Prince - Ultimate Prince (2CD) [2006]

 

Ultimate Prince es un álbum de grandes éxitos del artista estadounidense Prince. Fue lanzado el 22 de agosto de 2006 por Warner Bros. Records. El conjunto de dos discos contiene un disco de algunos éxitos lanzados anteriormente (algunos en forma de edición única; solo "My Name Is Prince" no había estado en una colección de éxitos anterior), y otro de remixes extendidos de éxitos y un lado B, la mayoría de los cuales solo habían sido lanzados previamente como sencillos de 12 pulgadas. Controversia sobre la fecha de lanzamiento El álbum fue originalmente programado para ser lanzado en América del Norte el 14 de marzo de 2006, pero fue cancelado pocos días antes de su lanzamiento. Esto probablemente se deba a que Prince no quiere competir con su nuevo 3121, programado para ser lanzado solo una semana después. Sin embargo, las copias promocionales del álbum ya habían sido enviadas a algunos minoristas y se vendieron antes del retiro del álbum. Se propuso una segunda fecha de lanzamiento del 22 de mayo, pero fue nuevamente cancelada y el futuro del álbum fue desconocido por un tiempo. Tres meses más tarde, fue lanzado oficialmente el 22 de agosto de 2006, con críticas generalmente positivas.

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Ultimate Prince is a greatest hits album by American recording artist Prince. It was released on August 22, 2006 by Warner Bros. Records. The two-disc set contains one disc of some previously released hits (some in single-issue form; only "My Name Is Prince" hadn't been on a previous hits collection), and another of extended remixes of hits and a B-side. , most of which had only previously been released as 12-inch singles. Release date controversy The album was originally scheduled to be released in North America on March 14, 2006, but was canceled just days before its release. This is probably because Prince doesn't want to compete with his new 3121, scheduled to be released just a week later. However, promotional copies of the album had already been shipped to some retailers and sold out before the album's withdrawal. A second release date of May 22 was proposed, but was again cancelled, and the future of the album was unknown for a time. Three months later, it was officially released on August 22, 2006, to generally positive reviews.

 

Ultimate Prince est un album des plus grands succès de l'artiste américain Prince. Il est sorti le 22 août 2006 chez Warner Bros. Records. L'ensemble de deux disques contient un disque de certains succès déjà sortis (certains sous forme de numéro unique; seul "My Name Is Prince" n'avait pas été sur une collection de succès précédente), et un autre de remix étendus de succès et un B- , dont la plupart n'avaient été publiés auparavant qu'en singles de 12 pouces. Controverse sur la date de sortie L'album devait initialement sortir en Amérique du Nord le 14 mars 2006, mais a été annulé quelques jours avant sa sortie. C'est probablement parce que Prince ne veut pas concurrencer son nouveau 3121, dont la sortie est prévue une semaine plus tard. Cependant, des exemplaires promotionnels de l'album avaient déjà été expédiés à certains détaillants et vendus avant le retrait de l'album. Une deuxième date de sortie du 22 mai a été proposée, mais a de nouveau été annulée, et l'avenir de l'album était inconnu pendant un certain temps. Trois mois plus tard, il est officiellement sorti le 22 août 2006, avec des critiques généralement positives.

10C.C. - Before, During, After - The Story Of 10cc (2017)

 

10cc es una banda de rock inglesa formada en Stockport, Inglaterra, en 1972. Inicialmente, el grupo estaba formado por cuatro músicos: Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme, que habían escrito y grabado juntos desde 1968. El grupo contó con dos compositores. equipos Stewart y Gouldman eran predominantemente compositores pop, quienes crearon la mayoría de las canciones accesibles de la banda. Godley y Creme fueron la mitad predominantemente experimental de 10cc, con arte y escritura inspirada en el cine. Todos los miembros de 10cc eran multiinstrumentistas, cantantes, escritores y productores. La mayoría de los discos de la banda se grabaron en sus propios Strawberry Studios (norte) en Stockport y Strawberry Studios (sur) en Dorking, y la mayoría de ellos fueron diseñados por Stewart. De 1972 a 1978, 10cc tuvo cinco álbumes consecutivos entre los diez primeros en el Reino Unido: Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Curvas engañosas (1977) y Turistas sangrientos (1978). 10cc también tuvo doce sencillos que alcanzaron el Top 40 del Reino Unido, tres de los cuales fueron los primeros en las listas de éxitos "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) y "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" fue su gran éxito mundial y es conocido por su innovadora pista de acompañamiento. Godley y Creme abandonaron la banda en 1976 debido a desacuerdos artísticos y se convirtieron en un dúo. Stewart dejó la banda en 1995. Desde 1999, Gouldman ha liderado una versión de gira de 10cc.

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10cc is an English rock band, formed in Stockport, England, in 1972. The group initially consisted of four musicians – Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley and Lol Creme – who had written and recorded together since 1968. The group featured two songwriting teams. Stewart and Gouldman were predominantly pop songwriters, who created most of the band's accessible songs. Godley and Creme were the predominantly experimental half of 10cc, featuring art and cinematically-inspired writing. Every member of 10cc was a multi-instrumentalist, singer, writer and producer. Most of the band's records were recorded at their own Strawberry Studios (North) in Stockport and Strawberry Studios (South) in Dorking, with most of those engineered by Stewart. From 1972 to 1978, 10cc had five consecutive UK top-ten albums: Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Deceptive Bends (1977) and Bloody Tourists (1978). 10cc also had twelve singles reach the UK Top 40, three of which were the chart-toppers "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) and "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" was their breakthrough worldwide hit and is known for its innovative backing track. Godley and Creme quit the band in 1976 due to artistic disagreements and became a duo act. Stewart left the band in 1995. Since 1999, Gouldman has led a touring version of 10cc. Fe

10cc est un groupe de rock anglais, formé à Stockport, en Angleterre, en 1972. Le groupe était initialement composé de quatre musiciens - Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley et Lol Creme - qui avaient écrit et enregistré ensemble depuis 1968. Le groupe comprenait deux compositeurs équipes. Stewart et Gouldman étaient principalement des auteurs-compositeurs pop, qui ont créé la plupart des chansons accessibles du groupe. Godley et Creme étaient la moitié principalement expérimentale de 10cc, mettant en vedette l'art et l'écriture d'inspiration cinématographique. Chaque membre de 10cc était un multi-instrumentiste, chanteur, écrivain et producteur. La plupart des disques du groupe ont été enregistrés dans leurs propres Strawberry Studios (North) à Stockport et Strawberry Studios (South) à Dorking, la plupart étant conçus par Stewart. De 1972 à 1978, 10cc a eu cinq albums consécutifs parmi les dix meilleurs au Royaume-Uni : Sheet Music (1974), The Original Soundtrack (1975), How Dare You! (1976), Virages trompeurs (1977) et Touristes sanglants (1978). 10cc a également eu douze singles atteignant le Top 40 britannique, dont trois étaient les meilleurs "Rubber Bullets" (1973), "I'm Not in Love" (1975) et "Dreadlock Holiday" (1978). "I'm Not in Love" a été leur succès mondial révolutionnaire et est connu pour sa piste d'accompagnement innovante. Godley et Creme ont quitté le groupe en 1976 en raison de désaccords artistiques et sont devenus un duo. Stewart a quitté le groupe en 1995. Depuis 1999, Gouldman a dirigé une version tournée de 10cc.

Steve Vai - Inviolate(2022)

 

Steven Siro Vai (n. 6 de junio de 1960, Carle Place, Estados Unidos) es un guitarrista, compositor, y productor musical estadounidense que ha vendido más de 15 millones de álbumes. Después de iniciar su carrera como transcriptor de música para Frank Zappa, Vai grabó y estuvo de gira en la banda de Zappa de 1980 a 1982. Comenzó su carrera como solista en 1983, tiene ocho álbumes en solitario y ha ganado tres premios Grammy. También ha grabado y realizado giras con Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth, y Whitesnake. Vai ha sido miembro regular del G3 tour que comenzó en 1995. En 1999, Vai comenzó su propio sello discográfico Favored Nations, con la intención de mostrar como él lo describe, "... a los artistas que han alcanzado el nivel de rendimiento más alto en sus instrumentos elegidos ". Ocupa el puesto n°10 de la lista los mejores guitarristas de todos los tiempos, publicada por la revista Guitar World. El guitarrista Steve Vai lanzará su próximo disco, "Inviolate", el 28 de enero de 2022 en formato digital y en CD (el vinilo llegará el 18 de marzo). En palabras del músico: "Es la culminación de 61 años de inspiración y formación. Rezuma melodías deliciosas y una pirotecnia feroz. También te elevará a niveles de deleite que harán del resto de tu vida una experiencia hermosa... bueno, tal vez no pero... casi".

