Genesis - 1970 - 1975 (2008) @320

 

Genesis 1970–1975 és una caixa de cinc àlbums d'estudi de Genesis amb Peter Gabriel. Va ser llançat el 10 de novembre de 2008 a Europa per EMI i l'11 de novembre de 2008 a Amèrica del Nord per Atlantic/Rhino. La caixa de 7 CD/6 DVD inclou versions remesclades recentment dels àlbums Trespass, Nursery Cryme, Foxtrot, Selling England by the Pound i The Lamb Lies Down on Broadway. L'àlbum debut de la banda de 1969, From Genesis to Revelation, va ser exclòs perquè la banda en va perdre els drets. El cinquè parell de discos inclou cançons de cara B, 3 cançons rares de BBC Sessions el 1970 i la banda sonora mai publicada de Genesis Plays Jackson. Cada DVD addicional inclou versions d'àudio dels àlbums en so envoltant 5.1, així com vídeos de la gira corresponent de cada àlbum, noves entrevistes i galeries de fotos. La versió europea inclou CD/SACD Hybrids en lloc dels CD estàndard. EMI també va llançar una caixa de vinil de sis discos d'edició limitada que contenia els àlbums originals només el 24 de novembre de 2008. Genesis 1970–1975 va aparèixer a la setena posició del "Top 100 Recommended CD Reviews of All Time" a All About Jazz. Des de llavors ha caigut a la posició nou. El 2010 el box set va rebre una nominació als Grammy al millor àlbum de so envoltant.

Genesis 1970–1975 is a box set of five studio albums by Genesis featuring Peter Gabriel. It was released on 10 November 2008 in Europe by EMI and on 11 November 2008 in North America by Atlantic/Rhino. The 7-CD/6-DVD box set includes newly remixed versions of the albums Trespass, Nursery Cryme, Foxtrot, Selling England by the Pound and The Lamb Lies Down on Broadway. The band's 1969 debut album, From Genesis to Revelation, was excluded because of the band losing the rights to it. The fifth pair of discs includes B-side songs, 3 rare songs from BBC Sessions in 1970 and the never-before-released Genesis Plays Jackson soundtrack. Each bonus DVD features audio versions of the albums in 5.1 surround sound, as well as videos from each album's corresponding tour, new interviews, and photo galleries. The European version includes CD/SACD Hybrids instead of standard CDs. EMI also released a limited edition six disc vinyl box set containing the original albums only on 24 November 2008. Genesis 1970–1975 appeared at position seven in the "Top 100 Recommended CD Reviews of All Time" at All About Jazz. It has since fallen to position nine. In 2010 the box set received a Grammy Award nomination for Best Surround Sound Album.

Genesis 1970–1975 est un coffret de cinq albums studio de Genesis mettant en vedette Peter Gabriel. Il est sorti le 10 novembre 2008 en Europe par EMI et le 11 novembre 2008 en Amérique du Nord par Atlantic/Rhino. Le coffret de 7 CD/6 DVD comprend de nouvelles versions remixées des albums Trespass, Nursery Cryme, Foxtrot, Selling England by the Pound et The Lamb Lies Down on Broadway. Le premier album du groupe en 1969, From Genesis to Revelation , a été exclu car le groupe en a perdu les droits. La cinquième paire de disques comprend des chansons de la face B, 3 chansons rares de BBC Sessions en 1970 et la bande originale inédite de Genesis Plays Jackson. Chaque DVD bonus contient des versions audio des albums en son surround 5.1, ainsi que des vidéos de la tournée correspondante de chaque album, de nouvelles interviews et des galeries de photos. La version européenne comprend des hybrides CD/SACD au lieu de CD standard. EMI a également sorti un coffret vinyle de six disques en édition limitée contenant les albums originaux uniquement le 24 novembre 2008. Genesis 1970–1975 est apparu à la septième position dans le "Top 100 des critiques de CD recommandées de tous les temps" à All About Jazz. Il est depuis tombé à la neuvième position. En 2010, le coffret a reçu une nomination aux Grammy Awards pour le meilleur album de son surround.

