Com una supernova, Roger "Syd" Barrett va cremar breument i brillantment, deixant una empremta indeleble en el rock psicodèlic i progressiu com a fundador i cantant original, compositor i guitarrista principal de Pink Floyd. Barrett va ser responsable de la major part del seu brillant primer àlbum, The Piper at the Gates of Dawn de 1967, però va abandonar i/o va ser acomiadat de la banda a principis de 1968 després que el seu comportament erràtic l'havia fet massa difícil de tractar (apareix en un parelles cançons del seu segon àlbum, A Saucerful of Secrets). Tal era la seva estatura dins de la formació original que pocs observadors pensaven que la banda podria sobreviure a la seva marxa; de fet, la direcció del grup original va decidir mantenir Syd activat i deixar la resta de la banda a la seva pròpia voluntat. Pink Floyd mai va recuperar l'humor juganer i l'energia boja del seu treball amb Barrett.
Després d'un període d'hibernació, Barrett va tornar a sorgir el 1970 amb un parell d'àlbums, The Madcap Laughs i Barrett, que van comptar amb un suport considerable dels seus antics companys de banda (especialment el seu substitut, David Gilmour, que va produir la majoria de les sessions). Els membres de Soft Machine també toquen en aquests discos, que tenen una sensació irregular, inacabada i folk. L'humor excèntric de Barrett, el joc de paraules astut i les melodies contagioses van des del brillant fins al caòtic en el seu treball en solitari. Sense el poder tens dels seus enregistraments amb els Floyd el 1967, no obstant això, segueixen sent fascinants i commovedores mirades cap a una psique creativa que ha anat malament després (es teoritza) de massa fama i massa drogues massa aviat. Amb els problemes psicològics creixents, Barrett es va retirar en un aïllament gairebé total després d'aquests àlbums i mai va publicar més material.
Encara que van cridar poca atenció en el seu llançament, els seus àlbums també van atreure un públic de culte. La música i la mística de Barrett van aconseguir una influència duradora que continua creixent més de dues dècades després. Actes psicodèlics de la nova onada dels últims dies com Julian Cope, les personalitats de la televisió i (especialment) Robyn Hitchcock reconeixen la tremenda influència de Barrett en el seu treball. El culte a Barrett es va fer prou gran com per garantir el llançament d'un àlbum sencer de material i preses inèdits, Opel, a finals dels anys 80, així com les seves sessions per a la BBC. Pel que fa al propi home, després de 1973 va romandre amagat a casa de la seva mare a Cambridge, rebutjant tant els fans curiosos com qualsevol oferta per tocar música (tot i que va aparèixer a les sessions de l'àlbum de Pink Floyd de 1975 Wish You Were Here, i una vegada la banda el va reconèixer, van declinar la seva oferta de participar). La foto ocasional de Barrett va sorgir al llarg dels anys, revelant que era un company perfectament normal, encara que malhumorat. Després de lluitar contra la diabetis durant diversos anys, Barrett va morir pacíficament el juliol de 2006 als 60 anys.
Comme une supernova, Roger "Syd" Barrett a brûlé brièvement et brillamment, laissant une marque indélébile sur le rock psychédélique et progressif en tant que fondateur et chanteur original, auteur-compositeur et guitariste principal de Pink Floyd. Barrett était responsable de la majeure partie de leur brillant premier album, The Piper at the Gates of Dawn de 1967, mais a quitté et/ou a été renvoyé du groupe au début de 1968 après que son comportement erratique l'ait rendu trop difficile à gérer (il apparaît sur un quelques titres sur leur deuxième album, A Saucerful of Secrets). Telle était sa stature au sein de la formation originale que peu d'observateurs pensaient que le groupe pourrait survivre à son départ; en fait, la direction du groupe d'origine a décidé de garder Syd et de laisser le reste du groupe à eux-mêmes. Pink Floyd n'a jamais retrouvé l'humour ludique et l'énergie folle de leur travail avec Barrett.
Après une période d'hibernation, Barrett est réapparu en 1970 avec une paire d'albums, The Madcap Laughs et Barrett, qui ont bénéficié du soutien considérable de ses anciens camarades de groupe (en particulier son remplaçant, David Gilmour, qui a produit la plupart des sessions). Les membres de Soft Machine jouent également sur ces disques, qui ont une sensation déchiquetée, inachevée et folklorique. L'humour excentrique de Barrett, ses jeux de mots sournois et ses mélodies contagieuses vont du brillant au chaotique dans son travail solo. Manquant de la puissance tendue de ses enregistrements avec le Floyd en 1967, ils restent néanmoins des aperçus fascinants et émouvants d'une psyché créative qui a mal tourné après (c'est théorisé) trop de célébrité et trop de drogue trop tôt. Avec des problèmes psychologiques croissants, Barrett s'est retiré dans un isolement presque total après ces albums et n'a plus jamais sorti de matériel.
Bien qu'ils aient peu attiré l'attention à leur sortie, ses albums ont également attiré un public culte. La musique et la mystique de Barrett ont acquis une influence durable qui continue de croître plus de deux décennies plus tard. Les artistes psychédéliques de la nouvelle vague des derniers jours comme Julian Cope, les personnalités de la télévision et (surtout) Robyn Hitchcock reconnaissent l'énorme influence de Barrett sur leur travail. Le culte de Barrett est devenu suffisamment important pour justifier la sortie d'un album entier de matériel et de prises de vue inédits, Opel, à la fin des années 80, ainsi que ses sessions pour la BBC. Quant à l'homme lui-même, après 1973, il est resté caché chez sa mère à Cambridge, refusant à la fois les fans curieux et toute offre de jouer de la musique (bien qu'il se soit présenté aux sessions de l'album Wish You Were Here de Pink Floyd en 1975, et une fois le groupe l'a reconnu, ils ont décliné son offre de participer). La photo occasionnelle de Barrett a fait surface au fil des ans, révélant qu'il était un homme parfaitement normal, bien que grincheux. Après avoir lutté contre le diabète pendant plusieurs années, Barrett est décédé paisiblement en juillet 2006 à l'âge de 60 ans.
Like a supernova, Roger "Syd" Barrett burned briefly and brightly, leaving an indelible mark upon psychedelic and progressive rock as the founder and original singer, songwriter, and lead guitarist of Pink Floyd. Barrett was responsible for most of their brilliant first album, 1967's The Piper at the Gates of Dawn, but left and/or was fired from the band in early 1968 after his erratic behavior had made him too difficult to deal with (he appears on a couple tracks on their second album, A Saucerful of Secrets). Such was his stature within the original lineup that few observers thought the band could survive his departure; in fact, the original group's management decided to keep Syd on and leave the rest of the band to their own devices. Pink Floyd never recaptured the playful humor and mad energy of their work with Barrett.
After a period of hibernation, Barrett re-emerged in 1970 with a pair of albums, The Madcap Laughs and Barrett, which featured considerable support from his former bandmates (especially his replacement, David Gilmour, who produced most of the sessions). Members of Soft Machine also play on these records, which have a ragged, unfinished, and folky feel. Barrett's eccentric humor, sly wordplay, and infectious melodies range from brilliant to chaotic on his solo work. Lacking the taut power of his recordings with the Floyd in 1967, they nevertheless remain fascinating and moving glimpses into a creative psyche gone awry after (it is theorized) too much fame and too many drugs too early. With increasing psychological problems, Barrett withdrew into near-total seclusion after these albums and never released any more material.
Although they attracted little attention upon their release, his albums also attracted a cult audience. Barrett's music and mystique achieved a lasting influence that continues to grow over two decades later. Latter-day new-wave psychedelic acts like Julian Cope, the Television Personalities, and (especially) Robyn Hitchcock acknowledge Barrett's tremendous influence on their work. The Barrett cult became large enough to warrant the release of an entire album of previously unreleased material and outtakes, Opel, in the late '80s, as well as his sessions for the BBC. As for the man himself, after 1973 he remained hidden away at his mother's home in Cambridge, turning away both curious fans and any offers to play music (though he did show up at sessions for Pink Floyd's 1975 album Wish You Were Here, and once the band recognized him, they declined his offer to participate). The occasional photo of Barrett surfaced over the years, revealing him to be a perfectly normal, if grumpy, looking fellow. After battling diabetes for several years, Barrett died peacefully in July 2006 at the age of 60.