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Steven Siro Vai (born June 6, 1960, Carle Place, United States) is an American guitarist, songwriter, and music producer who has sold more than 15 million albums. After beginning his career as a music transcriptionist for Frank Zappa, Vai recorded and toured in Zappa's band from 1980 to 1982. He began his solo career in 1983, has eight solo albums, and has won three Grammy Awards. He has also recorded and toured with Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth, and Whitesnake. Vai has been a regular member of the G3 tour that began in 1995. In 1999, Vai started his own record label Favored Nations, with the intention of showcasing as he describes it, "...artists who have reached the highest level of performance high on your chosen instruments." He is ranked #10 on the list of the best guitarists of all time, published by Guitar World magazine. Guitarist Steve Vai will release his next album, "Inviolate," on January 28, 2022 digitally and on CD (vinyl will arrive March 18). In the musician's words: "It's the culmination of 61 years of inspiration and training. It exudes luscious melodies and fierce pyrotechnics. It will also elevate you to levels of delight that will make the rest of your life a beautiful experience...well, maybe not." but almost".

Steven Siro Vai (né le 6 juin 1960 à Carle Place, États-Unis) est un guitariste, auteur-compositeur et producteur de musique américain qui a vendu plus de 15 millions d'albums. Après avoir commencé sa carrière en tant que transcripteur de musique pour Frank Zappa, Vai a enregistré et tourné dans le groupe de Zappa de 1980 à 1982. Il a commencé sa carrière solo en 1983, a huit albums solo et a remporté trois Grammy Awards. Il a également enregistré et tourné avec Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth et Whitesnake. Vai a été un membre régulier de la tournée G3 qui a débuté en 1995. En 1999, Vai a lancé son propre label Favored Nations, avec l'intention de présenter comme il le décrit, "... des artistes qui ont atteint le plus haut niveau de performance haut sur vos instruments choisis." Il est classé n°10 sur la liste des meilleurs guitaristes de tous les temps, publiée par le magazine Guitar World. Le guitariste Steve Vai sortira son prochain album, "Inviolate", le 28 janvier 2022 en numérique et sur CD (le vinyle arrivera le 18 mars). Selon les mots du musicien : "C'est l'aboutissement de 61 ans d'inspiration et d'entraînement. Il dégage des mélodies succulentes et une pyrotechnie féroce. Il vous élèvera également à des niveaux de plaisir qui feront du reste de votre vie une belle expérience... eh bien, peut-être pas." mais presque".

20220224_La Musica del Segle Passat

 

Compost per 15 cançons, Vanthology destaca els èxits de Van Morrison amb una col·lecció diversa versions. Amb pesos pesats del soul/blues desde Little Milton a Son Seals, l'àlbum contrasta els grans èxits de Morrison, ("Tupelo Honey" i "Brown Eyed Girl") amb els favorits menys coneguts dels primers dies del cantant, ("My Lonely Sad Eyes"). Amb el suport d'una banda sòlida que inclou Jon i Sally Tiven, així com l'antic bateria de Bad Company Simon Kirke, els artistes convidats fan un gran esforç de principi a fi. "Vanthology" és un CD sòlid amb una llista impressionant d'intèrprets destacats. Per als aficionats al soul, el blues i el R&B, l'àlbum oferirà uns bons moments de gaudi escoltant. Per als fanàtics de Van Morrison, l'àlbum pot ser una mica decepcionant, ja que les cançons no tenen el estil i la familiaritat dels enregistraments originals. La comparació justa o no, retre homenatge a algú com Morrison no és una tasca fàcil. Tot i que la imitació és la forma més sincera d'adulatge, no sempre és la més eficaç. La vantologia, però, és sens dubte un intent digne.

Muere Gary Brooker a los 76 años líder del grupo Procol Harum

 

Gary Brooker, el líder del grupo de rock de los años 60 Procol Harum, ha fallecido a los 76 años, según ha confirmado su sello discográfico. El cantante nacido en Londres lideró la banda a lo largo de sus 55 años de historia, coescribiendo y cantando su canción más famosa, A Whiter Shade of Pale de 1967. Fue nombrado OBE en 2003 y A Whiter Shade of Pale fue homenajeado por el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2018. Brooker murió en su casa de cáncer el sábado, dijo la banda en un comunicado. "Iluminó cualquier habitación a la que entraba, y su amabilidad con una familia multilingüe de fans era legendaria", escribieron en homenaje. "Era notable por su individualidad, integridad y, de vez en cuando, una tozuda excentricidad. Su ingenio mordaz y su apetito por el ridículo, le convirtieron en un narrador impagable". Brooker también dio gira con Eric Clapton y Ringo Starr, y tocó con Sir Paul McCartney, Bill Wyman, George Harrison, Alan Parsons Project y muchos otros. Tras 10 álbumes con Procol Harum, el cantante principal, compositor y teclista Gary Brooker lanzó su carrera en solitario con ese álbum. Por supuesto, existían las características familiares de Brooker: el trabajo de piano constante, la voz del alma de caramelo. Pero cambió los socios de la letra para este conjunto (excepto para la canción del título), intercambiando el antiguo vocalista de Procol Keith Reid por Pete Sinfield, que había realizado la misma función para los contemporáneos de Procol King Crimson y Emerson , Lake y Palmer. Brooker también probó un par de canciones del pub-rocker de Stiff Records Mickey Jupp (las versiones de Jupp son mejores) y "Say It Ain't So, Joe" de Murray Head (la versión de Roger Daltrey es mejor). El resultado fue un conjunto variado que logró sonar como otra cosa que el 11º álbum de Procol Harum, aunque no demostraba que Gary Brooker en solitario fuese a una mejora respecto al grupo. Gary Brooker escribió música y letras para todas las canciones de su segundo álbum y actuó como su propio productor, dando lugar quizás a su declaración más personal como artista. A diferencia de No More Fear Of Flying, donde a veces parecía ser el cantante de su propio disco, aquí Brooker ofreció sus canciones con sentimiento, lo que le permitió superar el poder estrella de sus músicos de apoyo, que incluían a Eric Clapton, George Harrison, y Phil Collins. Esto fue en parte porque Brooker ya no sentía la necesidad de separarse del sonido de The Procol Harum que formaba parte de su identidad musical natural. Las letras de Brooker no eran tan filosóficas como las del compañero de escritura Keith Reid, pero podrían ser tan intrigantemente oblicuas. Echoes In The Night era el álbum de todos aquellos fans que llevaban ocho años esperando una reunión de Procol Harum. Además del trabajo de canto y teclado de Gary Brooker, contó con el organista de Procol Matthew Fisher, el letrista Keith Reid y el batería B.J. Wilson. No aparecieron en todos los temas, pero cuando se reunieron, sobre todo en la canción del título (que también contaba con Eric Clapton), "Saw The Fire" y sobre todo el ambicioso "Ghost Train", Procol Harum regresó. Incluso cuando Fisher y Reid no colaboraban, como "Mr. Blue Day", Brooker aspiraba a un enfoque Procol, añadiendo la Orquesta Filarmónica Nacional por ese viejo gusto de art-rock. Como los otros álbumes en solitario de Brooker, éste no llamó mucha atención, pero para cualquiera que estuviera prestando atención, Echoes In The Night fue un recordatorio bienvenido de lo que podía hacer la banda.

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Gary Brooker, the leader of the 60's rock band Procol Harum, has died at the age of 76, according to his record label. The London-born singer has led the band throughout its 55-year history, co-writing and singing his most famous song, A Whiter Shade of Pale in 1967. He was named OBE in 2003 and A Whiter Shade of Pale was honored by the Rock and Roll Hall of Fame in 2018. Brooker died at home of cancer on Saturday, the band said in a statement. "He lit up any room he entered, and his kindness to a multilingual family of fans was legendary," they wrote in tribute. "He was notable for his individuality, integrity and, from time to time, a stubborn eccentricity. His biting wit and his appetite for ridicule made him a priceless narrator." Brooker also toured with Eric Clapton and Ringo Starr, and played with Sir Paul McCartney, Bill Wyman, George Harrison, Alan Parsons Project and many more. After 10 albums with Procol Harum, lead singer, songwriter and keyboardist Gary Brooker launched his solo career with this album. Of course, there were the familiar features of Brooker: the constant piano work, the voice of the caramel soul. But he changed the lyrics partners for this set (except for the title song), swapping former Procol vocalist Keith Reid for Pete Sinfield, who had performed the same role for Procol's contemporaries King Crimson and Emerson. , Lake and Palmer. Brooker also rehearsed a couple of songs from Stiff Records pub-rocker Mickey Jupp (Jupp's versions are better) and Murray Head's "Say It Ain't So, Joe" (Roger Daltrey's version is better). The result was a varied set that managed to sound like something other than Procol Harum's 11th album, although it didn't show that Gary Brooker alone was going to be an improvement over the group. Gary Brooker wrote music and lyrics for all the songs on his second album and acted as his own producer, giving rise to perhaps his most personal statement as an artist. Unlike No More Fear Of Flying, where he sometimes seemed to be the lead singer of his own album, here Brooker offered his songs with feeling, which allowed him to overcome the star power of his supporting musicians, including Eric Clapton, George Harrison, and Phil Collins. This was partly because Brooker no longer felt the need to part with the sound of The Procol Harum that was part of his natural musical identity. Brooker's lyrics were not as philosophical as those of fellow writer Keith Reid, but they could be just as intriguingly oblique. Echoes In The Night was the album of all those fans who had been waiting eight years for a Procol Harum reunion. In addition to Gary Brooker's singing and keyboard work, he featured Procol organist Matthew Fisher, lyricist Keith Reid and drummer B.J. Wilson. They didn’t appear on all of the tracks, but when they came together, mostly in the title song (which also featured Eric Clapton), “Saw The Fire” and most of all the ambitious “Ghost Train,” Procol Harum returned. Even when Fisher and Reid weren’t collaborating, like “Mr. Blue Day,” Brooker aspired to a Procol approach, adding the National Philharmonic Orchestra for that old art-rock taste. Like Brooker's other solo albums, it didn't get much attention, but for anyone who was paying attention, Echoes In The Night was a welcome reminder of what the band could do.

