuing their own independent pursuits, leading the press to speculate about the band splitting up.
In reality, what happened is the following: Freddie Mercury recorded the album Barcelona with the Spanish soprano Montserrat Caballé, and made several promotional presentations of songs from the album, such as the presentation that the duo gave during the closing ceremony of the Seoul Olympics. from 1988. This presentation hinted that the album's eponymous theme would be the opening theme for the next Olympics, to be held 4 years later in Barcelona, Spain. However, Mercury died months before the opening ceremony of the 1992 Olympics. Brian May, for his part, collaborated with various artists, Roger Taylor recorded "Shove It", for his debut album with his band The Cross , and John Deacon devoted himself to his family.
Coupled with Mercury's few public appearances after 1988 and the song Scandal, the fact that The Miracle was Queen's first album without a promotional tour gave rise to growing speculation that Freddie Mercury was diagnosed with AIDS, who eventually to be made public three years later and a few months later, with the singer's death the following day.
The album begins with the Party theme, which is musically linked to Khashoggi's Ship, the album's second theme. The songs are about leading a festive and joyful life. The first song takes up the theme of the parties that Queen used to throw in their previous stages, where anything was allowed and attended by American and British jet setters, such as Rod Stewart and Elton John. For its part, the second song is about the holding of a hypothetical party aboard the ship Kingdom 5KR, which at the time was called Nabila and belonged to the Saudi billionaire Adnan Kashoggi.
The album was accompanied by 5 singles: I Want It All, released on May 2, 1989 (almost a month before the release of the album), Breakthru, released on June 19, The Invisible Man, on October 9, and The Miracle , released on November 27, 1989. Each single was accompanied by its respective video.
I Want It All was recorded in early 1989 and shows the band members at an impromptu concert performing the song in a factory, with an interesting change in lighting between scenes in the video; Funnily enough, this was the first time Freddie Mercury appeared in a video with a beard instead of his signature '80s mustache.
Breakthru was Queen's most expensive video ever, and features the band members riding a private steam train called The Miracle Express3 and featuring model Debbie Leng, Taylor's romantic partner at the time; during filming, there were some problems with the stability of the band members on the "high-speed" train.
The Invisible Man shows Queen emerging from a boy's video game and explains how the boy interacts with the "characters" of the video game. Freddie Mercury called the video one of the funniest he's ever made. Also in the song, Mercury is heard for the first time in Queen's career saying the names of the band members in the following order: Himself, John Deacon, Brian May and Roger Taylor.
The video for The Miracle shows 4 children playing the roles of the respective band members: A young boy Ross McCall plays Freddie through different eras: The black and white diamond leotard of his early years, the black leather policeman r with mustache and dark glasses s from The Game era, the 1985 Live Aid "look" and a yellow jacket with a Warhol-esque Marilyn Monroe shirt and mustache, matching the outfit Mercury wore in the video. Additionally, the children who played the other band members shared hair types and clothing with their adult versions.
Finally, the Scandal video shows Queen performing on a stage decorated in tabloid style. In fact, at the start of the video, there are tabloid headlines, a couple being harassed by paparazzi, and a man reading newspapers. The video alluded to the sense of harassment felt by band members, particularly Freddie Mercury, who was frequently the victim of speculation about his failing health.
Live Alive es el primer álbum en vivo compilado a partir de cuatro presentaciones en vivo de Stevie Ray Vaughan y Double Trouble. Las actuaciones se grabaron el 15 de julio de 1985 en el Festival de Jazz de Montreux, el 17 y 18 de julio de 1986 en el Austin Opera House y el 19 de julio de 1986 en el Dallas Starfest. Gran parte del álbum fue sobregrabado en el estudio.
Live Alive es un magnífico escaparate de doble duración para la forma de tocar la guitarra de Stevie Ray Vaughan, que presenta una serie de improvisaciones extendidas en una selección de la mayor parte del mejor material de los primeros tres álbumes de Vaughan, además de versiones de "Willie the Wimp", "I'm Leaving You (Commit a Crime)", y "Superstition" de Stevie Wonder. Puede que el álbum no sea excepcionalmente compacto o conciso, pero, de nuevo, ese no es el punto. Las interpretaciones aquí suenan menos pulidas que las versiones de estudio, con el tono de guitarra de Vaughan mordaz y sucio y su forma de tocar espontánea y apasionada.