Aquest conjunt de cinc CD és el company perfecte per a qualsevol de les recopilacions d'èxits existents a The Yardbirds, especialment per a qualsevol persona que vulgui anar més enllà dels seus àlbums originals i escoltar de què tractava realment aquesta banda, amb tota la seva glòria. Però primer, unes quantes advertències: els èxits de les seves versions familiars d'estudi no són en la seva majoria aquí, i qualsevol que els busqui, o qualsevol de les sortides familiars de la banda emesa per EMI o Columbia Records hauria d'anar a una de les versions simples o dobles. Recopilacions de CD al mercat, de Rhino i altres segells; i hi ha molta repetició a les cançons aquí, com a resultat del fet que el grup va construir el seu so i la seva reputació al voltant d'un nucli central d'estàndards de blues i r&b que van elaborar i evolucionar a la perfecció a l'escenari, augmentat per un grapat. dels seus propis èxits, aquests darrers majoritàriament dels anys 1965 i 1966, que es van veure obligats a interpretar fins al final de la seva història l'estiu de 1968; i moltes d'aquestes cançons es van mantenir al seu repertori durant anys, i en diverses formacions; i una part de la qualitat del so és menys que òptima per als estàndards de discogràfiques convencionals.
Però no hi ha dues actuacions iguals, ni tan sols properes, i entre els enregistraments en directe hi ha diverses cançons que mai van ser retallades en versions oficials d'estudi per la banda; i, el més important, l'energia que impulsa la majoria de la música aquí sovint és aclaparadora, fins i tot per a aquells familiaritzats amb la producció dels Yardbirds. L'efecte general, a mesura que s'obre camí a través dels cinc discos, és una mena d'expansió mental, una mica com escoltar les cançons adequades dels Beatles precisament en l'ordre correcte (intercalades amb entrevistes amb els membres de la banda que tenen exactament la durada correcta). ). En aquest sentit, escoltar els Yardbirds a cavall de l'experiència d'escoltar tant els Beatles com els Rolling Stones: els Yardbirds van compartir la fixació dels Stones pel blues i el r&b com a punt de partida, i van atacar la seva música amb un fervor similar (i musicalitat superior); però també van ser més capaços d'absorbir l'experimentació que els Stones, i la van incorporar més fàcilment al seu so i repertori establerts; i en aquest sentit eren, tant com una banda de blues, també una banda de pop arty en la línia dels Beatles. Era una corda fluixa difícil de caminar, però ho eren millors que gairebé qualsevol de la seva competència entre els grups basats en el blues, i fins i tot si alguns del material de vegades s'acostava al pop-rock, mai van perdre la seva avantatge, a almenys no fins a l'àlbum Little Games de 1967, treballant amb el productor Mickie Most (una decisió que els va imposar el seu segell discogràfic).
Parts d'aquest conjunt sonen com un documental radiofònic sobre la banda, però tenint en compte el tema, la qualitat de la música i les actuacions, això no és precisament una crítica. La caixa constitueix una immersió gairebé total en la música dels Yardbirds durant unes sis hores, i una part del so dels talls en directe és molt dur, de fet. Però tota l'experiència encara és sorprenent fins i tot per a aquest escriptor (que va produir la seva pròpia part de reedicions autoritzades de Yardbirds a principis dels anys noranta). No ho han de deixar passar els seguidors de la banda o de l'època.
Cet ensemble de cinq CD est le compagnon idéal de toutes les compilations de succès existantes sur The Yardbirds, en particulier pour tous ceux qui veulent aller au-delà de leurs albums originaux et entendre ce qu'était vraiment ce groupe, dans toute sa splendeur. Mais d'abord, quelques mises en garde - les succès dans leurs versions studio familières ne sont pour la plupart pas là, et quiconque les recherche, ou l'une des sorties de groupes familiers telles que publiées par EMI ou Columbia Records, devrait se rendre dans l'un des single ou double- Compilations de CD sur le marché, de Rhino et d'autres labels ; et il y a beaucoup de répétitions dans les chansons ici, du fait que le groupe a construit son son et sa réputation autour d'un noyau central de standards de blues et de r&b qu'ils ont élaboré et fait évoluer à la perfection sur scène, augmenté d'une poignée de leurs propres tubes, ces derniers datant pour la plupart de 1965 et 1966, qu'ils ont été obligés d'interpréter jusqu'à la fin de leur histoire à l'été 1968 ; et beaucoup de ces chansons sont restées dans leur répertoire pendant des années, et sur plusieurs line-ups ; et une partie de la qualité sonore est moins qu'optimale selon les normes conventionnelles des maisons de disques.
Mais aucune des performances n'est identique, ni même proche, et parmi les enregistrements live figurent plusieurs chansons qui n'ont jamais été coupées dans des versions officielles en studio par le groupe; et, plus important encore, l'énergie pulsée par la plupart de la musique ici est souvent écrasante, même pour ceux qui connaissent la production des Yardbirds. L'effet global, au fur et à mesure que l'on parcourt les cinq disques, est une sorte d'expansion de l'esprit, un peu comme écouter les bonnes chansons des Beatles dans le bon ordre (entrecoupées d'interviews avec les membres du groupe qui sont exactement de la bonne longueur ). À cet égard, écouter les Yardbirds chevauche l'expérience d'écouter à la fois les Beatles et les Rolling Stones - les Yardbirds partageaient la fixation des Stones sur le blues et le r&b comme point de départ, et ont attaqué leur musique avec une ferveur similaire (et musicalité supérieure); mais ils étaient également mieux à même d'absorber l'expérimentation que les Stones, et l'intégraient plus facilement à leur son et à leur répertoire établis; et à cet égard, ils étaient, autant qu'un groupe de blues, aussi un groupe de pop arty dans la lignée des Beatles. C'était une corde raide difficile à marcher, mais ils étaient meilleurs que n'importe lequel de leurs concurrents parmi les groupes basés sur le blues, et même si une partie du matériel s'est parfois rapprochée du pop-rock, ils n'ont jamais perdu leur avantage, à du moins pas avant l'album Little Games de 1967, en collaboration avec le producteur Mickie Most (une décision qui leur a été imposée par leur maison de disques).
Certaines parties de cet ensemble jouent comme un documentaire radio sur le groupe, mais compte tenu du sujet, de la qualité de la musique et des performances, ce n'est pas exactement une critique. La boîte constitue une immersion quasi totale dans la musique des Yardbirds pendant environ six heures - et une partie du son sur les coupes en direct est en effet très grossière. Mais toute l'expérience est toujours surprenante même pour cet écrivain (qui a produit sa propre part de rééditions autorisées de Yardbirds au début des années 1990). Il ne doit pas être laissé de côté par les fans du groupe ou de l'époque.
This five-CD set is the perfect companion to any of the extant hits compilations on The Yardbirds, especially for anyone who wants to go beyond their original albums and hear what this band was really about, in all of their glory. But first, a few caveats - the hits in their familiar studio versions are mostly not here, and anyone looking for them, or any of the familiar band output as issued by EMI or Columbia Records should go to one of the single- or double-CD compilations on the market, from Rhino and other labels; and there is a lot of repetition in the songs here, as a result of the fact that the group built their sound and reputation around a central core of blues and r&b standards that they worked out and evolved to perfection on stage, augmented by a handful of their own hits, the latter mostly dating from 1965 and 1966, that they were obliged to perform right to the end of their history in the summer of 1968; and many of those songs stayed in their repertory for years, and across several line-ups; and some of the sound quality is less than optimum by conventional record label standards.
But no two of the performances are the same, or even close, and included among the live recordings are several songs that were never cut in official studio versions by the band; and, most important, the energy pulsing from most of the music here is often overpowering, even to those familiar with the Yardbirds' output. The overall effect, as one works their way across the five discs, is a kind of mind-expansion, a little like listening to the right Beatles songs in precisely the correct order (interspersed with interviews with the band members that are exactly the right length). In that regard, listening to the Yardbirds straddles the experience of listening to both the Beatles and the Rolling Stones -- the Yardbirds shared the Stones' fixation on the blues and r&b as their jumping off point, and attacked their music with similar fervor (and superior musicianship); but they were also better able to absorb experimentation than the Stones, and folded it more easily into their established sound and repertory; and in that regard they were, as much as a blues band, also an arty pop band along the lines of the Beatles. It was a difficult tightrope to walk, but they were better at it than just about any of their competition among the blues-based groups, and even if some of the material sometimes veered close to pop-rock, they never lost their edge, at least not until the 1967 Little Games album, working with producer Mickie Most (a decision imposed upon them by their record label).
Parts of this set play like a radio documentary on the band, but considering the subject, the quality of the music and performances, that's not exactly a criticism. The box constitutes a near-total immersion in the Yardbirds' music for roughly six hours - and some of the sound on the live cuts is very rough, indeed. But the whole experience is still startling even to this writer (who produced his own share of authorized Yardbirds reissues in the early 1990s). It's not to be passed up by fans of the band or the era.