Gary Brooker, le leader du groupe de rock des années 60 Procol Harum, est décédé à l'âge de 76 ans, selon sa maison de disques. Le chanteur né à Londres a dirigé le groupe tout au long de ses 55 ans d'histoire, co-écrivant et chantant ses célèbre chanson, A Whiter Shade of Pale en 1967. Il a été nommé OBE en 2003 et A Whiter Shade of Pale a été honoré par le Rock and Roll Hall of Fame en 2018. Brooker est décédé samedi à la maison d'un cancer, a déclaré le groupe dans un déclaration. "Il illuminait toutes les pièces dans lesquelles il entrait et sa gentillesse envers une famille multilingue de fans était légendaire", ont-ils écrit en hommage. "Il se distinguait par son individualité, son intégrité et, de temps à autre, une excentricité obstinée. Son esprit mordant et son appétit pour le ridicule faisaient de lui un narrateur inestimable." Brooker a également tourné avec Eric Clapton et Ringo Starr, et a joué avec Sir Paul McCartney, Bill Wyman, George Harrison, Alan Parsons Project et bien d'autres. Après 10 albums avec Procol Harum, le chanteur, compositeur et claviériste Gary Brooker a lancé sa carrière solo avec cet album. Bien sûr, il y avait les traits familiers de Brooker : le travail constant au piano, la voix de l'âme caramel. Mais il a changé les partenaires de paroles pour cet ensemble (à l'exception de la chanson titre), échangeant l'ancien chanteur de Procol Keith Reid contre Pete Sinfield, qui avait interprété le même rôle pour les contemporains de Procol King Crimson et Emerson, Lake et Palmer. Brooker a également répété quelques chansons du pub-rocker de Stiff Records Mickey Jupp (les versions de Jupp sont meilleures) et "Say It Ain't So, Joe" de Murray Head (la version de Roger Daltrey est meilleure). Le résultat était un ensemble varié qui a réussi à ressembler à autre chose que le 11e album de Procol Harum, même si cela ne montrait pas que Gary Brooker seul allait être une amélioration par rapport au groupe. Gary Brooker a écrit la musique et les paroles de toutes les chansons de son deuxième album et a agi en tant que son propre producteur, donnant peut-être lieu à sa déclaration la plus personnelle en tant qu'artiste. Contrairement à No More Fear Of Flying, où il semblait parfois être le chanteur principal de son propre album, ici Brooker a offert ses chansons avec émotion, ce qui lui a permis de surmonter le pouvoir de star de ses musiciens de soutien, dont Eric Clapton, George Harrison et Phil Collins. C'était en partie parce que Brooker ne ressentait plus le besoin de se séparer du son de The Procol Harum qui faisait partie de son identité musicale naturelle. Les paroles de Brooker n'étaient pas aussi philosophiques que celles de son collègue écrivain Keith Reid, mais elles pouvaient être tout aussi curieusement obliques. Echoes In The Night était l'album de tous ces fans qui attendaient depuis huit ans une réunion de Procol Harum. En plus du travail de chant et de clavier de Gary Brooker, il a présenté l'organiste Procol Matthew Fisher, le parolier Keith Reid et le batteur B.J. Wilson. Ils ne sont pas apparus sur toutes les pistes, mais quand ils se sont réunis, principalement dans la chanson titre (qui présentait également Eric Clapton), "Saw The Fire" et surtout l'ambitieux "Ghost Train", Procol Harum est revenu. Même lorsque Fisher et Reid ne collaboraient pas, comme "Mr. Blue Day", Brooker aspirait à une approche Procol, ajoutant le National Philharmonic Orchestra pour ce vieux goût art-rock. Comme les autres albums solo de Brooker, il n'a pas attiré beaucoup d'attention, mais pour tous ceux qui y prêtaient attention, Echoes In The Night était un rappel bienvenu de ce que le groupe pouvait faire.

Tears for Fears - The Tipping Point (2022)

 

The Tipping Point es el próximo séptimo álbum de estudio de la banda británica Tears for Fears que se lanzará el 25 de febrero de 2022. Es el primer álbum después de no haber lanzado desde Everybody Loves a Happy Ending (2004) casi dieciocho años antes. Las pistas del álbum incluyen "The Tipping Point", que se lanzó con un video musical en octubre de 2021, así como "My Demons", "Please Be Happy" y "Stay". "Stay" se lanzó anteriormente en la compilación del grupo Rule the World: The Greatest Hits (2017). Las letras de las canciones se inspiraron en la muerte de la esposa de Roland Orzabal en 2017. La creación del álbum resultó difícil para los miembros de la banda Roland Orzabal y Curt Smith, el último de los cuales se alejó del proyecto a mitad de la grabación. Smith le dijo a su compañero de banda: "Mira, si esto es lo que quieres hacer, entonces sigue adelante y hazlo, pero no es para mí". Sin embargo, más tarde se volvieron a reunir y "trazaron un camino hacia adelante de cómo podríamos terminar un álbum con el que ambos estábamos contentos". Algunas letras se inspiraron en la muerte de la esposa de Orzabal en 2017. "The Tipping Point" fue lanzado como el primer sencillo del álbum el 7 de octubre de 2021. El video musical de la canción fue dirigido por Matt Mahurin. El segundo sencillo es "No Small Thing", lanzado el 3 de diciembre de 2021, y acompañado de un video musical collage dirigido por Vern Moen. La canción fue descrita como un punto de reinicio después de que la banda no estaba contenta con la primera versión del álbum, que estaba dominada por pistas que habían sido creadas con productores más jóvenes. El tercer sencillo, "Break the Man", fue lanzado el 13 de enero de 2022. La canción trata sobre el patriarcado y marca la primera vez que Tears for Fears ha lanzado una canción original como un sencillo no co-escrito por Roland Orzabal. (Curt Smith había tuiteado un fragmento de la canción en 2018, pero el coro fue a matar al hombre en lugar de romper al hombre.) Un video animado (dirigido por WeAreMonkeys, con animación de Mihai Wilson y producido por Marcella Moser) se estrenó el 10 de febrero.

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The Tipping Point is the upcoming seventh studio album by British band Tears for Fears to be released on February 25, 2022. It is the first album after not having released since Everybody Loves a Happy Ending (2004) nearly eighteen years earlier. Tracks on the album include "The Tipping Point", which was released with a music video in October 2021, as well as "My Demons", "Please Be Happy", and "Stay". "Stay" was previously released on the group's compilation Rule the World: The Greatest Hits (2017). The lyrics of the songs were inspired by the death of Roland Orzabal's wife in 2017. Creating the album proved difficult for band members Roland Orzabal and Curt Smith, the latter of whom walked away from the project midway through recording. Smith told his bandmate, "Look, if this is what you want to do, then go ahead and do it, but it's not for me." However, they later got back together and "charted a path forward of how we could finish an album that we were both happy with". Some lyrics were inspired by the death of Orzabal's wife in 2017. "The Tipping Point" was released as the album's first single on October 7, 2021. The song's music video was directed by Matt Mahurin. The second single is "No Small Thing", released on December 3, 2021, and accompanied by a collage music video directed by Vern Moen. The song was described as a reset point after the band were unhappy with the first version of the album, which was dominated by tracks that had been created with younger producers. The third single, "Break the Man", was released on January 13, 2022. The song is about patriarchy and marks the first time Tears for Fears has released an original song as a single not co-written by Roland Orzabal. (Curt Smith had tweeted a snippet of the song in 2018, but the chorus went to kill the man instead of break the man.) An animated video (directed by WeAreMonkeys, with animation by Mihai Wilson, and produced by Marcella Moser) premiered. on February 10.

 

The Tipping Point est le septième album studio du groupe britannique Tears for Fears à paraître le 25 février 2022. Il s'agit du premier album après n'avoir pas été publié depuis Everybody Loves a Happy Ending (2004) près de dix-huit ans plus tôt. Les morceaux de l'album incluent "The Tipping Point", qui est sorti avec un clip vidéo en octobre 2021, ainsi que "My Demons", "Please Be Happy" et "Stay". "Stay" était précédemment sorti sur la compilation du groupe Rule the World: The Greatest Hits (2017). Les paroles des chansons ont été inspirées par la mort de la femme de Roland Orzabal en 2017. La création de l'album s'est avérée difficile pour les membres du groupe Roland Orzabal et Curt Smith, ce dernier ayant quitté le projet au milieu de l'enregistrement. Smith a dit à son compagnon de groupe: "Écoute, si c'est ce que tu veux faire, alors vas-y et fais-le, mais ce n'est pas pour moi." Cependant, ils se sont ensuite remis ensemble et "ont tracé une voie à suivre pour terminer un album dont nous étions tous les deux satisfaits". Certaines paroles ont été inspirées par la mort de la femme d'Orzabal en 2017. " The Tipping Point " est sorti en tant que premier single de l'album le 7 octobre 2021. Le clip de la chanson a été réalisé par Matt Mahurin. Le deuxième single est " No Small Thing ", sorti le 3 décembre 2021, et accompagné d'un clip vidéo collage réalisé par Vern Moen. La chanson a été décrite comme un point de réinitialisation après que le groupe n'était pas satisfait de la première version de l'album, qui était dominée par des morceaux créés avec de jeunes producteurs. Le troisième single, " Break the Man ", est sorti le 13 janvier 2022. La chanson parle du patriarcat et marque la première fois que Tears for Fears sort une chanson originale en tant que single non co-écrit par Roland Orzabal. (Curt Smith avait tweeté un extrait de la chanson en 2018, mais le refrain est allé tuer l'homme au lieu de le briser.) Une vidéo animée (réalisée par WeAreMonkeys, avec une animation de Mihai Wilson et produite par Marcella Moser) a été créée. le 10 février.