Live Alive est le premier album live compilé à partir de quatre performances live de Stevie Ray Vaughan et Double Trouble. Les performances ont été enregistrées le 15 juillet 1985 au Montreux Jazz Festival, les 17 et 18 juillet 1986 à l'Austin Opera House et le 19 juillet 1986 au Dallas Starfest. Une grande partie de l'album a été doublée en studio.
Live Alive est une magnifique vitrine double longueur pour le jeu de guitare de Stevie Ray Vaughan, avec un certain nombre de jams prolongés sur une sélection de la plupart des meilleurs morceaux des trois premiers albums de Vaughan, ainsi que des reprises de "Willie the Wimp", "I'm Leaving You (Commit a Crime)" et "Superstition" de Stevie Wonder. L'album n'est peut-être pas exceptionnellement serré ou concis, mais encore une fois, ce n'est pas le sujet. Les interprétations ici sonnent moins polies que les versions studio, avec le son de guitare de Vaughan mordant et sale et son jeu spontané et passionné.
Live Alive is the first live album compiled from four live performances by Stevie Ray Vaughan and Double Trouble. The performances were recorded on July 15, 1985 at the Montreux Jazz Festival, July 17–18, 1986 at the Austin Opera House and July 19, 1986 at Dallas Starfest. Much of the album was overdubbed in the studio.
Live Alive is a magnificent double-length showcase for Stevie Ray Vaughan's guitar playing, featuring a number of extended jams on a selection of most of the best material from Vaughan's first three albums, plus covers of "Willie the Wimp," "I'm Leaving You (Commit a Crime)," and Stevie Wonder's "Superstition." The album may not be exceptionally tight or concise, but then again, that's not the point. The renditions here sound less polished than the studio versions, with Vaughan's guitar tone bitingly down and dirty and his playing spontaneous and passionate.
Animals 2018 Remix, el icónico álbum de Pink Floyd de 1977 ha sido remezclado por primera vez por James Guthrie. El remix de James Guthrie no ofrece grandes revelaciones: Animals, como la mayoría de los álbumes de Floyd de la época media, ya era perfecto en un nivel de fidelidad. Las alteraciones aquí son interesantes pero sutiles, modernizando un poco el sonido: percusión más impactante y efectos vocales más prominentes en "Pigs (Three Different Ones)", una disolución más pronunciada de la voz gritada de Waters en el sintetizador arremolinado durante los versos de "Sheep". ." (Una elección extraña: el sabroso y pequeño riff de bajo a las 4:25 en "Dogs" suena notablemente más bajo). Los fanáticos probablemente discutirán los méritos de una versión sobre la otra. Bastante justo, de verdad, no sería un proyecto de Pink Floyd sin un poco de drama. Animals es un álbum conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de Gran Bretaña a mediados de la década de 1970 y fue un cambio con respecto al estilo del trabajo anterior de la banda. El álbum se desarrolló a partir de una colección de canciones no relacionadas con un concepto que describe la aparente decadencia social y moral de la sociedad, comparando la condición humana con la de los animales. Inspirándose en Animal Farm de George Orwell, el álbum muestra las diferentes clases de personas como animales con los cerdos en la parte superior de la cadena social, descendiendo a las ovejas como el rebaño sin sentido que sigue lo que se les dice, con los perros como los jefes de los negocios. engordando con el dinero y el poder que tienen sobre el otro. Aunque ha pasado mucho tiempo desde 1977, la narrativa del álbum aún resuena hoy en día, ya que nuestra situación social y económica refleja la de la época.