Utopia va ser una banda de rock nord-americana formada l'any 1973 per Todd Rundgren. Durant els seus primers tres anys, el grup va ser una banda de rock progressiu amb una pertinença una mica fluida coneguda com Todd Rundgren's Utopia. La majoria dels membres d'aquesta primera encarnació també van tocar als àlbums en solitari de Rundgren del període fins al 1975. El 1976, el grup era conegut simplement com Utopia i comptava amb un quartet estable de Rundgren, Kasim Sulton, Roger Powell i John "Willie" Wilcox. . Aquesta versió del grup va abandonar progressivament el rock progressiu per un rock i un pop més directes. El 1980, van tenir un èxit entre els 40 millors amb "Set Me Free". Encara que sovint es considera un projecte orientat a Rundgren, els quatre membres d'Utopia van escriure, cantar, produir i interpretar als seus àlbums; "Set Me Free", per exemple, va ser cantada per Sulton. El grup es va separar el 1986, però es va reunir breument el 1992. Més recentment, a partir del 2011, l'encarnació anterior del rock progressiu coneguda com a Utopia de Todd Rundgren va ser reviscada per a una sèrie d'espectacles en directe. El 2018 Rundgren, Sulton i Wilcox es van reunir per fer una gira amb el nou teclista Gil Assayas sota el sobrenom de Todd Rundgren's Utopia.
Utopia était un groupe de rock américain formé en 1973 par Todd Rundgren. Au cours de ses trois premières années, le groupe était un groupe de rock progressif avec une composition quelque peu fluide connue sous le nom d'Utopia de Todd Rundgren. La plupart des membres de cette première incarnation ont également joué sur les albums solo de Rundgren jusqu'en 1975. En 1976, le groupe était simplement connu sous le nom d'Utopia et comportait un quatuor stable de Rundgren, Kasim Sulton, Roger Powell et John "Willie" Wilcox. . Cette version du groupe abandonne peu à peu le rock progressif pour du rock et de la pop plus directs. En 1980, ils avaient un hit dans le top 40 avec " Set Me Free ". Bien que souvent considérés comme un projet orienté Rundgren, les quatre membres d'Utopia ont écrit, chanté, produit et joué sur leurs albums; "Set Me Free", par exemple, a été chanté par Sulton. Le groupe s'est séparé en 1986, mais s'est brièvement réuni en 1992. Plus récemment, à partir de 2011, l'incarnation antérieure du prog-rock connue sous le nom d'Utopia de Todd Rundgren a été relancée pour une série de spectacles en direct. En 2018, Rundgren, Sulton et Wilcox se sont réunis pour une tournée avec le nouveau claviériste Gil Assayas sous le nom d'Utopia de Todd Rundgren.
Utopia was an American rock band formed in 1973 by Todd Rundgren. During its first three years, the group was a progressive rock band with a somewhat fluid membership known as Todd Rundgren's Utopia. Most of the members in this early incarnation also played on Rundgren's solo albums of the period up to 1975. By 1976, the group was known simply as Utopia and featured a stable quartet of Rundgren, Kasim Sulton, Roger Powell and John "Willie" Wilcox. This version of the group gradually abandoned progressive rock for more straightforward rock and pop. In 1980, they had a top 40 hit with "Set Me Free". Though often thought of as a Rundgren-oriented project, all four members of Utopia wrote, sang, produced and performed on their albums; "Set Me Free", for example, was sung by Sulton. The group broke up in 1986, but reunited briefly in 1992. More recently, beginning in 2011 the earlier prog-rock incarnation known as Todd Rundgren's Utopia was revived for a series of live shows. In 2018 Rundgren, Sulton, and Wilcox reunited for a tour with new keyboardist Gil Assayas under the moniker Todd Rundgren's Utopia.
Redescobreix el geni del llegendari guitarrista i talentós Tommy Bolin (Deep Purple/James Gang/Billy Cobham) amb el seu nou set de 3 discos de luxe The Ultimate: Redux. Com a nova llar de Tommy Bolin Archives, Inc., Friday Music i TBA Inc. han reunit aquesta increïble col·lecció de trenta-una cançons per als col·leccionistes seriosos de Bolin i els nous fans de la guitarra de rock clàssic amb una barreja intel·ligent de rock i fusió. i blaus. Va ser realment un guitarrista consumat i la seva influència ha estat sentit per molts. Amb l'ajuda del germà de Tommy, Johnnie Bolin, els productors Joe Reagoso i Michael Drumm van aconseguir reunir més de quaranta hores de cintes inèdites, sessions, material en directe, demos, màsters inèdits i han creat la millor música de Bolin mai presentada en un sol lloc. . El procés de remasterització va estar ple de sorpreses, ja que Reagoso certifica que estava repassant la reproducció de Hard Chargin' Woman, i hi ha aquesta ruptura d'Echoplex que semblava que la World War Ten tot just començava. Vull dir que mai vaig sentir res semblant. Va passar d'aquest blues belter, a aquest increïble break echoplex... i després torna a un petit so combo de blues... sense que Bolin perdés ni un pas... em va sorprendre. El vaig tocar per a altres guitarristes i van quedar igualment noquejats. Aquest és un per a la gent dels llibres d'història. A més de totes les diferents etapes de la seva carrera presentades en aquest paquet, la família Bolin també ha compartit fotografies mai vistes de la col·lecció de Tommy. Les fotografies a tot color també adornen cada c.d. i fan que això sigui agradable per als ulls, així com per a les orelles. Com a introducció a la caixa, el llegendari guitarrista Steve Vai va posar la seva apreciació per Tommy Bolin a la paraula escrita, que també adorna l'embalatge. Els productors també han aportat un assaig informatiu al llibret, que també aporta una altra cara a la vida d'aquest artista poc explicada per altres. La música parla per si mateixa. Els fanàtics de Bolin per fi tindran un cop d'ull a les sessions d'Energia de 1972. Aquest era un material rar del Sant Grial, però ara amb la distribució adequada, aquestes sessions desafortunats tindran l'oportunitat de ser escoltades pels amants de la música a tot arreu. El material en directe és insuperable; les seves interpretacions de la Tommy Bolin Band de You Told Me That You Loved Me, Post Toastee més les rares preses de Crazed Fandango, Cucumber Jam i la senzillesa de Slow Driver mantindran l'oient sorprès durant els propers anys.
El seu temps a la terra va ser tràgicament curt, però va deixar als seus fans una gran quantitat d'obres increïbles com demostra aquesta col·lecció, amb més de 3 hores de temes inèdits, sessions, assajos, actuacions en directe i enregistraments personals. Tal com recorda Johnnie Bolin, els clubs locals no reservarien Tommy. Els propietaris no podien guanyar diners al bar. Tothom escoltava com en Tommy tocava la guitarra amb admiració. La gent encara està meravellada i aquest àlbum farà feliços molts fans durant els propers anys! Gaudeix! Totes les remasteritzacions recents per Joe Reagoso (Deep Purple, David Lee Roth, Paul Rodgers, Johnny Winter, Canned Heat) Tots els enregistraments són mestres oficials de Tommy Bolin Archives propietat i aprovats.
Redécouvrez le génie du légendaire guitariste et méga talentueux Tommy Bolin (Deep Purple/James Gang/Billy Cobham) avec son tout nouveau set de 3 disques deluxe The Ultimate : Redux. En tant que nouveau foyer des Archives Tommy Bolin, Inc., Friday Music et TBA Inc. ont rassemblé cette incroyable collection de trente et un titres pour les collectionneurs sérieux de Bolin et les nouveaux fans de guitare rock classique avec un savant mélange de rock, fusion et les bleus. Il était vraiment le guitariste accompli et son influence a été ressentie par beaucoup. Avec l'aide du frère de Tommy, Johnnie Bolin, les producteurs Joe Reagoso et Michael Drumm ont réussi à rassembler plus de quarante heures de bandes inédites, de sessions, de matériel live, de démos, de masters inédits et ont créé la meilleure musique de Bolin jamais présentée en un seul endroit. . Le processus de remasterisation a été plein de surprises car Reagoso atteste que je passais en revue la lecture de Hard Chargin 'Woman, et il y a cette pause Echoplex qui semblait comme si la Dixième Guerre mondiale ne faisait que commencer. Je veux dire que je n'ai jamais rien entendu de tel. Il est passé d'une ceinture de blues à cette incroyable rupture d'échoplex... puis de retour à un petit son de combo de blues... sans que Bolin ne manque une étape... ça m'a juste époustouflé. Je l'ai joué pour d'autres guitaristes et ils ont également été assommés. C'est l'un pour les gens des livres d'histoire. En plus de toutes les différentes étapes de sa carrière présentées dans ce package, la famille Bolin a également partagé des photographies inédites de la propre collection de Tommy. Des photographies en couleur ornent également chaque c.d. et le rendent agréable pour les yeux, ainsi que pour les oreilles. En guise d'introduction au coffret, le légendaire guitariste Steve Vai a mis son appréciation de Tommy Bolin dans le mot écrit, qui orne également l'emballage. Les producteurs ont également fourni un essai informatif dans le livret, qui apporte également une autre facette de la vie de cet artiste rarement racontée par les autres. La musique parle d'elle-même. Les fans inconditionnels de Bolin auront enfin un aperçu des sessions Energy de 1972. C'était du matériel rare du Saint Graal, mais maintenant avec la bonne distribution en place, ces sessions malheureuses auront une chance d'être entendues par les mélomanes du monde entier. Le matériel en direct est incomparable; ses performances Tommy Bolin Band de You Told Me That You Loved Me , Post Toastee ainsi que les rares extraits de Crazed Fandango , Cucumber Jam et la simplicité de Slow Driver garderont l'auditeur émerveillé pour les années à venir.