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Alan White muere con 72 años

 

Alan White (14 de junio de 1949 - 26 de mayo de 2022) fue un baterista y compositor inglés, mejor conocido por su paso por la banda de rock progresivo Yes. Se unió a Yes en 1972 como reemplazo del baterista original Bill Bruford. Tras la muerte del bajista Chris Squire en 2015, White se convirtió en el miembro más antiguo de la banda y el único miembro, además de Squire, que nunca abandonó la banda antes de su muerte en 2022. En 1969, White se unió a la Plastic Ono Band de John Lennon y Yoko Ono, después de que Lennon lo invitara a tocar en el festival Toronto Rock and Roll Revival, seguido de un espectáculo en el Lyceum Ballroom. En particular, tocó la batería en los sencillos "Instant Karma!" e "Imagine", así como en ocho de las diez pistas del álbum Imagine de Lennon de 1971. Además de su trabajo con Yes y John Lennon, White actuó en más de 50 álbumes de otros músicos, en particular George Harrison, Ginger Baker's Air Force, Terry Reid, Joe Cocker y The Ventures. White fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, como miembro de Yes, en 2017.

Alan White (14 June 1949 – 26 May 2022) was an English drummer and songwriter, best known for his tenure in the progressive rock band Yes. He joined Yes in 1972 as a replacement for original drummer Bill Bruford. Following the death of bassist Chris Squire in 2015, White became the longest-remaining member in the band and the only member besides Squire to never leave the band prior to his death in 2022. In 1969, White joined John Lennon and Yoko Ono's Plastic Ono Band, after Lennon invited him to play at the Toronto Rock and Roll Revival festival, followed by a show at the Lyceum Ballroom. He notably played drums on the singles "Instant Karma!" and "Imagine", as well as on eight of the ten tracks on Lennon's 1971 Imagine album. In addition to his work with Yes and John Lennon, White performed on over 50 albums by other musicians, notably George Harrison, Ginger Baker's Air Force, Terry Reid, Joe Cocker and The Ventures. White was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, as a member of Yes, in 2017.

Alan White (14 juin 1949 - 26 mai 2022) était un batteur et auteur-compositeur anglais, surtout connu pour son mandat dans le groupe de rock progressif Yes. Il rejoint Yes en 1972 en remplacement du batteur d'origine Bill Bruford. Après la mort du bassiste Chris Squire en 2015, White est devenu le membre le plus ancien du groupe et le seul membre en plus de Squire à ne jamais quitter le groupe avant sa mort en 2022. En 1969, White rejoint le Plastic Ono Band de John Lennon et Yoko Ono, après que Lennon l'ait invité à jouer au festival Rock and Roll Revival de Toronto, suivi d'un spectacle au Lyceum Ballroom. Il a notamment joué de la batterie sur les singles "Instant Karma!" et "Imagine", ainsi que sur huit des dix pistes de l'album Imagine de Lennon en 1971. En plus de son travail avec Yes et John Lennon, White a joué sur plus de 50 albums d'autres musiciens, notamment George Harrison, Ginger Baker's Air Force, Terry Reid, Joe Cocker et The Ventures. White a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, en tant que membre de Yes, en 2017.

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Crazy Horse - Scratchy - Complete Reprise Recordings (2005)

 