Animals 2018 Remix, l'album emblématique de Pink Floyd de 1977 a été remixé pour la première fois par James Guthrie. Le remix de James Guthrie n'offre pas beaucoup de révélation : Animals, comme la plupart des albums de Floyd de l'époque intermédiaire, était déjà parfait à un niveau de fidélité. Les altérations ici sont intéressantes mais subtiles, modernisant un peu le son : des percussions plus percutantes et des effets vocaux plus proéminents sur "Pigs (Three Different Ones)", une dissolution plus prononcée de la voix hurlante de Waters en synthé tourbillonnant pendant les couplets de "Sheep". ." (Un choix étrange : le savoureux petit riff de basse à 4:25 sur "Dogs" sonne sensiblement plus bas.) Les fans discuteront probablement des mérites d'une version par rapport à l'autre. Assez juste, vraiment, ce ne serait pas un Pink Projet Floyd sans un peu de drame.Animals est un album concept axé sur les conditions socio-politiques de la Grande-Bretagne au milieu des années 1970 et s'écartait du style des travaux précédents du groupe.L'album s'est développé à partir d'une collection de chansons sans rapport avec un concept dépeignant l'apparente décadence sociale et morale de la société, comparant la condition humaine à celle des animaux. S'inspirant de la ferme des animaux de George Orwell, l'album présente les différentes classes de personnes comme des animaux avec des cochons au sommet de la chaîne sociale, descendant aux moutons comme le troupeau stupide qui suit ce qu'on leur dit, avec des chiens comme patrons d'entreprises. avec l'argent et le pouvoir qu'ils ont sur l'autre. Bien que beaucoup de temps se soit écoulé depuis 1977, le récit de l'album résonne encore aujourd'hui, car notre situation sociale et économique reflète celle de l'époque.
Animals 2018 Remix, Pink Floyd's iconic 1977 album has been remixed for the first time by James Guthrie. The James Guthrie remix doesn't offer much of a revelation: Animals, like most Floyd albums from the middle days, was already perfect on one level of fidelity. The alterations here are interesting but subtle, modernizing the sound a bit: punchier percussion and more prominent vocal effects on "Pigs (Three Different Ones)," a more pronounced dissolution of Waters's screaming voice into swirling synth during the verses of "Sheep". ." (An odd choice: the tasty little bass riff at 4:25 on "Dogs" sounds noticeably lower.) Fans will likely argue the merits of one version over the other. Fair enough, really, it wouldn't be a Pink Floyd project without a bit of drama.Animals is a concept album focusing on the socio-political conditions of Britain in the mid-1970s and was a departure from the style of the band's previous work.The album developed from a collection of songs unrelated to a concept depicting the apparent social and moral decay of society, comparing the human condition to that of animals.Taking inspiration from George Orwell's Animal Farm, the album showcases the different classes from people as animals with pigs at the top of the social chain, descending to sheep as the mindless herd that follows what they are told, with dogs as the bosses of businesses. with the money and the power they have over the other. Although a long time has passed since 1977, the album's narrative still resonates today, as our social and economic situation reflects that of the time.
Buffalo Springfield fue una banda de rock canadiense-estadounidense formada en Los Ángeles, California por los músicos canadienses Neil Young, Bruce Palmer y Dewey Martin y los músicos estadounidenses Stephen Stills y Richie Furay. El grupo, ampliamente conocido por la canción "For What It's Worth", lanzó tres álbumes y varios sencillos entre 1966 y 1968. Su música combinaba elementos de la música folk y la música country con la invasión británica y las influencias del rock psicodélico. Al igual que la banda contemporánea The Byrds, fueron clave para el desarrollo temprano del folk rock. La banda tomó su nombre de una apisonadora estacionada afuera de su casa. Buffalo Springfield se formó en Los Ángeles en 1966 con Stills (guitarra, teclados, voz), Martin (batería, voz), Palmer (bajo), Furay (guitarra, voz) y Young (guitarra, armónica, piano, voz). La banda firmó con Atlantic Records en 1966 y lanzó su sencillo debut "Nowadays Clancy Can't Even Sing", que se convirtió en un éxito en Los Ángeles. En enero siguiente, lanzaron la canción de protesta "For What It's Worth", que se convirtió en su único éxito entre los 10 primeros en Estados Unidos y en un himno de la contracultura. Su segundo álbum, Buffalo Springfield Again, marcó su progresión hacia la psicodelia y el hard rock y contó con otras canciones conocidas como "Bluebird" y "Mr. Soul". Después de varios arrestos relacionados con las drogas y cambios en la formación, el grupo se disolvió en 1968. Su tercer y último álbum, Last Time Around, fue compilado y lanzado poco después de su disolución. Stephen Stills pasó a formar el supergrupo Crosby, Stills & Nash con David Crosby de The Byrds y Graham Nash de The Hollies. Neil Young lanzó su carrera en solitario y luego se unió a Stills en Crosby, Stills, Nash & Young en 1969. Furay, junto con Jim Messina, pasó a formar la banda de country-rock Poco. Buffalo Springfield fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1997 y se reunió brevemente para una gira de regreso en 2011.