Son temps sur terre a été tragiquement court, mais il a laissé à ses fans une abondance d'œuvres incroyables comme le prouve cette collection, avec plus de 3 heures de morceaux inédits, de sessions, de répétitions, de performances live et d'enregistrements personnels. Comme le rappelle Johnnie Bolin, les clubs locaux ne réserveraient pas Tommy. Les propriétaires ne pouvaient pas gagner d'argent au bar. Tout le monde écoutait Tommy jouer de la guitare avec admiration. Les gens sont toujours en admiration et cet album fera le bonheur de nombreux fans pour les années à venir ! Prendre plaisir! Tous nouvellement remasterisés par Joe Reagoso (Deep Purple, David Lee Roth, Paul Rodgers, Johnny Winter, Canned Heat) Tous les enregistrements sont des masters officiels approuvés par Tommy Bolin Archives.
Rediscover the genius of the legendary guitarist and mega talented Tommy Bolin (Deep Purple/James Gang/Billy Cobham) with his all-new deluxe 3- disc set The Ultimate: Redux. As the new home for the Tommy Bolin Archives, Inc., Friday Music, and TBA Inc. have put together this incredible thirty-one track collection for the serious Bolin collectors and new fans of classic rock guitar with a clever mix of rock, fusion and blues. He was truly the consummate guitarist and his influence has been felt by many. With the help of Tommy's brother, Johnnie Bolin, producers Joe Reagoso and Michael Drumm managed to cull over forty hours of unreleased tapes, sessions, live material, demos, unreleased masters, and have come up with the best Bolin music ever presented in one place. The remastering process was full of surprises as Reagoso attests I was going over the playback of Hard Chargin' Woman, and there is this Echoplex break that seemed like World War Ten was just beginning. I mean I never heard anything like it. It went from a this blues belter, to this unbelievable echoplex break....then back to a small blues combo sound.....without Bolin missing a step...it just blew my mind. I played it for some other guitarists and they were equally knocked out. This is one for the history books folks. In addition to all of the various stages of his career presented in this package, the Bolin family has also shared never before seen photographs from Tommy s own collection. Full color photographs also grace each c.d., and make this pleasing for the eyes, as well as the ears. As an introduction to the box set, the legendary guitarist Steve Vai put his appreciation of Tommy Bolin into the written word, which graces the packaging as well. The producers have also provided an informative essay in the booklet, which also brings another side to the life of this artist rarely told by others. The music speaks for itself. Hard core Bolin fans will finally get a glimpse of the Energy sessions from 1972. This was some rare Holy Grail material, but now with the proper distribution in place, these ill-fated sessions will get a chance to be heard by music lovers everywhere. The live material is second to none; his Tommy Bolin Band performances of You Told Me That You Loved Me , Post Toastee plus the rare outtakes of Crazed Fandango , Cucumber Jam and the simplicity of Slow Driver will keep the listener amazed for years to come.
His time on earth was tragically short, but he left his fans an abundance of incredible works as this collection proves, with over 3 hours of unreleased tracks, sessions, rehearsals, live performances, and personal recordings. As Johnnie Bolin recalls The local clubs wouldn t book Tommy. The owners couldn t make any money at the bar. Everyone was listening to Tommy play the guitar in awe. People are still in awe and this album will make a lot of fans happy for years to come! Enjoy! All newly remastered by Joe Reagoso (Deep Purple, David Lee Roth, Paul Rodgers, Johnny Winter, Canned Heat) All recordings are official Tommy Bolin Archives owned and approved masters.
Tequila fue una banda de música rock española fundada hacia 1976. Fue formada por los músicos Ariel Rot (guitarra), Alejo Stivel (voz), Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y Manolo Iglesias (batería). Fue una de las bandas más populares en los primeros años de democracia en España.
Orígenes e influencias
Tequila surgió con anterioridad a la movida madrileña, acabado el franquismo, aportando un rock con influencias de artistas como Chuck Berry y, sobre todo, The Rolling Stones; sonando muy diferentes a los grupos de rock sinfónico y rock urbano entonces predominantes en la escena nacional.1 Temas como Salta (que sonó por primera vez en el famoso concurso televisivo Un, dos, tres... responda otra vez), Quiero besarte o Rock and Roll en la plaza del pueblo, catapultaron a los cinco miembros de Tequila al estrellato. Se disolvieron en 1982, entre otros motivos, por las constantes discusiones de sus miembros, ya adictos a la heroína.
Historia
Primeros años
El origen de la banda está en el año 1976 cuando Alejo Stivel y Ariel Rot recién llegaron a Madrid, exiliados por culpa de la dictadura militar instaurada en Argentina, y el grupo de rock con influencias sureñas llamado Spoonful Blues Band, formado por Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y José Antonio Alonso "El Oso" (batería).
En una de la varias noches donde los dos argentinos exploraban la noche madrileña, conocieron en el escenario de un club llamado el New M&M a un grupo llamado Spoonful Blues Band. Ariel y Alejo quedaron impresionados con ellos y los dos argentinos ofrecieron sus servicios, pero al carecer de local y equipos musicales, deciden pasar de ellos. Esa situación cambiaría cuatro meses después cuando la Spoonful Blues Band se queda sin guitarrista y Felipe Lipe ofrece a Ariel Rot una prueba, donde quedaron impresionados e inmediatamente Ariel fue integrado en la banda. Poco tiempo después, Alejo se integró como vocalista, ya que Ariel se encargaba de la voz y guitarra anteriormente. 2Durante esos primeros años, y la mayor parte de la historia de la formación, practicaron en un local por la calle Arturo Soria.
En esa etapa, se cambió el nombre de la banda a Tequila, sugerido por Felipe Lipe por la canción Cheap Tequila de Johnny Winter.3
Matrícula de honor
Con "El Oso" abandonando el grupo por tener que realizar el servicio militar, Tequila se hace con los servicios de Manolo Iglesias para la batería, teniendo ya la formación definitiva.
Es ahí cuando tras un bolo, dos productores les ofrecen grabar un disco para la productora Chapa Discos (filial de la histórica Zafiro) y actúan por primera vez en el concurso Un, dos, tres... responda otra vez.
Finalmente el disco ve la luz a mediados de 1978, donde sus temas más exitosos fueron "Rock and Roll en la plaza de pueblo", "Necesito un trago" y "Buscando Problemas".
Rock and roll
Con el éxito de Matrícula de Honor, Tequila se convierte en un símbolo del rock en España.
Antes de grabar su segundo disco, los miembros de la banda colaboran con la producción del disco Fiebre de vivir de Moris.
En verano de 1979, sale a la luz Rock And Roll, siendo uno de los mejores trabajos de la historia del rock en España. Ahí destacan temas como "Quiero Besarte", "Me Vuelvo Loco", "Rock del Ascensor" (compuesto por Sergio Makaroff) o "El Barco" (tema compuesto por Alejo con la ayuda de Ariel y Julián, donde el vocalista narra su viaje de Argentina a España tras tener que exiliarse). Inmediatamente Tequila supera las 100.000 ventas, afianzándose como la mejor banda de España.
Viva Tequila!
Para principios de la nueva década, Tequila se convirtió en una especie de puente entre el rock anglosajón y la nueva oleada de pop español que surgiría con la movida madrileña.
A pesar de la enorme cantidad de conciertos realizados por la banda, en 1980 se embarcan en la grabación del que sería su tercer disco: Viva Tequila. Ese disco fue grabado en Londres, bajo la dirección del ingeniero de sonido Peter McNamee. Los temas más exitosos de dicho disco fueron: "Que el tiempo no te cambie", "Dime que me quieres", "Mira a esa chica" o "No llores".
El disco japonés
Con un enorme éxito en España, Zafiro comunica a Tequila que hay un sello japonés interesados en producir un disco para el mercado del país asiático.