Camel - The Snow Goose (1975) [Re-recording 2013]

 

¡Esta edición de 2013 de su álbum clásico 'Snow Goose' ha sido completamente y amorosamente regrabada y reempaquetada por Andy Latimer & co.! Inspirado en una historia corta escrita por Paul Gallico, este hermoso álbum fue uno de los lanzamientos más populares de la banda, y ha sido regrabado con amor por la formación de 2013 para coincidir con su gira de regreso europea de otoño. El concepto no es solo una historia atemporal de amor y guerra, es una historia de dignidad y bondad elevada al corazón en las alas de un ganso blanco herido a través de su relación única con dos humanos. Dedicado a la memoria del coguionista y teclista del LP de vinilo original de 1975: Peter Bardens (1945 - 2002), y reconociendo el aporte de Doug Ferguson y Andy Ward por sus contribuciones al concepto, desarrollo y grabación del original. ¡Puedo decirles que esta nueva versión del clásico 'Snow Goose' de la banda progresiva sinfónica favorita de todos es excelente! De la formación de Andy Latimer (guitarras/flauta/teclados), Guy LeBlanc (teclados), Colin Bass (bajo) y Denis Clement (teclados/batería/percusión), esta nueva versión se mantiene básicamente fiel a la original, con algunas pistas revisadas ligeramente. Los sabrosos arreglos y las mejoras realizadas al original para la reciente presentación teatral de 'Snow Goose' son perfectos; sin nada del encanto del original perdido en la traducción.

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This 2013 edition of their classic ‘Snow Goose’ album has been completely & lovingly Re-Recorded & Re-Packaged by Andy Latimer & co.! Inspired by a short story written by Paul Gallico, this beautiful album was one of the band’s most popular releases, and it has been lovingly Re-Recorded by the 2013 line-up to coincide with their autumn European comeback tour. The concept is not only a timeless story of love and war, it is a tale of dignity and kindness lifted to the heart on the wings of an injured Snow Goose through her unique relationship with two humans. Dedicated to the memory of the co-writer and keyboards player on the original 1975 Vinyl LP: Peter Bardens (1945 – 2002), and acknowledging the input from Doug Ferguson and Andy Ward for their contributions to the concept, development and recording of the original album, I can tell you that this brand new version of the classic ‘Snow Goose’ by everybody’s favourite symphonic prog band is superb! From the line-up of Andy Latimer (guitars / flute / keyboards), Guy LeBlanc (keyboards), Colin Bass (bass guitar) and Denis Clement (keyboards / drums / percussion), this new version basically remains faithful to the original, with some tracks revised slightly. The tasty arrangements and enhancements made to the original for the recent stage presentation of ‘Snow Goose’ are perfect; with none of the charm of the original lost in translation.

Cette édition 2013 de leur album classique "Snow Goose" a été entièrement et amoureusement réenregistré et reconditionné par Andy Latimer & co. ! Inspiré d'une nouvelle écrite par Paul Gallico, ce magnifique album était l'une des sorties les plus populaires du groupe, et il a été réenregistré avec amour par le line-up de 2013 pour coïncider avec leur tournée européenne d'automne. Le concept n'est pas seulement une histoire intemporelle d'amour et de guerre, c'est une histoire de dignité et de gentillesse portée au cœur sur les ailes d'une oie des neiges blessée grâce à sa relation unique avec deux humains. Dédié à la mémoire du co-scénariste et claviériste sur le LP vinyle original de 1975 : Peter Bardens (1945 - 2002), et reconnaissant la contribution de Doug Ferguson et Andy Ward pour leurs contributions au concept, au développement et à l'enregistrement de l'original album, je peux vous dire que cette toute nouvelle version du classique 'Snow Goose' du groupe prog symphonique préféré de tous est superbe ! Issu du line-up d'Andy Latimer (guitares/flûte/claviers), Guy LeBlanc (claviers), Colin Bass (guitare basse) et Denis Clement (claviers/batterie/percussions), cette nouvelle version reste fondamentalement fidèle à l'original, avec certaines pistes légèrement révisées. Les arrangements savoureux et les améliorations apportées à l'original pour la récente présentation sur scène de "Snow Goose" sont parfaits ; sans rien du charme de l'original perdu dans la traduction.

Small Faces - Ogdens- Nut Gone Flake (1968) (Sanctuary 2018)

 

No faltaron buenos álbumes psicodélicos que surgieron de Inglaterra en 1967-1968, pero Nut Gone Flake de Ogdens es especial incluso dentro de sus filas. The Small Faces ya habían mostrado una sorprendente adaptabilidad a la psicodelia con el sencillo "Itchycoo Park" y gran parte de su otra producción de 1967, pero Nut Gone Flake de Ogdens prácticamente rompió el sobre. Las bandas británicas tuvieron un acercamiento inusual a la psicodelia desde el principio, a menudo prefiriendo asumir diferentes "personajes" musicales en sus álbumes, ya sea fingiendo "roles" reales en el contexto de un programa de variedades (como en Sgt. Pepper's Lonely de los Beatles). álbum Hearts Club Band), o simplemente como narradores a la manera de Pretty Things en SF Sorrow, o actor/intérprete como en Who's Tommy. The Small Faces probaron un poco de todos estos enfoques en Nut Gone Flake de Ogdens, pero nunca suavizaron su sonido. Edición de tres CD remasterizada digitalmente y ampliada del álbum de 1968 de la banda británica que incluye 26 bonus tracks. Nut Gone Flake de Ogdens es ampliamente considerado como un álbum clásico que se mantuvo en el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido durante seis semanas. El álbum conceptual de dos actos constaba de seis canciones originales en la cara uno y un cuento de hadas psicodélico caprichoso en la cara dos que relata las aventuras de "Happiness Stan" y su necesidad de descubrir a dónde fue la luna cuando menguó. Los críticos quedaron entusiasmados y el álbum se vendió bien, pero la banda se enfrentó al problema práctico de que habían creado una obra maestra de estudio que era prácticamente imposible de recrear en la carretera. Ogdens' se interpretó en su totalidad solo una vez, y memorablemente, en vivo en el estudio en el programa de televisión de la BBC Color Me Pop. Los miembros sobrevivientes Kenny Jones e Ian McLagan han supervisado la remasterización de este álbum.

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There was no shortage of good psychedelic albums emerging from England in 1967-1968, but Ogdens' Nut Gone Flake is special even within their ranks. The Small Faces had already shown a surprising adaptability to psychedelia with the single "Itchycoo Park" and much of their other 1967 output, but Ogdens' Nut Gone Flake pretty much ripped the envelope. British bands had an unusual approach to psychedelia from the get-go, often preferring to assume different musical "pers
onae" on their albums, either feigning actual "roles" in the context of a variety show (as on the Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band album), or simply as storytellers in the manner of the Pretty Things on S.F. Sorrow, or actor/performers as on the Who's Tommy. The Small Faces tried a little bit of all of these approaches on Ogdens' Nut Gone Flake, but they never softened their sound. Digitally remastered and expanded three CD edition of the British band's 1968 album including 26 bonus tracks. Ogdens' Nut Gone Flake is widely regarded as a classic album that stayed #1 in the UK Albums Chart for six weeks. The two-act concept album consisted of six original songs on side one and a whimsical psychedelic fairy tale on side two relating the adventures of "Happiness Stan" and his need to find out where the moon went when it waned. Critics raved, and the album sold well, but the band were confronted by the practical problem that they had created a studio masterpiece which was virtually impossible to recreate on the road. Ogdens' was performed as a whole just once, and memorably, live in the studio on the BBC television program Colour Me Pop. The surviving members Kenny Jones and Ian McLagan have overseen the remastering of this album.