Buffalo Springfield était un groupe de rock canado-américain formé à Los Angeles, en Californie, par les musiciens canadiens Neil Young, Bruce Palmer et Dewey Martin et les musiciens américains Stephen Stills et Richie Furay. Le groupe, largement connu pour la chanson " For What It's Worth ", a sorti trois albums et plusieurs singles de 1966 à 1968. Leur musique combinait des éléments de musique folk et de musique country avec des influences britanniques Invasion et rock psychédélique . Comme le groupe contemporain The Byrds, ils ont joué un rôle clé dans le développement précoce du folk rock. Le groupe tire son nom d'un rouleau compresseur garé devant leur maison. Buffalo Springfield s'est formé à Los Angeles en 1966 avec Stills (guitare, claviers, chant), Martin (batterie, chant), Palmer (basse), Furay (guitare, chant) et Young (guitare, harmonica, piano, chant). Le groupe a signé chez Atlantic Records en 1966 et a sorti son premier single " Nowadays Clancy Can't Even Sing ", qui est devenu un hit à Los Angeles. En janvier suivant, ils ont sorti la chanson de protestation " For What It's Worth ", qui est devenue leur seul top 10 américain et un hymne de la contre-culture. Leur deuxième album, Buffalo Springfield Again, a marqué leur progression vers le psychédélisme et le hard rock et a présenté d'autres chansons bien connues telles que "Bluebird" et "Mr. Soul". Après plusieurs arrestations liées à la drogue et des changements de line-up, le groupe s'est dissous en 1968. Leur troisième et dernier album, Last Time Around, a été compilé et publié peu de temps après leur dissolution. Stephen Stills a ensuite formé le supergroupe Crosby, Stills & Nash avec David Crosby des Byrds et Graham Nash des Hollies. Neil Young a lancé sa carrière solo et a ensuite rejoint Stills à Crosby, Stills, Nash & Young en 1969. Furay, avec Jim Messina, a ensuite formé le groupe de country-rock Poco. Buffalo Springfield a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1997 et s'est brièvement réuni pour une tournée de retour en 2011.
Buffalo Springfield was a Canadian-American rock band formed in Los Angeles, California by Canadian musicians Neil Young, Bruce Palmer and Dewey Martin and American musicians Stephen Stills and Richie Furay. The group, widely known for the song "For What It's Worth", released three albums and several singles from 1966 to 1968. Their music combined elements of folk music and country music with British Invasion and psychedelic rock influences. Like contemporary band the Byrds, they were key to the early development of folk rock. The band took their name from a steamroller parked outside their house. Buffalo Springfield formed in Los Angeles in 1966 with Stills (guitar, keyboards, vocals), Martin (drums, vocals), Palmer (bass guitar), Furay (guitar, vocals) and Young (guitar, harmonica, piano, vocals). The band signed to Atlantic Records in 1966 and released their debut single "Nowadays Clancy Can't Even Sing", which became a hit in Los Angeles. The following January, they released the protest song "For What It's Worth", which became their only US top 10 hit and a counterculture anthem. Their second album, Buffalo Springfield Again, marked their progression to psychedelia and hard rock and featured other well-known songs such as "Bluebird" and "Mr. Soul". After several drug-related arrests and line-up changes, the group disbanded in 1968. Their third and final album, Last Time Around, was compiled and released shortly after their dissolution. Stephen Stills went on to form the supergroup Crosby, Stills & Nash with David Crosby of the Byrds and Graham Nash of The Hollies. Neil Young launched his solo career and later joined Stills in Crosby, Stills, Nash & Young in 1969. Furay, along with Jim Messina, went on to form the country-rock band Poco. Buffalo Springfield was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1997, and briefly reunited for a comeback tour in 2011.