Hubo muchas expectativas con el salto al mercado nipón, pero solo se vendieron 10 000 copias, siendo un absoluto fracaso la aventura japonesa.
En ese disco, se tradujeron cinco temas al inglés, tres fueron publicados de forma original y se compusieron dos temas nuevos: "Forget About You" y "All My Love Always".
Confidencial
El fracaso del disco japonés, unido a la adicción a la heroína de todos los miembros, hizo que su último disco fuese un fracaso a comparación con los tres anteriores.
A pesar de tener temas como "Me voy de casa", "Nena", "Donde está mi brújula" o "Salta!!" (siendo este tema el más popular de la banda hasta hoy en día), solo consiguen vender 50.000 ejemplares.
Disolución de la banda
La adicción a la heroína y los problemas internos hizo que la banda tuviera una fecha de caducidad anunciada.
Se estaba preparando un quinto disco, que quedó en una maqueta de seis canciones (la canción "Me estás atrapando otra vez" la compuso Ariel para dicho disco, pero finalmente fue publicada en el disco Sin documentos de Los Rodríguez). 4 Cuatro de esas seis canciones inéditas fueron publicadas en el disco recopilatorio Tequila Forever, siendo estas: Dudas, La isla, No, no, no y Tequila.
Con Manolo Iglesias abandonando la banda y solo con tres miembros originales (Alejo, Ariel y Julián), el guitarrista argentino decide abandonar la banda, dándose por disuelta en 1983.
Tras cuatro discos y varios conciertos, la que fuese la banda pionera del rock en España se disolvía en silencio, evidenciándose los nuevos tiempos musicales en España.
Tequila était un groupe de rock espagnol fondé vers 1976. Il a été formé par les musiciens Ariel Rot (guitare), Alejo Stivel (chant), Julián Infante (guitare), Felipe Lipe (basse) et Manolo Iglesias (batterie). C'était l'un des groupes les plus populaires des premières années de la démocratie en Espagne.
Origines et influences
La tequila est apparue avant la scène madrilène, après la fin du régime franquiste, apportant un rock aux influences d'artistes tels que Chuck Berry et, surtout, les Rolling Stones ; sonnant très différent des groupes de rock symphonique et de rock urbain alors prédominants sur la scène nationale. Des chansons comme Salta (qui a été jouée pour la première fois dans le célèbre concours télévisé Un, deux, trois... réponds encore), Je veux t'embrasser ou Rock et Roll sur la place de la ville, ont catapulté les cinq membres de Tequila au rang de célébrité. Ils se sont dissous en 1982, entre autres raisons, en raison des discussions constantes de leurs membres, déjà accros à l'héroïne.
Histoire
Premières années
L'origine du groupe remonte à 1976 lorsque Alejo Stivel et Ariel Rot sont récemment arrivés à Madrid, exilés en raison de la dictature militaire instaurée en Argentine, et le groupe de rock aux influences sudistes appelé Spoonful Blues Band, formé par Julián Infante (guitare), Felipe Lipe (basse) et José Antonio Alonso "El Oso" (batterie).
Lors de l'une des nombreuses nuits où les deux Argentins ont exploré la vie nocturne madrilène, ils ont rencontré un groupe appelé Spoonful Blues Band sur la scène d'un club appelé le New M&M. Ariel et Alejo ont été impressionnés par eux et les deux Argentins ont proposé leurs services, mais faute de lieu et d'équipement musical, ils décident de les ignorer. Cette situation a changé quatre mois plus tard lorsque le Spoonful Blues Band s'est retrouvé sans guitariste et que Felipe Lipe a proposé à Ariel Rot un test, où ils ont été impressionnés et Ariel a été immédiatement intégré au groupe. Peu de temps après, Alejo a rejoint en tant que chanteur, car Ariel était auparavant en charge de la voix et de la guitare. 2 Pendant ces premières années, et la plus grande partie de l'histoire du groupe, ils ont pratiqué dans un local de la rue Arturo Soria.
À ce stade, le nom du groupe a été changé en Tequila, suggéré par Felipe Lipe pour la chanson Cheap Tequila de Johnny Winter.3
Avec honneurs
Avec "El Oso" quittant le groupe en raison de son service militaire, Tequila a repris les services de Manolo Iglesias pour la batterie, ayant déjà le line-up définitif.
C'est alors qu'après un concert, deux producteurs leur proposent d'enregistrer un album pour la société de production Chapa Discos (filiale de l'historique Zafiro) et qu'ils se produisent pour la première fois au concours Un, deux, trois... répondent encore.
L'album voit enfin le jour à la mi-1978, où ses chansons les plus réussies étaient "Rock and Roll in the town square", "I need a drink" et "Looking for Problems".
Rock and roll
Avec le succès de Matrícula de Honor, Tequila est devenue un symbole du rock en Espagne.
Avant d'enregistrer leur deuxième album, les membres du groupe collaborent à la production de Fiebre de vive de Moris.
À l'été 1979, Rock And Roll est apparu, étant l'une des meilleures œuvres de l'histoire du rock en Espagne. Là, des chansons telles que "Quiero Besarte", "Me Vuelvo Loco", "Rock del Ascensor" (composé par Sergio Makaroff) ou "El Barco" (composé par Alejo avec l'aide d'Ariel et Julián, où le chanteur raconte son voyage d'Argentine en Espagne après avoir dû s'exiler). Immédiatement, Tequila dépasse les 100 000 ventes, s'imposant comme le meilleur groupe d'Espagne.
Vive la Téquila !
Au début de la nouvelle décennie, Tequila devient une sorte de pont entre le rock anglo-saxon et la nouvelle vague de pop espagnole qui émergera avec la movida madrileña.
Malgré le nombre énorme de concerts donnés par le groupe, en 1980, ils se lancent dans l'enregistrement de ce qui sera leur troisième album : Viva Tequila. Cet album a été enregistré à Londres, sous la direction de l'ingénieur du son Peter McNamee. Les chansons les plus réussies de cet album étaient : « Don't let time change you », « Tell me you love me », « Look at that girl » ou « Don't cry ».
le disque japonais
Avec un énorme succès en Espagne, Zafiro informe Tequila qu'il existe un label japonais intéressé à produire un album pour le marché du pays asiatique.
Il y avait beaucoup d'attentes avec le saut vers le marché japonais, mais seulement 10 000 exemplaires ont été vendus, l'aventure japonaise étant un échec absolu.
Sur cet album, cinq chansons ont été traduites en anglais, trois ont été initialement publiées et deux nouvelles chansons ont été composées : "Forget About You" et "All My Love Always".
Confidentiel
L'échec de l'album japonais, ainsi que la dépendance à l'héroïne de tous les membres, ont fait de leur dernier album un échec par rapport aux trois précédents.
Malgré des chansons comme "Je pars de chez moi", "Baby", "Where is my compass" ou "Jump !!" (étant ce thème le plus populaire du groupe jusqu'à aujourd'hui), ils ne parviennent à vendre que 50 000 exemplaires.
dissolution de labande
La dépendance à l'héroïne et des problèmes internes ont amené le groupe à avoir une date d'expiration annoncée.
Un cinquième album était en préparation, qui a été laissé dans une démo de six chansons (la chanson "Me está trappingo vez" a été composée par Ariel pour ledit album, mais elle a finalement été publiée sur l'album de Los Rodríguez Sans documents). 4 Quatre de ces six chansons inédites sont sorties sur l'album de compilation Tequila Forever, à savoir : Dudas, La isla, No, no, no et Tequila.
Avec Manolo Iglesias quittant le groupe et avec seulement trois membres originaux (Alejo, Ariel et Julián), le guitariste argentin décide de quitter le groupe, se séparant en 1983.
Après quatre albums et plusieurs concerts, ce qui était le groupe de rock pionnier en Espagne s'est dissous dans le silence, témoignant des nouveaux temps musicaux en Espagne.
Tequila was a Spanish rock music band founded around 1976. It was formed by musicians Ariel Rot (guitar), Alejo Stivel (vocals), Julián Infante (guitar), Felipe Lipe (bass) and Manolo Iglesias (drums). It was one of the most popular bands in the first years of democracy in Spain.
Origins and influences
Tequila emerged prior to the Madrid scene, after the end of the Franco regime, contributing a rock with influences from artists such as Chuck Berry and, above all, The Rolling Stones; sounding very different from the then predominant symphonic rock and urban rock groups on the national scene. Songs like Salta (which was first played on the famous television contest One, two, three... respond again), I want to kiss you or Rock and Roll in the town square, catapulted the five members of Tequila to stardom. They dissolved in 1982, among other reasons, due to the constant discussions of their members, already addicted to heroin.