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Les bons albums psychédéliques sortis d'Angleterre en 1967-1968 ne manquaient pas, mais Nut Gone Flake d'Ogdens est spécial même dans leurs rangs. Les Small Faces avaient déjà montré une adaptabilité surprenante au psychédélisme avec le single "Itchycoo Park" et une grande partie de leur autre production de 1967, mais Nut Gone Flake d'Ogdens a à peu près déchiré l'enveloppe. Les groupes britanniques avaient une approche inhabituelle du psychédélisme dès le départ, préférant souvent assumer différents "personnages" musicaux sur leurs albums, soit en simulant de véritables "rôles" dans le contexte d'une émission de variétés (comme sur le Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band album), ou tout simplement comme conteurs à la manière des Pretty Things sur SF Sorrow, ou acteur/interprète comme sur le Who's Tommy. Les Small Faces ont essayé un peu toutes ces approches sur Nut Gone Flake d'Ogdens, mais ils n'ont jamais adouci leur son. Édition numérique remastérisée et augmentée de trois CD de l'album de 1968 du groupe britannique comprenant 26 titres bonus. Nut Gone Flake d'Ogdens est largement considéré comme un album classique qui est resté numéro 1 du classement britannique des albums pendant six semaines. L'album concept en deux actes se composait de six chansons originales sur la première face et d'un conte de fées psychédélique fantaisiste sur la deuxième face relatant les aventures de "Happiness Stan" et son besoin de savoir où la lune allait quand elle déclinait. Les critiques ont déliré et l'album s'est bien vendu, mais le groupe a été confronté au problème pratique qu'il avait créé un chef-d'œuvre de studio qu'il était pratiquement impossible de recréer sur la route. Ogdens n'a été joué dans son ensemble qu'une seule fois, et de manière mémorable, en direct en studio dans l'émission télévisée Color Me Pop de la BBC. Les membres survivants Kenny Jones et Ian McLagan ont supervisé la remasterisation de cet album.

Ozzy Osbourne - Ordinary Man (2020) [Deluxe Edition]

 

Pasó una década entre el álbum Scream de 2010 del ícono del metal Ozzy Osbourne y su seguimiento, Ordinary Man. Su duodécimo esfuerzo de estudio en solitario está cargado de un inesperado crujido de vida que no ha aparecido en un álbum de Ozzy en mucho tiempo. En el tiempo transcurrido desde su último esfuerzo en solitario, Osbourne se reunió con Black Sabbath para realizar una gira y grabar 13, el primer álbum de estudio de Sabbath en el que había cantado desde 1978. Posiblemente rejuvenecido por su tiempo de regreso al timón con uno de los más fundamentales bandas de metal alguna vez, hay un nuevo nivel de pesadez a lo largo de Ordinary Man. Ha habido Sabbath-ismos dispersos a lo largo de gran parte de la producción en solitario de Ozzy, pero rara vez tan descaradamente como los riffs siniestros y el colapso metálico cósmico de canciones como "Under the Graveyard" y la demente "Straight to Hell". Ozzy incluso llega a repetir el "¡Muy bien, ahora!" se escuchó por primera vez en el himno pro-pot de Sabbath de 1971 "Sweet Leaf" para abrir "Straight to Hell". El baterista de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, el ex alumno de Guns N' Roses, Duff McKagan, y el guitarrista Andrew Watt (quien produjo el álbum después de trabajar por primera vez con Osbourne durante su cameo en una canción de Post Malone en 2019) sirven como banda de apoyo y entregan potentes interpretaciones que van desde ataques de metal con toda su fuerza hasta ritmos que cambian rápidamente. El álbum recuerda el poder puro de Black Sabbath, pero también canaliza a Metallica de la era del Black Album en "Today Is the End" y el punk thrash desquiciado en "It's a Raid", asistido por Post Malone. Si bien Ordinary Man es sorprendentemente fuerte, no es un grand slam. La canción principal de la balada de piano por números carece en gran medida de carácter, desperdiciando un dúo extraño de Ozzy y Elton John en una canción que no corre riesgos y no intenta nada nuevo. Pistas menos inspiradas como "Eat Me" y "Scary Little Green Men" encajarían como relleno en cualquier parte de la discografía de Ozzy entre 1986 y 2020, con riffs comunes y la risa maníaca patentada de Osbourne, ambos sintiéndose un poco llamados por teléfono. A pesar de algunos puntos débiles. , Ordinary Man contiene algunos de los mejores trabajos en solitario de Ozzy en años. La producción es enorme, pero la energía es espontánea, suena como si fuera tan divertido de hacer como de escuchar. 71 años cuando se lanzó Ordinary Man, la voz de Osbourne está en gran forma, sonando más o menos como siempre. Nadie sabe cómo está haciendo música tan fuerte después de viajar en el loco tren durante más de medio siglo, pero las mejores canciones aquí se encuentran entre las mejores.

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A decade passed between metal icon Ozzy Osbourne's 2010 album Scream and its follow-up, Ordinary Man. His 12th solo studio effort is charged with an unexpected crackle of life that hasn't graced an Ozzy album in a long time. In the time since his last solo endeavor, Osbourne reunited with Black Sabbath for touring and the recording of 13, the first Sabbath studio album he'd sung on since 1978. Possibly rejuvenated by his time back at the helm with one of the most foundational metal bands ever, there's a new level of heaviness throughout Ordinary Man. There have been Sabbath-isms scattered throughout much of Ozzy's solo output, but rarely as blatantly as the sinister riffing and cosmic metallic breakdown of songs like "Under the Graveyard" and the demented "Straight to Hell." Ozzy even goes so far as to reprise the "Alright now!" first heard on Sabbath's 1971 pro-pot anthem "Sweet Leaf" to open "Straight to Hell." Red Hot Chili Peppers drummer Chad Smith, Guns N' Roses alum Duff McKagan, and guitarist Andrew Watt (who produced the album after first working with Osbourne during his cameo on a Post Malone song in 2019) serve as the backing band, and turn in powerful performances that move from full-force metal attacks to quickly shifting grooves. The album recalls the raw power of Black Sabbath, but also channels Black Album-era Metallica on the creeping, oozy "Today Is the End" and the unhinged punk thrash on the Post Malone-assisted "It's a Raid." While Ordinary Man is surprisingly strong, it's not a grand slam. The by-the-numbers piano ballad title track is largely without character, wasting an odd duet of Ozzy and Elton John on a song that takes no risks and attempts nothing new. Less-inspired tracks like "Eat Me" and "Scary Little Green Men" would fit as filler anywhere in the Ozzy discography between 1986 and 2020, with stock riffs and Osbourne's patented maniacal laughter both feeling a little phoned in. Despite a few weaker spots, Ordinary Man contains some of Ozzy's best solo work in years. The production is huge but the energy is spontaneous, sounding like it was as fun to make as it is to listen to. 71 years old at the time Ordinary Man was released, Osbourne's voice in in great shape, sounding more or less like he always has. How he's making music this strong after riding the crazy train for more than half-a-century is anyone's guess, but the better songs here rank among his best.

 

Une décennie s'est écoulée entre l'album Scream de 2010 de l'icône du métal Ozzy Osbourne et son suivi, Ordinary Man. Son 12e effort solo en studio est chargé d'un crépitement de vie inattendu qui n'a pas honoré un album d'Ozzy depuis longtemps. Depuis sa dernière tentative en solo, Osbourne a retrouvé Black Sabbath pour une tournée et l'enregistrement de 13, le premier album studio de Sabbath sur lequel il avait chanté depuis 1978. Peut-être rajeuni par son retour à la barre avec l'un des plus fondamentaux groupes de métal, il y a un nouveau niveau de lourdeur dans Ordinary Man. Il y a eu des sabbathismes éparpillés dans une grande partie de la production solo d'Ozzy, mais rarement de manière aussi flagrante que les riffs sinistres et la décomposition métallique cosmique de chansons comme "Under the Graveyard" et le dément "Straight to Hell". Ozzy va même jusqu'à reprendre le "Alright now!" entendu pour la première fois sur l'hymne pro-pot de Sabbath en 1971 "Sweet Leaf" pour ouvrir "Straight to Hell". Le batteur des Red Hot Chili Peppers Chad Smith, l'ancien de Guns N 'Roses Duff McKagan et le guitariste Andrew Watt (qui a produit l'album après avoir travaillé pour la première fois avec Osbourne lors de son apparition sur une chanson de Post Malone en 2019) servent de groupe d'accompagnement et se rendent des performances puissantes qui passent d'attaques métalliques à pleine force à des grooves qui changent rapidement. L'album rappelle la puissance brute de Black Sabbath, mais canalise également Metallica de l'ère Black Album sur le "Today Is the End" rampant et suintant et le thrash punk détraqué sur "It's a Raid", assisté par Post Malone. Alors que Ordinary Man est étonnamment fort, ce n'est pas un grand chelem. La chanson titre de la ballade au piano en chiffres est en grande partie sans caractère, gaspillant un étrange duo d'Ozzy et Elton John sur une chanson qui ne prend aucun risque et ne tente rien de nouveau. Des morceaux moins inspirés comme "Eat Me" et "Scary Little Green Men" auraient leur place n'importe où dans la discographie d'Ozzy entre 1986 et 2020, avec des riffs de stock et le rire maniaque breveté d'Osbourne, tous deux un peu téléphonés. Malgré quelques points faibles , Ordinary Man contient certains des meilleurs travaux solo d'Ozzy depuis des années. La production est énorme mais l'énergie est spontanée, sonnant comme si c'était aussi amusant à faire qu'à écouter. Âgé de 71 ans au moment de la sortie d'Ordinary Man, la voix d'Osbourne est en pleine forme, sonnant plus ou moins comme il l'a toujours fait. Personne ne peut deviner comment il fait de la musique si forte après avoir conduit le train fou pendant plus d'un demi-siècle, mais les meilleures chansons ici se classent parmi ses meilleures.