David Knopfler (nacido el 27 de diciembre de 1952) es un cantautor británico. Nació en Escocia y se crió en Newcastle-Upon-Tyne , Inglaterra, desde los dos años. Junto con su hermano mayor Mark Knopfler , John Illsley y Pick Withers , fundó la banda de rock Dire Straits en 1977, sirviendo como guitarrista rítmico en sus dos primeros álbumes. Después de dejar la banda, Knopfler se embarcó en una carrera en solitario como artista discográfico. Knopfler inicialmente creó sellos discográficos más pequeños, editoriales y sellos independientes .
Knopfler presentó a su hermano mayor, el guitarrista Mark Knopfler , a su compañero de piso bajista John Illsley . Después de ganarse el interés del baterista Pick Withers , los cuatro fundaron la banda de rock Dire Straits . A uno de los amigos de Mark se le ocurrió el nombre de la banda, que supuestamente era una referencia a su situación financiera en el momento en que la banda comenzaba a ganar notoriedad en la industria de la música. Sin embargo, David afirma en su sitio web que "[la] noción de que la banda estaba literalmente en una situación desesperada es en gran parte una creación de mitos retrospectiva y no es realmente compatible con los hechos. Todos teníamos trabajos diarios hasta que recibimos un gran avance de Polygram".
Knopfler tocaba la guitarra rítmica junto a su hermano, que era el guitarrista principal de la banda. Apareció en los dos primeros álbumes de Dire Straits: Dire Straits (1978) y Communiqué (1979). El estrés de componer, arreglar canciones, grabar los dos álbumes necesarios en ese momento y las giras para apoyarlos pasó factura a los hermanos, y David dejó la banda durante la grabación de su tercer álbum, Making Movies (1980), dejándolo sin acreditar en el álbum.
Después de dejar Dire Straits, Knopfler lanzó su primer álbum en solitario en 1983, Release . Mark Knopfler y John Illsley tocaron en el álbum. A Harry Bogdanovs, un amigo de toda la vida de Knopfler, se le atribuye haber coescrito tres de las pistas y tocar el sintetizador.El álbum fue apoyado por el sencillo "Soul Kissing" en el sello de Peach River Records. El sencillo alcanzó el puesto 82 en la lista de álbumes del Reino Unido ,después de que Knopfler recuperara los derechos del sello discográfico en bancarrota.
Behind the Lines , su segundo álbum, fue lanzado en 1985 y su tercer álbum en solitario, Cut the Wire , siguió en 1986.En 1988, el sello estadounidense Cypress Records lanzó su cuarto álbum, Lips Against the Steel
Knopfler compuso las bandas sonoras de las películas Shergar (1984) y Laser Mission (1989), y las producciones alemanas Treffer (1984), Jakob hinter der blauen Tür (1989) y The Great Bellheim .
Lifelines en 1991 lanzado por Phonogram , fue grabado en los Real World Studios de Peter Gabriel . Ese álbum fue seguido en 1993 por The Giver lanzado por MESA/Bluemoon en los Estados Unidos y Ariola en Europa. Sus escasos arreglos acústicos recibieron críticas positivas, al igual que Small Mercies de 1995 , que Knopfler coprodujo con Harry Bogdanovs, con Chris White al saxofón. En 2001, Knopfler volvió a trabajar con Bogdanovs para coproducir el álbum Wishbones , que tiene apariciones especiales de Chris Rea y Eddi Reader . Su noveno álbum en solitario, Ship of Dreams , que contó con Chris Rea como guitarrista invitado, fue lanzado en 2004.
El sello de jazz canadiense Justin Time Records lanzó Ship of Dreams en octubre de 2005 con una versión alternativa de "Tears Fall" con Megan Slankard (reemplazando a Julia Neigel en el lanzamiento europeo original). El décimo álbum en solitario de Knopfler, Songs for the Siren , fue lanzado en 2006.Proyectos recientes de composición de canciones con otros artistas han incluido sesiones con Amilia Spicer, Mack Starks , Megan Slankard y Wendy Lands
Knopfler continuó de gira por España, Alemania, el Reino Unido, los Estados Unidos y Canadá entre 2012 y 2015. Se lanzó el primer álbum en vivo de edición limitada, Made in Germany (grabado en Erfurt, Alemania durante la gira de 2012 con Bogdanovs). en abril de 2013 exclusivamente a través de CDBaby.com.