History
early years
The origin of the band dates back to 1976 when Alejo Stivel and Ariel Rot recently arrived in Madrid, exiled due to the military dictatorship established in Argentina, and the rock group with southern influences called Spoonful Blues Band, formed by Julián Infante ( guitar), Felipe Lipe (bass) and José Antonio Alonso "El Oso" (drums).
On one of the several nights where the two Argentines explored the Madrid nightlife, they met a group called Spoonful Blues Band on the stage of a club called the New M&M. Ariel and Alejo were impressed with them and the two Argentines offered their services, but lacking a venue and musical equipment, they decide to ignore them. That situation would change four months later when the Spoonful Blues Band was left without a guitarist and Felipe Lipe offered Ariel Rot a test, where they were impressed and Ariel was immediately integrated into the band. A short time later, Alejo joined as vocalist, since Ariel was in charge of voice and guitar previously. 2 During those first years, and most of the history of the group, they practiced in a place on Arturo Soria street.
At that stage, the name of the band was changed to Tequila, suggested by Felipe Lipe for the song Cheap Tequila by Johnny Winter.3
With honors
With "El Oso" leaving the group due to having to do his military service, Tequila took over the services of Manolo Iglesias for the drums, already having the definitive line-up.
That's when, after a gig, two producers offer them to record an album for the production company Chapa Discos (a subsidiary of the historic Zafiro) and they perform for the first time in the contest One, two, three... respond again.
The album finally sees the light in mid-1978, where its most successful songs were "Rock and Roll in the town square", "I need a drink" and "Looking for Problems".
Rock And Roll
With the success of Matrícula de Honor, Tequila became a symbol of rock in Spain.
Before recording their second album, the members of the band collaborate with the production of Fiebre de vive by Moris.
In the summer of 1979, Rock And Roll came to light, being one of the best works in the history of rock in Spain. There, songs such as "Quiero Besarte", "Me Vuelvo Loco", "Rock del Ascensor" (composed by Sergio Makaroff) or "El Barco" (composed by Alejo with the help of Ariel and Julián, where the vocalist narrates his journey from Argentina to Spain after having to go into exile). Immediately Tequila exceeds 100,000 sales, establishing itself as the best band in Spain.
Long live Tequila!
By the beginning of the new decade, Tequila became a kind of bridge between Anglo-Saxon rock and the new wave of Spanish pop that would emerge with the movida madrileña.
Despite the enormous number of concerts performed by the band, in 1980 they embarked on the recording of what would be their third album: Viva Tequila. That album was recorded in London, under the direction of sound engineer Peter McNamee. The most successful songs on that album were: "Don't let time change you", "Tell me you love me", "Look at that girl" or "Don't cry".
the japanese record
With enormous success in Spain, Zafiro informs Tequila that there is a Japanese label interested in producing an album for the Asian country's market.
There were many expectations with the jump to the Japanese market, but only 10,000 copies were sold, the Japanese adventure being an absolute failure.
On that album, five songs were translated into English, three were originally released, and two new songs were composed: "Forget About You" and "All My Love Always."
Confidential
The failure of the Japanese album, together with the heroin addiction of all the members, made their last album a failure compared to the previous three.
Despite having songs like "I'm leaving home", "Baby", "Where is my compass" or "Jump!!" (being this theme the most popular of the band until today), they only manage to sell 50,000 copies.
dissolution of theband
Heroin addiction and internal problems caused the band to have an announced expiration date.
A fifth album was being prepared, which was left in a six-song demo (the song "Me está trappingo vez" was composed by Ariel for said album, but it was finally published on Los Rodríguez's album Without documents). 4 Four of those six unreleased songs were released on the Tequila Forever compilation album, these being: Dudas, La isla, No, no, no and Tequila.
With Manolo Iglesias leaving the band and with only three original members (Alejo, Ariel and Julián), the Argentine guitarist decides to leave the band, disbanding in 1983.
After four albums and several concerts, what was the pioneer rock band in Spain dissolved in silence, evidencing the new musical times in Spain.
Rammstein es una banda alemana de metal industrial formada en 1994 por los músicos Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz y Christoph Schneider. Su música se basa en una corriente surgida en su país en los años 1990 llamada Neue Deutsche Härte del que son su exponente más popular y al que también pertenecen, entre otros, Oomph! y Die Krupps. Ellos mismos han denominado en alguna ocasión esta mezcla con el apelativo de Tanzmetall («metal de baile»).
Sus canciones están escritas casi exclusivamente en alemán aunque algunas contienen inglés, francés, ruso o incluso español; y han vendido más de 50 millones de copias en todo el mundo.Entre otros reconocimientos, han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de metal: en 1999 con el tema «Du hast» (del álbum Sehnsucht) y en 2006 con «Mein Teil» (del álbum Reise, Reise).Han lanzado al mercado un total de ocho álbumes de estudio y cuatro en directo,
Rammstein est un groupe de metal industriel allemand formé en 1994 par les musiciens Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz et Christoph Schneider. Leur musique est basée sur un courant qui a émergé dans leur pays dans les années 1990 appelé Neue Deutsche Härte, dont ils sont l'interprète le plus populaire et auquel ils appartiennent aussi, entre autres, Oomph ! et Die Krupps. Ils ont eux-mêmes parfois appelé ce mélange du nom de Tanzmetall ("dance metal").
Ses chansons sont écrites presque exclusivement en allemand bien que certaines contiennent de l'anglais, du français, du russe ou même de l'espagnol ; et se sont vendus à plus de 50 millions d'exemplaires dans le monde. Entre autres reconnaissances, ils ont été nominés pour deux Grammy Awards dans la catégorie de la meilleure performance métal : en 1999 avec la chanson "Du hast" (de l'album Sehnsucht) et en 2006 avec " Mein Teil" (de l'album Reise, Reise). Ils ont sorti un total de huit albums studio et quatre albums live,
Rammstein is a German industrial metal band formed in 1994 by musicians Till Lindemann, Richard Z. Kruspe, Oliver Riedel, Paul Landers, Christian Lorenz and Christoph Schneider. Their music is based on a current that emerged in their country in the 1990s called Neue Deutsche Härte, of which they are its most popular exponent and to which they also belong, among others, Oomph! and Die Krupps. They themselves have sometimes called this mixture with the name of Tanzmetall ("dance metal").
His songs are written almost exclusively in German although some contain English, French, Russian or even Spanish; and have sold more than 50 million copies worldwide. Among other recognitions, they have been nominated for two Grammy Awards in the category of best metal performance: in 1999 with the song "Du hast" (from the album Sehnsucht ) and in 2006 with "Mein Teil" (from the album Reise, Reise). They have released a total of eight studio albums and four live albums,
Tedeschi Trucks Band us convida a experimentar I AM THE MOON, un viatge musical expansiu, inspirat i ambiciós que impulsa el preuat conjunt nord-americà a un nou i emocionant territori creatiu. Durant la pandèmia i el seu aïllament corresponent, Tedeschi Trucks Band, un dels sortejos de música en directe més admirats i exitosos de la música, buscava alguna cosa a què aferrar-se; una manera de connectar-se entre ells i el seu ofici. Havien sortit d'una actuació triomfal del clàssic de Derek and the Dominoes Layla and Other Assorted Love Songs amb Trey Anastasio al LOCKN' Festival, que posteriorment va portar al llançament de l'aclamat àlbum en directe de la banda, Layla: Revisited de l'estiu passat. Buscant una idea, el vocalista de TTB Mike Mattison va recórrer al ric material font de Layla per inspirar-se: Layla and Majnun, el llegendari poema narratiu de noranta pàgines d'amants creuats pel poeta sufí del segle XII Nizami. Com a exercici d'escriptura, Mattison va desafiar el grup a aprofundir en els temes més profunds del poema. Com va assenyalar, "Layla" de Clapton només va utilitzar un element del poema -la bogeria amorosa de Majnun-, mentre que el poema en si conté multitud: drama familiar, classisme, aïllament, judici i el cost sever de la mania decidida, fins i tot en la causa de l'amor. (De fet, es creu que Layla i Majnun són la inspiració darrere de Romeu i Julieta de Shakespeare i molts altres clàssics literaris orientals i occidentals.)
Repte acceptat. Amb un esclat de creativitat i enfocament al llarg de l'any següent, la banda va escriure i gravar el millor material de la seva carrera: una conceptualització elèctrica i vibrant que abasta la riquesa de la música americana com només ells poden. Les sessions prolífiques van tenir tant d'èxit que van acabar amb una mica més de dues hores de música imprescindible. Malgrat la seva naturalesa expansiva, les cançons de I AM THE MOON són concises i viscerals, personificant i millorant la naturalesa col·laborativa de la narració.