Saxon - Inspirations (2021)

 

Inspirations es el vigésimo tercer álbum de estudio de la banda inglesa de heavy metal Saxon, lanzado el 3 de marzo de 2021 por Silver Lining Music. Compuesto en su totalidad por covers, fue grabado en Brockfield Hall y The Big Silver Barn en York, Reino Unido y producido por Biff Byford. Inspirations consiste en versiones de canciones de varios artistas de las décadas de 1960 y 1970 que influyeron en Saxon a lo largo de los años. Byford dijo: "Queríamos hacer un álbum basado en nuestras influencias, las canciones y las bandas que nos inspiraron a escribir lo que hicimos y seguimos haciendo, y también fue interesante ver lo que mi voz podía hacer, ya que no he cantado muchas de estas canciones antes". Las canciones son en su mayoría del hard rock, Rock psicodélico, Blues rock y géneros de heavy metal. La banda tocó cerca de los estilos musicales de las bandas que cubrieron, pero también agregaron algo de su propio sonido más pesado. Para grabar el álbum, la banda viajó al histórico Brockfield Hall en York, donde tocaron y grabaron las canciones en vivo. Byford grabó su voz en The Big Silver Barn, también en York. Tres videos musicales fueron lanzados de este álbum. El primer video fue lanzado el 11 de diciembre de 2020 para la canción "Paint It Black". El video presenta a un Saxon detrás de escena interpretando la canción en Brockfield Hall, donde se grabó el álbum.El segundo video fue lanzado el 15 de enero de 2021 para la canción "Speed King". El video presenta clips de autos de rally que aceleran por varias pistas. [1] El tercer video es un video lírico de la canción "Paperback Writer". El video consiste en una animación digital de una pluma que escribe las letras de las canciones en papel a medida que se cantan, cortadas con tomas de la carátula del álbum durante las porciones instrumentales.

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Inspirations is the twenty-third studio album by the English heavy metal band Saxon, released on March 3, 2021 by Silver Lining Music. Composed entirely of covers, it was recorded at Brockfield Hall and The Big Silver Barn in York, UK and produced by Biff Byford. Inspirations consists of covers of songs by various artists from the 1960s and 1970s who influenced Saxon over the years. Byford said: "We wanted to make an album based on our influences, the songs and bands that inspired us to write what we did and continue to do, and it was also interesting to see what my voice could do, as I haven't sung many of these. songs before. The songs are mostly from the hard rock, psychedelic rock, blues rock and heavy metal genres. The band played close to the musical styles of the bands they covered, but also added some of their own heavier sound. To record the album, the band traveled to the historic Brockfield Hall in York, where they performed and recorded the songs live. Byford recorded his vocals at The Big Silver Barn, also in York. Three music videos were released from this album. The first video was released on December 11, 2020 for the song "Paint It Black". The video features a Saxon behind the scenes performing the song at Brockfield Hall, where the album was recorded. The second video was released on January 15, 2021 for the song "Speed ​​King". The video features clips of rally cars speeding down various tracks. The third video is a lyric video for the song "Paperback Writer". The video consists of a digital animation of a pen writing the song's lyrics on paper as they are sung, cut with shots of the album art during the instrumental portions.

 

Inspirations est le vingt-troisième album studio du groupe de heavy metal anglais Saxon, sorti le 3 mars 2021 par Silver Lining Music. Composé entièrement de reprises, il a été enregistré au Brockfield Hall et au Big Silver Barn à York, au Royaume-Uni et produit par Biff Byford. Inspirations se compose de reprises de chansons de divers artistes des années 1960 et 1970 qui ont influencé Saxon au fil des ans. Byford a déclaré: "Nous voulions faire un album basé sur nos influences, les chansons et les groupes qui nous ont inspirés pour écrire ce que nous avons fait et continuer à faire, et c'était aussi intéressant de voir ce que ma voix pouvait faire, car je n'ai pas chanté plusieurs de ces chansons avant. Les chansons proviennent principalement des genres hard rock, rock psychédélique, blues rock et heavy metal. Le groupe a joué près des styles musicaux des groupes qu'ils ont couverts, mais a également ajouté certains de leurs propres sons plus lourds. Pour enregistrer l'album, le groupe s'est rendu au Brockfield Hall historique de York, où ils ont interprété et enregistré les chansons en direct. Byford a enregistré sa voix au Big Silver Barn, également à York. Trois vidéoclips sont sortis de cet album. La première vidéo est sortie le 11 décembre 2020 pour la chanson " Paint It Black ". La vidéo présente un Saxon dans les coulisses interprétant la chanson au Brockfield Hall, où l'album a été enregistré.La deuxième vidéo est sortie le 15 janvier 2021 pour la chanson "Speed ​​​​King". La vidéo présente des extraits de voitures de rallye accélérant sur différentes pistes. La troisième vidéo est une vidéo lyrique pour la chanson "Paperback Writer". La vidéo consiste en une animation numérique d'un stylo écrivant les paroles de la chanson sur papier au fur et à mesure qu'elles sont chantées, coupées avec des plans de la pochette de l'album pendant les parties instrumentales.

Status Quo - Bula Quo! (2013)

 

Bula Quo es el trigésimo álbum de estudio y (hasta la fecha) única banda sonora de la banda de rock inglesa Status Quo, fue lanzado el lunes 10 de junio de 2013. Es el último álbum de Status Quo grabado con el baterista Matt Letley, quien anunció su salida de la banda. antes de que se lanzara el álbum. Un álbum doble, su lanzamiento coincide con el primer largometraje de la banda del mismo nombre y presenta muchas de las canciones de esa película. Además de nueve canciones nuevas, el álbum también presenta, en su segundo disco, grabaciones de estudio de cuatro de sus canciones lanzadas anteriormente. Uno de ellos, Living on an Island, es una nueva versión al estilo de Fiji (en consonancia con el escenario de la película), mientras que Rockin' All Over the World aparece en una versión editada especial. Dos grabaciones de estudio más, "Frozen Hero" y "Reality Cheque", fueron seleccionadas del lanzamiento de estudio anterior de la banda, Quid Pro Quo (2011). El álbum también presenta versiones en vivo de otras seis canciones lanzadas anteriormente, que abarcan toda la carrera de la banda desde "Pictures of Matchstick Men" de su álbum debut, Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo (1968) hasta "Beginning of the End" (de la álbum de 2007 En busca del cuarto acorde). Estos temas fueron grabados en concierto durante 2010.

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Bula Quo is the thirtieth studio album and (to date) only soundtrack by English rock band Status Quo, it was released on Monday 10th June, 2013. It the last Status Quo album recorded with drummer Matt Letley, who announced his departure from the band before the album had been released. A double album, its release coincides with the band's first feature film of the same name, and features many of the songs from that movie. In addition to nine new songs, the album also features, on its second disc, studio recordings of four of their previously released songs. One of these – Living on an Island – is a remake in a Fijian style (in keeping with the film's setting), while Rockin' All Over the World features in a special edited version. Two further studio recordings, "Frozen Hero" and "Reality Cheque", were culled from the band's previous studio release, Quid Pro Quo (2011). The album also features live versions of six other previously released songs, spanning the band's entire career from "Pictures of Matchstick Men" from their debut album, Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo (1968) to "Beginning of the End" (from the 2007 album In Search of the Fourth Chord). These tracks were recorded in concert during 2010.

Bula Quo est le trentième album studio et (à ce jour) la seule bande originale du groupe de rock anglais Status Quo, il est sorti le lundi 10 juin 2013. C'est le dernier album de Status Quo enregistré avec le batteur Matt Letley, qui a annoncé son départ du groupe. avant la sortie de l'album. Un double album, sa sortie coïncide avec le premier long métrage du groupe du même nom, et présente de nombreuses chansons de ce film. En plus de neuf nouvelles chansons, l'album comprend également, sur son deuxième disque, des enregistrements en studio de quatre de leurs chansons précédemment publiées. L'un d'eux – Living on an Island – est un remake dans un style fidjien (en accord avec le décor du film), tandis que Rockin' All Over the World est présenté dans une version spéciale éditée. Deux autres enregistrements en studio, "Frozen Hero" et "Reality Check", ont été extraits de la précédente sortie en studio du groupe, Quid Pro Quo (2011). L'album comprend également des versions live de six autres chansons précédemment publiées, couvrant toute la carrière du groupe, de "Pictures of Matchstick Men" de leur premier album, Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo (1968) à "Beginning of the End" (du album de 2007 À la recherche du quatrième accord). Ces morceaux ont été enregistrés en concert en 2010.