El álbum Last Train Leaving se lanzó en 2020. Otro álbum, Songs of Loss and Love , se lanzó en diciembre de 2020.
David Knopfler (né le 27 décembre 1952) est un auteur-compositeur-interprète britannique. Elle est née en Écosse et a grandi à Newcastle-Upon-Tyne, en Angleterre, dès l'âge de deux ans. Avec son frère aîné Mark Knopfler, John Illsley et Pick Withers, il a fondé le groupe de rock Dire Straits en 1977, servant de guitariste rythmique sur leurs deux premiers albums. Après avoir quitté le groupe, Knopfler s'est lancé dans une carrière solo en tant qu'artiste d'enregistrement. Knopfler a initialement créé de plus petites maisons de disques, des maisons d'édition et des labels indépendants.
Knopfler a présenté son frère aîné, le guitariste Mark Knopfler, à son colocataire bassiste John Illsley. Après avoir suscité l'intérêt du batteur Pick Withers, ils fondent tous les quatre le groupe de rock Dire Straits. Un des amis de Mark a proposé le nom du groupe, qui était censé être une référence à sa situation financière à l'époque où le groupe commençait à gagner en notoriété dans l'industrie de la musique. Cependant, David déclare sur son site Web que "[la] notion que le groupe était littéralement dans une situation désespérée est en grande partie une création de mythe rétrospective et n'est pas vraiment étayée par les faits. Nous avions tous des emplois de jour jusqu'à ce que nous obtenions une percée pour Polygram."
Knopfler jouait de la guitare rythmique aux côtés de son frère, qui était le guitariste principal du groupe. Il est apparu sur les deux premiers albums de Dire Straits : Dire Straits (1978) et Communiqué (1979). Le stress de l'écriture, de l'arrangement des chansons, de l'enregistrement des deux albums alors requis et des tournées pour les soutenir a fait des ravages sur les frères, et David a quitté le groupe lors de l'enregistrement de leur troisième album, Making Movies (1980), le laissant non crédité. dans l'album.
Après avoir quitté Dire Straits, Knopfler sort son premier album solo en 1983, Release. Mark Knopfler et John Illsley ont joué sur l'album. Harry Bogdanovs, un ami de longue date de Knopfler, est crédité d'avoir co-écrit trois des morceaux et joué du synthétiseur.L'album a été soutenu par le single "Soul Kissing" sur Peach River Records. Le single a culminé à la 82e place du classement britannique des albums, après que Knopfler ait récupéré les droits du label en faillite.
Behind the Lines, son deuxième album, sort en 1985 et son troisième album solo, Cut the Wire, suit en 1986. En 1988, le label américain Cypress Records sort son quatrième album, Lips Against the Steel.
Knopfler a composé les musiques des films Shergar (1984) et Laser Mission (1989), ainsi que des productions allemandes Treffer (1984), Jakob hinter der blauen Tür (1989) et The Great Bellheim.
Lifelines en 1991 sorti par Phonogram, il a été enregistré aux Real World Studios de Peter Gabriel. Cet album a été suivi en 1993 par The Giver publié par MESA/Bluemoon aux États-Unis et Ariola en Europe. Ses arrangements acoustiques clairsemés ont reçu des critiques positives, tout comme Small Mercies de 1995, que Knopfler a coproduit avec Harry Bogdanovs, mettant en vedette Chris White au saxophone. En 2001, Knopfler a de nouveau travaillé avec les Bogdanov pour coproduire l'album Wishbones , qui a des apparitions invitées de Chris Rea et Eddi Reader. Son neuvième album solo, Ship of Dreams, avec Chris Rea comme guitariste invité, est sorti en 2004.
Le label de jazz canadien Justin Time Records a sorti Ship of Dreams en octobre 2005 avec une version alternative de "Tears Fall" mettant en vedette Megan Slankard (remplaçant Julia Neigel sur la sortie européenne originale). Le dixième album solo de Knopfler, Songs for the Siren, est sorti en 2006. De récents projets d'écriture de chansons avec d'autres artistes ont inclus des sessions avec Amilia Spicer, Mack Starks, Megan Slankard et Wendy Lands.