Tedeschi Trucks Band vous invite à découvrir I AM THE MOON, un voyage musical expansif, inspiré et ambitieux qui propulse le précieux ensemble américain dans un territoire créatif nouveau et passionnant. Pendant la pandémie et son isolement correspondant, Tedeschi Trucks Band, l'un des groupes de musique live les plus admirés et les plus réussis de la musique, cherchait quelque chose à quoi s'accrocher; un moyen de se connecter les uns aux autres et à leur métier. Ils avaient sorti une performance triomphale du classique Layla and Other Assorted Love Songs de Derek and the Dominoes avec Trey Anastasio au LOCKN 'Festival, qui a ensuite conduit à la sortie de l'album live acclamé du groupe, Layla: Revisited l'été dernier. À la recherche d'une idée, le chanteur du TTB, Mike Mattison, s'est tourné vers la riche source d'inspiration de Layla : Layla et Majnun, le légendaire poème narratif de quatre-vingt-dix pages sur les amants maudits par le poète soufi du XIIe siècle Nizami. Comme exercice d'écriture, Mattison a mis le groupe au défi de se plonger dans les thèmes plus profonds du poème. Comme il l'a souligné, « Layla » de Clapton n'a utilisé qu'un seul élément du poème - la folie amoureuse de Majnun - alors que le poème lui-même en contient des multitudes : drame familial, classisme, isolement, jugement et le coût élevé de la manie à l'esprit unique, même dans la cause de l'amour. (En effet, on pense que Layla et Majnun sont l'inspiration derrière Roméo et Juliette de Shakespeare et de nombreux autres classiques littéraires orientaux et occidentaux.)
Défi accepté. Avec une explosion de créativité et de concentration au cours de l'année suivante, le groupe a écrit et enregistré le meilleur matériel de sa carrière : une conceptualisation électrique et vibrante qui couvre la richesse de la musique américaine comme eux seuls le peuvent. Les séances prolifiques ont été un tel succès qu'elles se sont soldées par un peu plus de deux heures de musique essentielle. Malgré sa nature tentaculaire, les morceaux de I AM THE MOON sont concis et viscéraux, incarnant et renforçant la nature collaborative de la narration.
Tedeschi Trucks Band invite you to experience I AM THE MOON, an expansive, inspired, and ambitious musical journey that propels the treasured American ensemble into new and thrilling creative territory. During the pandemic and its corresponding isolation, Tedeschi Trucks Band, one of the music’s most admired and successful live music draws, was searching for something to hold on to; a way to connect to each other and their craft. They had come off a triumphant performance of Derek and the Dominoes’ classic Layla and Other Assorted Love Songs with Trey Anastasio at the LOCKN’ Festival, which subsequently led to the release of the band’s acclaimed live album, last summer’s Layla: Revisited. Looking for an idea, TTB vocalist Mike Mattison turned to Layla’s rich source material for inspiration: Layla and Majnun, the legendary ninety-page narrative poem of star-crossed lovers by 12th Century Sufi poet Nizami. As a writing exercise, Mattison challenged the group to delve into the poem’s deeper themes. As he pointed out, Clapton’s “Layla” only used one element of the poem - Majnun’s love-madness - whereas the poem itself contains multitudes: family drama, classism, isolation, judgment, and the severe cost of single-minded mania, even in the cause of love. (Indeed, Layla and Majnun is believed to be the inspiration behind Shakespeare’s Romeo & Juliet and many other eastern and western literary classics.)
Challenge accepted. With a burst of creativity and focus over the course of the next year, the band wrote and recorded the best material of their career: an electric and vibrant conceptualization that spans the richness of American music as only they can. The prolific sessions were so successful, they ended up with a little over two hours of essential music. Despite its sprawling nature, the tracks on I AM THE MOON are concise and visceral, epitomizing and enhancing the collaborative nature of the storytelling.
La música rock ha fet passos de gegant des de finals dels anys 60, quan es van publicar originalment els tres àlbums que formen aquesta caixa: Shades Of Deep Purple, The Book Of Taliesyn i l'homònim Deep Purple. I així, resulta que té l'art fosc del periodisme rock. El fulletó informatiu de 48 pàgines que acompanya aquest llançament està ple de retalls de música relacionats amb Purple de l'època, i també ho són un assortiment riure. "Orgue i guitarra excel·lents, i molts problemes amb el material i els arranjaments", és la valoració d'un crític de Taliesyn. "No és excepcional de cap manera, així que no puc estar massa esperançat", s'arronsa d'espatlles sobre el single Emmaretta, mentre admet la presència d'"un treball de guitarra sorprenent i sorprenent". Tot i així, malgrat la naturalesa rudimentària de l'escriptura, un altre diari es va colpejar amb fermesa al cap amb la seva avaluació de Shades Of: "Aquest nou grup busca jugar amb el so només per diversió".
Purple pot haver gaudit dels primers èxits a les llistes de singles als Estats Units amb la seva interpretació de Joe South's Hush, però en realitat els seus primers discos són el so d'una banda que pateix una greu crisi d'identitat. La formació de Mk I, amb Rod Evans a la veu i Nick Simper al baix, intentava frenèticament identificar una direcció musical diferent i única en un món on el gènere heavy rock incipient encara es considerava "undergound"; d'aquí la naturalesa confusa d'aquest trio de bèsties. Dit això, Purple encara ofereix alguns moments notables. L'esmentat Hush continua trencant motlles; si la guitarra mercurial de Ritchie Blackmore encara sona impressionant avui dia, imagineu-vos com deu haver estat absolutament al·lucinant l'any 68. De la mateixa manera, Mandrake Root conserva el seu ambient d'amenaça perseguidora, i Shield és un recordatori deliciós de com Jefferson Airplane podria haver tocat la melodia del tema Department S. També hi ha moments de bogeria. Shades Of s'obre amb And The Address, que sona com una partitura que Blackmore va rescatar de la paperera de Joe Meek; el Taliesyn, terminalment confós, arriba al seu nadir amb una versió progressiva de 10 minuts de River Deep, Mountain High; L'April, de Deep Purple, comença com un incipient Concert per a grup i orquestra abans que Purple recordi de sobte que se suposa que és una banda de rock i es metamorfosi en Vanilla Fudge. Les coses bones gairebé superen les dolentes, i les funcions addicionals, com ara mescles mono, preses i cares B, fan d'aquesta una col·lecció completa i completa.
La musique rock a fait des pas de géant depuis la fin des années 60, lorsque les trois albums qui composent ce coffret - Shades Of Deep Purple, The Book Of Taliesyn et l'éponyme Deep Purple - ont été initialement publiés. Et donc, il s'avère, a l'art sombre du journalisme rock. Le livret informatif de 48 pages qui accompagne cette version est plein de coupures de presse musicales liées à Purple de l'époque - et un assortiment amusant qu'ils sont aussi. "Excellent orgue et guitare, et beaucoup de problèmes avec le matériel et les arrangements", est l'évaluation d'un critique de Taliesyn. "Pas exceptionnel du tout, donc je ne peux pas trop espérer à ce sujet", un autre scribe hausse les épaules à propos du single Emmaretta, tout en admettant la présence de "quelques travaux de guitare surprenants et époustouflants". Pourtant, malgré la nature rudimentaire de l'écriture, un autre journaliste enfonce le clou avec son évaluation de Shades Of : "Ce nouveau groupe aime jouer avec le son juste pour le plaisir."
Purple a peut-être connu un succès précoce dans les charts américains avec son interprétation fulgurante de Hush de Joe South, mais en vérité, ses premiers disques sont le son d'un groupe souffrant d'une grave crise d'identité. Le line-up Mk I - avec Rod Evans au chant et Nick Simper à la basse - essayait frénétiquement d'identifier une direction musicale distincte et unique dans un monde où le genre rock lourd naissant était encore jugé "undergound" ; d'où la nature confuse de ce trio de bêtes. Cela dit, Purple livre toujours des moments remarquables. Le Hush susmentionné reste révolutionnaire; si la guitare mercurielle de Ritchie Blackmore sonne encore à couper le souffle aujourd'hui, imaginez à quel point elle devait être époustouflante en 1968. De même, Mandrake Root conserve son ambiance de menace de traque, et Shield est un délicieux rappel de la façon dont Jefferson Airplane aurait pu jouer le thème du département S. Il y a aussi des moments de folie. Shades Of s'ouvre avec And The Address, qui sonne comme une partition que Blackmore a sauvée de la corbeille à papier de Joe Meek; le Taliesyn confus en phase terminale atteint son nadir avec une version progressive de 10 minutes de River Deep, Mountain High ; April, de Deep Purple, commence comme un concerto pour groupe et orchestre naissant avant que Purple ne se souvienne soudainement qu'ils sont censés être un groupe de rock et se métamorphosent en Vanilla Fudge. Les bonnes choses l'emportent à peu près sur les mauvaises, et les bonus, y compris les mixages mono, les prises et les faces B, en font une collection complète et bien équilibrée.