Steve Vai - Modern Primitive (2016)

 

Steve Vai y Legacy Recordings están conmemorando el 25 aniversario de "Passion And Warfare" con una edición especial en 2CD del álbum que incluye el primer lanzamiento de las canciones y grabaciones de "Modern Primitive" de Vai. Basado en bocetos de canciones y trabajos en progreso escritos y grabados por Vai luego del lanzamiento de "Flex-Able", su álbum debut, en enero de 1984, Vai completó la música de "Modern Primitive" para su lanzamiento completo. disco del álbum y el segundo CD es la remasterización adicional de "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition". "La música de 'Flex-Able' es tan diferente de la de 'Passion And Warfare' que uno podría preguntarse si el mismo tipo realmente hizo ambos discos", escribe Steve en las notas de la colección. "'Modern Primitive' es el eslabón perdido entre estos dos discos. Es una especie de Cro-Magnon Vai". Recientemente remasterizado de las cintas analógicas originales, el disco "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" incluye, como bonus tracks, cuatro grabaciones inéditas de las sesiones de "Passion And Warfare". "Modern Primitive / Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" se lanzará como una colección física de 2 CD, mientras que cada disco estará disponible como un título separado en todas las plataformas digitales.

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Steve Vai and Legacy Recordings are commemorating the 25th anniversary of "Passion And Warfare" with a special 2CD edition of the album which includes the first-ever release of Vai's "Modern Primitive" songs and recordings. Based on song sketches and works-in-progress penned and recorded by Vai following the release of "Flex-Able", his debut album, in January 1984, the music on "Modern Primitive" has been completed by Vai for release as a full album disc and the second CD is the bonus remastering of the "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition". "The music on 'Flex-Able' is so vastly different from 'Passion And Warfare', one could wonder if the same guy actually made both records," Steve writes in his liner notes for the collection. "'Modern Primitive' is the missing link between these two records. It's sort of Cro-Magnon Vai." Newly remastered from the original analog tapes, the "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" disc includes, as bonus tracks, four previously unreleased recordings from the "Passion And Warfare" sessions. "Modern Primitive / Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" is being released as a 2CD physical collection while each disc will be available as a separate title on all digital platforms.

Steve Vai et Legacy Recordings commémorent le 25e anniversaire de "Passion And Warfare" avec une édition spéciale 2CD de l'album qui comprend la toute première sortie des chansons et enregistrements "Modern Primitive" de Vai. Basée sur des esquisses de chansons et des travaux en cours écrits et enregistrés par Vai après la sortie de "Flex-Able", son premier album, en janvier 1984, la musique de "Modern Primitive" a été complétée par Vai pour une sortie complète. disque de l'album et le deuxième CD est la remasterisation bonus de "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition". "La musique de 'Flex-Able' est tellement différente de 'Passion And Warfare' qu'on pourrait se demander si le même gars a fait les deux disques", écrit Steve dans ses notes de pochette pour la collection. "'Modern Primitive' est le chaînon manquant entre ces deux disques. C'est une sorte de Cro-Magnon Vai." Nouvellement remasterisé à partir des bandes analogiques originales, le disque "Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" comprend, en bonus, quatre enregistrements inédits des sessions "Passion And Warfare". "Modern Primitive / Passion And Warfare 25th Anniversary Edition" est publié sous la forme d'une collection physique de 2 CD, tandis que chaque disque sera disponible sous un titre distinct sur toutes les plateformes numériques.

Steve Harley - Unplugged (2001)

 

En un momento en que todos los artistas que valían la pena, y muchos que deseaban seguir siéndolo, se subían al carro "desenchufado", se hizo cada vez más difícil incluso escuchar esa palabra sin encogerse un poco ante la perspectiva de otra ronda. de éxitos tocados intensamente con guitarras acústicas. Pero incluso en medio de tanta porquería había alguna que otra perla, y la contribución de Steve Harley al género se erige como una de las mejores. Por supuesto, los fanáticos experimentados reconocerán de inmediato a Unplugged como una reedición directa de Stripped to Bare Bones de 1999, pero eso no lo disminuye; tomando una hoja de ese otro elemento básico de la televisión musical, el formato de "narrador", Harley es un presentador muy atractivo, puntuando las canciones con humor y anécdotas, y si presiona el botón de sinceridad "caramba, es realmente genial estar aquí" un poco demasiado a menudo por comodidad, entonces eso también va con el territorio. Ha pasado un cuarto de siglo desde la última vez que se le consideró una fuerza comercial, pero su audiencia es tan devota como siempre, y las canciones también se han mantenido notablemente bien, en particular aquellas (más de la mitad del set) que fueron dibujadas. de los años pico de la carrera de Harley.

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At a time when every artist worth his salt, and a lot who wished they still were, was jumping on the "unplugged" bandwagon, it became increasingly difficult to even hear that word without cringing just a little bit at the prospect of another round of hits strummed earnestly on acoustic guitars. But even amid so much swine there was the occasional pearl, and Steve Harley's contribution to the genre stands as one of the best. Of course, seasoned fans will immediately recognize Unplugged as a straightforward reissue of 1999's Stripped to Bare Bones, but that does not diminish it; taking a leaf from that other music television staple, the "storyteller" format, Harley is a most engaging host, punctuating songs with humor and anecdote, and if he does push the "gee, it's really great to be here" sincerity button a little too often for comfort, then that goes with the territory as well. A quarter of a century had passed since he was last considered a commercial force, yet his audience is as devotedly die-hard as ever, and the songs have held up remarkably well too, particularly those (more than half the set) which were drawn from the peak years of Harley's career.

, À une époque où chaque artiste digne de ce nom, et beaucoup qui souhaitaient qu'ils le soient encore, sautaient dans le train "débranché", il devenait de plus en plus difficile d'entendre ce mot sans reculer un peu à la perspective d'un autre tour de hits grattés sérieusement sur des guitares acoustiques. Mais même au milieu de tant de porcs, il y avait une perle occasionnelle, et la contribution de Steve Harley au genre est l'une des meilleures. Bien sûr, les fans chevronnés reconnaîtront immédiatement Unplugged comme une simple réédition de Stripped to Bare Bones de 1999, mais cela ne le diminue pas; s'inspirant de cet autre incontournable de la télévision musicale, le format "conteur", Harley est un hôte des plus engageants, ponctuant les chansons avec humour et anecdote, et s'il appuie un peu sur le bouton de sincérité "gee, c'est vraiment génial d'être ici" trop souvent pour le confort, alors cela va aussi avec le territoire. Un quart de siècle s'est écoulé depuis qu'il a été considéré pour la dernière fois comme une force commerciale, mais son public est toujours aussi dévoué et inconditionnel, et les chansons ont également remarquablement bien résisté, en particulier celles (plus de la moitié de l'ensemble) qui ont été tirées des années de pointe de la carrière de Harley.

Slade - Slade Alive! (2006)

 

Slade Alive! – The Live Anthology es un álbum recopilatorio en vivo de dos discos de la banda británica de rock Slade. Fue lanzado en agosto de 2006 por Salvo. Alcanzó el número 191 en el Reino Unido. La antología incluye toda la colección de la banda de material en vivo lanzado oficialmente, con la excepción del lado B de 1982 "Merry Xmas Everybody (Live & Kickin')". El disco uno contiene el álbum de 1972 Slade Alive! y el seguimiento de 1978 Slade Alive, Vol. 2. El disco dos contiene Slade on Stage de 1982 y el material de las dos obras extendidas de 1980 Alive at Reading y Xmas Ear Bender. 

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Slade Alive! – The Live Anthology is a two-disc live compilation album by the British rock band Slade. It was released in August 2006 by Salvo. It reached number 191 in the UK. The anthology includes the band's entire collection of officially released live material, with the exception of the 1982 B-side "Merry Xmas Everybody (Live & Kickin')". Disc one contains the 1972 album Slade Alive! and the 1978 follow-up Slade Alive, Vol. 2. Disc two contains 1982's Slade on Stage and material from the two 1980 extended plays Alive at Reading and Xmas Ear Bender.

Slade vivant ! - The Live Anthology est un album de compilation live de deux disques du groupe de rock britannique Slade. Il est sorti en août 2006 chez Salvo. Il a atteint le numéro 191 au Royaume-Uni. L'anthologie comprend toute la collection de matériel live officiellement publié du groupe, à l'exception de la face B de 1982 "Merry Xmas Everybody (Live & Kickin')". Le premier disque contient l'album de 1972 Slade Alive! et le suivi de 1978 Slade Alive, Volume 2. Le deuxième disque contient Slade on Stage de 1982 et du matériel des deux pièces de théâtre prolongées de 1980 Alive at Reading et Xmas Ear Bender.

Lucinda Williams - Runnin' Down a Dream - A Tribute to Tom Petty (2020)

 

Lucinda Williams es una hija del sur americano, nacida en Luisiana, que se enorgullece de su patrimonio y que también entiende las contradicciones y el bagaje que comporta. Tom Petty era un floridiano nativo que también amaba al sur sin hacerse ilusiones, por lo que tiene sentido que Williams sea un fan de Petty y no simplemente como un compositor dotado que respete a otro. Como parte de su serie Jukebox de Lu, diseñada para ayudar a los locales de música independientes a encerrarse durante la pandemia COVID-19, Williams ha cortado un conjunto de sus canciones preferidas de Tom Petty y Runnin 'Down a Dream: En Tribute to Tom Petty canciones sobre la vida del sur, incluidas "Gainesville", "Down South", "Rebels", "Southern Accents" y "Louisiana Rain". Es en estas canciones que parece más comprometida, con un sentimiento de experiencia compartida que informa a sus voces y aporta profundidad a su entrega. Dicho esto, Williams suena mucho en casa en todas las 13 canciones que cubre; "You Wreck Me" parece que fue escrito teniendo en cuenta su desafiante vulnerabilidad; lleva un funk dulce y sutil en "Wildflowers", y ella y su banda aprovechan al máximo el groove killer en el corazón de "You Don't Know How It Feels". Williams grabó este material en directo en el estudio con su banda de música que la apoyaba, y éste era el enfoque correcto para esta música; si la vacilación de la voz es más pronunciada de lo anterior, funciona como un encanto en este contexto y los jugadores encuentran su camino a través de las melodías con seguridad, control y bastante alegre. La sencillez de Runnin 'Down a Dream es una de sus virtudes; estas portadas se documentaron con amor y sin repensar el proceso, y escuchar a Williams explorar el mundo dentro de las canciones de Petty atraerá a los fans de cualquier artista. 