Knopfler a continué à tourner en Espagne, en Allemagne, au Royaume-Uni, aux États-Unis et au Canada entre 2012 et 2015. Le premier album live en édition limitée, Made in Germany (enregistré à Erfurt, en Allemagne lors de la tournée de 2012 avec Bogdanovs) est sorti.) . en avril 2013 exclusivement via CDBaby.com.
L' album Last Train Leaving est sorti en 2020. Un autre album, Songs of Loss and Love , est sorti en décembre 2020.
David Knopfler (born December 27, 1952) is a British singer-songwriter. He was born in Scotland and raised in Newcastle-Upon-Tyne, England, from the age of two. Along with his older brother Mark Knopfler, John Illsley and Pick Withers, he founded the rock band Dire Straits in 1977, serving as rhythm guitarist on their first two albums. After leaving the band, Knopfler embarked on a solo career as a recording artist. Knopfler initially created smaller record labels, publishing houses, and independent labels.
Knopfler introduced his older brother, guitarist Mark Knopfler, to his bassist roommate John Illsley. After gaining the interest of drummer Pick Withers, the four of them founded the rock band Dire Straits. One of Mark's friends came up with the band's name, which was supposedly a reference to Mark's financial situation at the time the band was beginning to gain notoriety in the music industry. However, David states on his website that "[the] notion that the band was literally in dire straits is largely retrospective myth-making and not really supported by the facts. We all had day jobs until we got a breakthrough for Polygram."
Knopfler played rhythm guitar with his brother, who was the band's lead guitarist. He appeared on the first two Dire Straits albums: Dire Straits (1978) and Communiqué (1979). The stress of writing, arranging songs, recording the then-required two albums, and touring to support them took its toll on the brothers, and David left the band during the recording of their third album, Making Movies (1980), leaving him uncredited in the album.
After leaving Dire Straits, Knopfler released his first solo album in 1983, Release. Mark Knopfler and John Illsley played on the album. Harry Bogdanovs, a longtime friend of Knopfler's, is credited with co-writing three of the tracks and playing synthesizer. The album was supported by the single "Soul Kissing" on Peach River Records. The single peaked at number 82 on the UK Albums Chart, after Knopfler regained the rights from the bankrupt record label.
Behind the Lines, his second album, was released in 1985 and his third solo album, Cut the Wire, followed in 1986. In 1988, American label Cypress Records released his fourth album, Lips Against the Steel.
Knopfler composed the scores for the films Shergar (1984) and Laser Mission (1989), and the German productions Treffer (1984), Jakob hinter der blauen Tür (1989), and The Great Bellheim.
Lifelines in 1991 released by Phonogram, it was recorded at Peter Gabriel's Real World Studios. That album was followed in 1993 by The Giver released by MESA/Bluemoon in the US and Ariola in Europe. His sparse acoustic arrangements received positive reviews, as did 1995's Small Mercies, which Knopfler co-produced with Harry Bogdanovs, featuring Chris White on saxophone. In 2001, Knopfler worked with the Bogdanovs again to co-produce the album Wishbones, which has guest appearances from Chris Rea and Eddi Reader. His ninth solo album, Ship of Dreams, which featured Chris Rea as guest guitarist, was released in 2004.
Canadian jazz label Justin Time Records released Ship of Dreams in October 2005 with an alternate version of "Tears Fall" featuring Megan Slankard (replacing Julia Neigel on the original European release). Knopfler's tenth solo album, Songs for the Siren, was released in 2006. Recent songwriting projects with other artists have included sessions with Amilia Spicer, Mack Starks, Megan Slankard, and Wendy Lands.
Knopfler continued to tour in Spain, Germany, the United Kingdom, the United States and Canada between 2012 and 2015. The first limited edition live album, Made in Germany (recorded in Erfurt, Germany during the 2012 tour with Bogdanovs) was released. ). in April 2013 exclusively through CDBaby.com.
The Last Train Leaving album was released in 2020. Another album, Songs of Loss and Love, was released in December 2020.