Rock music has taken giant strides since the tail end of the 60s, when the three albums that comprise this box set – Shades Of Deep Purple, The Book Of Taliesyn and the self-titled Deep Purple – were originally released. And so, it turns out, has the dark art of rock journalism. The informative 48-page booklet that accompanies this release is full of Purple-related music-paper clippings from back in the day - and a chucklesome assortment they are, too. “Excellent organ and guitar, and a lot of trouble taken with material and arrangements,” is one reviewer’s assessment of Taliesyn. “Not outstanding by any means, so I can’t be too hopeful about it,” another scribe shrugs about the single Emmaretta, while admitting the presence of “some startling wowing guitar work”. Still, despite the rudimentary nature of the writing, another journo hits the nail firmly on the head with his evaluation of Shades Of: “This new group digs playing around with sound just for fun.”
Purple may have enjoyed early singles-chart success in the US with their blistering interpretation of Joe South’s Hush, but in truth their first few records are the sound of a band suffering a severe identity crisis. The Mk I line-up – with Rod Evans on vocals and Nick Simper on bass – was trying frantically to identify a distinct and unique musical direction in a world where the fledgling heavy rock genre was still judged to be ‘undergound’; hence the confused nature of this trio of beasts. Having said that, Purple still deliver some remarkable moments. The aforementioned Hush remains mould-breaking; if Ritchie Blackmore’s mercurial guitar still sounds breathtaking today, imagine how utterly ear-boggling it must have been in ’68. Similarly, Mandrake Root retains its ambience of stalking menace, and Shield is a delightful reminder of how Jefferson Airplane might have played the Department S theme tune. There are also moments of madness. Shades Of opens with And The Address, which sounds like a score Blackmore rescued from Joe Meek’s wastepaper basket; the terminally confused Taliesyn reaches its nadir with a progged-up, 10-minute version of River Deep, Mountain High; April, from Deep Purple, begins like a fledgling Concerto For Group And Orchestra before Purple suddenly remember they’re supposed to be a rock band and metamorphose into Vanilla Fudge. The good stuff just about outweighs the bad, and bonus features including mono mixes, out-takes and B-sides make this a comprehensive, well-rounded collection.
Led Zeppelin Boxed Set 2 és un àlbum doble publicat per Atlantic Records el 21 de setembre de 1993. Aquest box set inclou la resta del catàleg de la banda de rock anglesa Led Zeppelin no inclòs al box set de 4 CD Led Zeppelin de 1990, tot remasteritzat digitalment, inclòs el tema d'estudi inèdit "Baby Come On Home". També es va incloure un fullet de 54 pàgines amb el llançament. Entre aquesta caixa i la caixa de 4 CD apareixen totes les cançons dels nou àlbums d'estudi de la banda juntament amb dos enregistraments en directe de la BBC; l'única cara B no LP de la banda; i una sortida d'estudi.
Led Zeppelin Boxed Set 2 est un double album sorti par Atlantic Records le 21 septembre 1993. Ce coffret contient le reste du catalogue du groupe de rock anglais Led Zeppelin non inclus dans le coffret de 4 CD de 1990 Led Zeppelin, tous remasterisés numériquement, y compris le morceau studio inédit "Baby Come On Home". Un livret de 54 pages a également été inclus avec le communiqué. Entre ce coffret et le coffret de 4 CD, chaque morceau des neuf albums studio du groupe est présenté ainsi que deux enregistrements en direct de la BBC; la seule face B non LP du groupe; et une sortie en studio.
Led Zeppelin Boxed Set 2 is a double album released by Atlantic Records on 21 September 1993. This box set features the rest of the English rock band Led Zeppelin's catalogue not included in the 1990 4-CD box set Led Zeppelin, all digitally remastered, including the previously unreleased studio track "Baby Come On Home". A 54-page booklet was also included with the release. Between this box set and the 4-CD box set every track from the band's nine studio albums are featured along with two BBC live recordings; the band's only non-LP b-side; and one studio outtake.
Va ser la primera recopilació de cançons de la banda (sense comptar Coda, que algunes fonts enumeren com a àlbum d'estudi) i la selecció i remasterització dels temes van ser supervisades per Jimmy Page. Atlantic Records el va publicar el 7 de setembre de 1990 en diversos formats: quatre discos compactes, sis discos de vinil o quatre cintes de casset. També es va incloure un fullet de 36 pàgines amb el llançament. Aquest conjunt conté dos temes inèdits i una nova barreja. "Travelling Riverside Blues" es va gravar el 24 de juny de 1969 al BBC Maida Vale Studio. "White Summer/Black Mountain Side" es va gravar al Playhouse Theatre de Londres el 27 de juny de 1969. La mescla "Moby Dick/Bonzo's Montreux" va tenir lloc a l'Atlantic Synclavier Suite de Nova York, el maig de 1990. També inclou la música de la banda. només cara B que no pertany a l'àlbum, "Hey, Hey, What Can I Do" del senzill "Immigrant Song" de 1970, anteriorment no disponible en disc compacte. Per diferenciar aquesta caixa d'un conjunt de seleccions extretes d'ell, la caixa de Remasters es va llançar el mes següent, en alguns mercats aquesta versió apareix sota el títol The Complete Collection. Per augmentar la confusió, en ambdós casos això és diferent de la caixa de The Complete Studio Recordings llançada tres anys després, que inclou els nou àlbums d'estudi de la banda en deu discos, amb les tres pistes addicionals adjuntes a Coda, juntament amb l'enregistrament de 1969. "Baby Come On Home", llançat per primera vegada al Led Zeppelin Boxed Set 2 de dos discs.
C'était la première compilation de chansons du groupe (sans compter Coda, que certaines sources répertorient comme un album studio) et la sélection et la remasterisation des morceaux ont été supervisées par Jimmy Page. Atlantic Records l'a sorti le 7 septembre 1990 sur plusieurs formats : quatre disques compacts, six disques vinyles ou quatre cassettes. Un livret de 36 pages a également été inclus avec le communiqué. Ce set contient deux titres inédits et un nouveau mix. "Travelling Riverside Blues" a été enregistré le 24 juin 1969 au BBC Maida Vale Studio. "White Summer/Black Mountain Side" a été enregistré au Playhouse Theatre de Londres le 27 juin 1969. Le mix "Moby Dick/Bonzo's Montreux" a eu lieu à l'Atlantic Synclavier Suite à New York, en mai 1990. Il comprend également le groupe seule face B hors album, "Hey, Hey, What Can I Do" du single "Immigrant Song" de 1970, auparavant indisponible sur disque compact. Pour différencier ce coffret d'un ensemble de sélections extraites de celui-ci, le coffret Remasters sorti le mois suivant, sur certains marchés cette sortie est répertoriée sous le titre The Complete Collection. Pour aggraver la confusion, dans les deux cas, cela est différent du coffret The Complete Studio Recordings sorti trois ans plus tard, qui comprend les neuf albums studio du groupe sur dix disques, avec les trois pistes supplémentaires ajoutées à Coda, ainsi que l'enregistrement de 1969. "Baby Come On Home", sorti pour la première fois sur le coffret à deux disques Led Zeppelin Boxed Set 2.
It was the first compilation of songs by the band (not counting Coda, which some sources list as a studio album) and the selection and remastering of the tracks were supervised by Jimmy Page. Atlantic Records released it on 7 September 1990 on several formats: four compact discs, six vinyl records, or four cassette tapes. A 36-page booklet was also included with the release. This set contains two previously unreleased tracks and one new mix. "Travelling Riverside Blues" was recorded on 24 June 1969 at the BBC Maida Vale Studio. "White Summer/Black Mountain Side" was recorded at the Playhouse Theatre, London on 27 June 1969. The "Moby Dick/Bonzo's Montreux" mix took place at the Atlantic Synclavier Suite in New York, in May 1990. It also includes the band's only non-album B-side, "Hey, Hey, What Can I Do" of the 1970 single "Immigrant Song", previously unavailable on compact disc. To differentiate this box set from a set of selections taken from it, the Remasters box set released the following month, in some markets this release is listed under the title The Complete Collection. To further the confusion, in both cases this is different from The Complete Studio Recordings box set released three years later, which includes all nine of the band's studio albums on ten discs, with the three extra tracks appended to Coda, along with the 1969 recording "Baby Come On Home", first released on the two-disc Led Zeppelin Boxed Set 2.