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Lucinda Williams is a South American daughter born in Louisiana who prides herself on her heritage and also understands the contradictions and baggage involved. Tom Petty was a native Floridian who also loved the South without any illusions, so it makes sense for Williams to be a fan of Petty and not just as a gifted composer who respects another. As part of his Lu Jukebox series, designed to help independent music venues close during the COVID-19 pandemic, Williams has cut a set of his favorite songs from Tom Petty and Runnin 'Down a Dream: In Tribute to Tom Petty songs about southern life, including "Gainesville", "Down South", "Rebels", "Southern Accents" and "Louisiana Rain". It is in these songs that she seems most committed, with a sense of shared experience that informs her voices and adds depth to her delivery. That said, Williams sounds great at home on all 13 songs he covers; “You Wreck Me” seems to have been written in light of its challenging vulnerability; she brings a sweet, subtle funk to "Wildflowers," and she and her band make the most of the groove killer at the heart of "You Don't Know How It Feels." Williams recorded this material live in the studio with his backing band, and that was the right approach for that music; if the hesitation of the voice is more pronounced than it was before, it works like a charm in this context and the players find their way through the melodies with confidence, control and cheerful force. The simplicity of Runnin ’Down in Dream is one of its virtues; these covers were lovingly documented and without rethinking the process, and listening to Williams explore the world within Petty’s songs will appeal to fans of any artist.

Lucinda Williams est une fille sud-américaine née en Louisiane qui est fière de son héritage et comprend également les contradictions et les bagages impliqués. Tom Petty était un Floridien natif qui aimait aussi le Sud sans aucune illusion, il est donc logique que Williams soit un fan de Petty et pas seulement en tant que compositeur doué qui respecte les autres. Dans le cadre de sa série Lu Jukebox, conçue pour aider les salles de musique indépendantes à fermer pendant la pandémie de COVID-19, Williams a coupé un ensemble de ses chansons préférées de Tom Petty et Runnin 'Down a Dream: In Tribute to Tom Petty chansons sur la vie du sud , y compris "Gainesville", "Down South", "Rebels", "Southern Accents" et "Louisiana Rain". C'est dans ces chansons qu'elle semble la plus engagée, avec un sentiment d'expérience partagée qui informe ses voix et ajoute de la profondeur à son interprétation. Cela dit, Williams sonne bien à la maison sur les 13 chansons qu'il reprend; "You Wreck Me" semble avoir été écrit à la lumière de sa vulnérabilité difficile; elle apporte un funk doux et subtil à "Wildflowers", et elle et son groupe tirent le meilleur parti du tueur de groove au cœur de "You Don't Know How It Feels". Williams a enregistré ce matériel en direct en studio avec son groupe de soutien, et c'était la bonne approche pour cette musique ; si l'hésitation de la voix est plus prononcée qu'auparavant, elle fonctionne comme un charme dans ce contexte et les musiciens s'y retrouvent dans les mélodies avec assurance, maîtrise et force enjouée. La simplicité de Runnin 'Down in Dream est l'une de ses vertus ; ces reprises ont été documentées avec amour et sans repenser le processus, et écouter Williams explorer le monde dans les chansons de Petty plaira aux fans de n'importe quel artiste.

Bob Dylan - Rough and Rowdy Ways (2020)

 

Rough and Rowdy Ways es el álbum de estudio número 39 del cantautor estadounidense Bob Dylan, lanzado el 19 de junio de 2020 a través de Columbia Records. Es el primer álbum de canciones originales de Dylan desde su álbum Tempest de 2012, luego de un trío de álbumes que cubrieron los estándares tradicionales del pop. El álbum fue precedido por los sencillos "Murder Most Foul", "I Contain Multitudes" y "False Prophet". Rough and Rowdy Ways fue lanzado como un álbum doble, con la totalidad del segundo disco dedicado a "Murder Most Foul". Cuenta con contribuciones de Fiona Apple y Blake Mills. Las reseñas iniciales fueron abrumadoramente positivas, obteniendo una calificación de 95/100 de Metacritic basada en 22 reseñas. Neil McCormick de The Daily Telegraph otorgó al álbum cinco estrellas de cinco. Anne Margaret Daniel, que hace una reseña para Hot Press, dijo que "Rough and Rowdy Ways es un disco que necesitamos en este momento, y perdurará". Mikael Wood, en Los Angeles Times, dijo que el álbum "despliega una maravilla tras otra". Escribiendo para Slate, Carl Wilson calificó el lanzamiento de Dylan como el mejor en "muchos años, tal vez décadas" por la amplitud de sus referencias culturales y la profundidad de las letras y la composición de Dylan. Jon Pareles, crítico musical en jefe de The New York Times, calificó el álbum como una "Elección de la crítica", y describió sus canciones como "a partes iguales, atormentadas por la muerte y cascarrabias", rivalizando con "la convicción sombría y de humor negro de sus álbumes Time Out of Mente (1997) y Amor y robo (2001)." Escribiendo para The Telegraph India, Jaimin Rajani dijo que este lanzamiento brinda un respiro y diversidad. Ken Tucker de Fresh Air de NPR le dio al lanzamiento una crítica positiva por su diversidad musical.

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Rough and Rowdy Ways is the 39th studio album by American singer-songwriter Bob Dylan, released on June 19, 2020, through Columbia Records. It is Dylan's first album of original songs since his 2012 album Tempest, following a trio of albums that covered traditional pop standards. The album was preceded by the singles "Murder Most Foul", "I Contain Multitudes", and "False Prophet". Rough and Rowdy Ways was released as a double album, with the entirety of the second disc being dedicated to "Murder Most Foul". It features contributions from Fiona Apple and Blake Mills. Initial reviews were overwhelmingly positive, earning a 95/100 rating from Metacritic based on 22 reviews. Neil McCormick of The Daily Telegraph awarded the album five stars out of five. Anne Margaret Daniel, reviewing for Hot Press, said "Rough and Rowdy Ways is a record we need right now, and it will endure." Mikael Wood, in the Los Angeles Times, said the album "rolls out one marvel after another." Writing for Slate, Carl Wilson called the release Dylan's best in "many years, maybe decades" for the breadth of its cultural references and the depth of Dylan's lyrics and songwriting. Jon Pareles, chief music critic for The New York Times, labeled the album a "Critic's Pick," describing its songs as "equal parts death-haunted and cantankerous," rivaling "the grim, gallows-humored conviction of his albums Time Out of Mind (1997) and Love and Theft (2001)." Writing for The Telegraph India, Jaimin Rajani said this release brings respite and diversity. Ken Tucker of NPR's Fresh Air gave the release a positive review for its musical diversity.

Rough and Rowdy Ways est le 39e album studio de l'auteur-compositeur-interprète américain Bob Dylan, sorti le 19 juin 2020, via Columbia Records. Il s'agit du premier album de chansons originales de Dylan depuis son album Tempest de 2012, après un trio d'albums qui couvraient les standards pop traditionnels. L'album a été précédé des singles " Murder Most Foul ", " I Contain Multitudes " et " False Prophet ". Rough and Rowdy Ways est sorti en double album, l'intégralité du deuxième disque étant dédiée à "Murder Most Foul". Il présente des contributions de Fiona Apple et Blake Mills. Les critiques initiales ont été extrêmement positives, obtenant une note de 95/100 de Metacritic sur la base de 22 critiques. Neil McCormick du Daily Telegraph a attribué à l'album cinq étoiles sur cinq. Anne Margaret Daniel, critique pour Hot Press, a déclaré: "Rough and Rowdy Ways est un disque dont nous avons besoin en ce moment, et il durera." Mikael Wood, dans le Los Angeles Times, a déclaré que l'album "déploie une merveille après l'autre". Écrivant pour Slate , Carl Wilson a qualifié la sortie de Dylan de la meilleure depuis "de nombreuses années, peut-être des décennies" pour l'étendue de ses références culturelles et la profondeur des paroles et de l'écriture de Dylan. Jon Pareles, critique musical en chef du New York Times, a qualifié l'album de "Critic's Pick", décrivant ses chansons comme "à parts égales hantées par la mort et acariâtres", rivalisant avec "la sombre conviction pleine d'humour de ses albums Time Out of Mind (1997) et Love and Theft (2001)." Écrivant pour The Telegraph India, Jaimin Rajani a déclaré que cette sortie apporte répit et diversité. Ken Tucker de Fresh Air de NPR a donné à la sortie une critique positive pour sa diversité musicale.