És possible que Neil Young no permeti mai que s'alliberin les seves sortides de Reprise, però això no vol dir que no hi hagi moltes coses igualment interessants d'una òrbita propera a la seva que no es puguin gaudir, i Rhino Handmade ha colpejat un fil matern amb això. conjunt de doble CD, que ofereix molt més del que els fans de Crazy Horse poden esperar. Gràcies a la seva complicada història de membres i una sèrie de canvis d'etiqueta, Crazy Horse va tenir una de les històries de llançament més estranyes de gairebé qualsevol banda dels anys 70 i, fins a cert punt, el seu so està per tot el mapa. Scratchy: The Complete Reprise Recordings, tanmateix, fa un argument fort per a la primacia de la primera formació i el seu treball a Reprise, reunint tots els seus treballs publicats per al segell més l'equivalent al valor d'un àlbum de preses i espots de ràdio, i dos temes de Danny & the Memories, el grup que va precedir cinc anys aproximadament la formació de Crazy Horse. L'àlbum de debut homònim del grup ha sortit i esgotat durant els darrers 34 anys, però aquí s'ha remasteritzat amb el tipus d'atenció que fa que soni com si s'estigués escoltant per primera vegada el so proper de les guitarres acústiques. a "I Don't Want to Talk About It" i els rugits instruments elèctrics de "Gone Dead Train", "Dance, Dance, Dance" i "Downtown" són impressionants per a aquestes orelles, els números més durs ara mostren el poder brut i impacte que el grup desprenia a l'escenari; la feina de remasterització ha desfet l'inevitable procés d'aplanament que va tenir lloc en el llançament del vinil, de manera que el baix de Billy Talbot, en particular, té ara un aparador assassí, i el piano de Jack Nitzsche a "Carolay" té tant toc com les guitarres acústiques massives que porten. la figura del ritme al centre de la cançó. A més, la nitidesa del so ha fet que el cant tingui un gran detall, si l'LP hagués sonat tan fort i potent, aquesta banda podria haver vist l'èxit que es mereixia. La segona meitat del primer CD s'omple amb els temes del seu segon disc, Loose; gràcies als canvis de formació posteriors que es van produir, estan una mica decepcionats després de les 11 joies de Crazy Horse, encara que no estan malament en els seus propis termes: el grup toca amb menys força melòdica i inventiva bruta, però compensa amb molt d'entusiasme i vibracions positives en el seu so, especialment en els números acústics com el magnífic "One Thing I Love" o "All Alone Now". El veritable plaer, però, és el segon disc, que s'obre amb una sèrie de sortides extraordinàries, inclosa la cançó del títol: les sortides sonen increïbles i tenen una reproducció excepcional, i "Scratchy" per si sol val el preu de l'entrada, 12 minuts. d'una interacció elèctrica impressionant; i el segueix la magnífica peça acústica "Dear Song Singer", més una versió llarga de "Downtown"; el primer tall de Danny & the Memories, "Can't Help Loving That Girl", va ser, al seu temps, un retrocés a l'estil doo wop de principis dels anys 60, mentre que el segon, "Don't Go", va ser molt més. contemporània cap al 1965. El conjunt té un disseny atractiu, amb butxaques separades per a cada disc i un llibret de disseny preciós amb una àmplia anotació, tot en un paquet d'estil de caixa molt pràctic. És una ganga per a qualsevol fan d'aquesta banda o de qualsevol dels seus membres, i val la pena trobar-la.

Neil Young may not ever allow his Reprise outtakes to be released, but that doesn't mean there's not a lot of equally cool stuff from an orbit near his that can't be enjoyed -- and Rhino Handmade has hit a mother lode with this double-CD set, which offers a lot more than even dedicated Crazy Horse fans may expect. Thanks to their convoluted membership history and a series of label changes, Crazy Horse had one of the stranger release histories of almost any '70s band their stuff and, to some extent, their sound are all over the map. Scratchy: The Complete Reprise Recordings makes a strong case, however, for the primacy of the first lineup and their work on Reprise, assembling all of their released work for the label plus the equivalent of an album's worth of outtakes and radio spots, and two tracks by Danny & the Memories, the group that preceded the formation of Crazy Horse by five years or so. The group's self-titled debut album has bounced in and out of print for the last 34 years, but here it's been remastered with the kind of attention that makes it sound like one is hearing it for the first time the close sound of the acoustic guitars on "I Don't Want to Talk About It" and the roaring electric instruments on "Gone Dead Train," "Dance, Dance, Dance," and "Downtown" are impressive to these ears, the harder-rocking numbers now displaying the raw power and impact that the group exuded on-stage; the remastering job has undone the inevitable flattening process that went into the vinyl release, so that Billy Talbot's bass, in particular, now gets a killer showcase, and Jack Nitzsche's piano on "Carolay" gets as much play as the massed acoustic guitars that carry the rhythm figure at the center of the song. What's more, the crispness of the sound has brought the singing out in vivid detail if the LP could have sounded this bracing and powerful, this band might well have seen the success it deserved. The second half of the first CD is filled out with the tracks off of their second album, Loose; thanks to the ensuing lineup changes that took place, they're a bit of a letdown after the 11 gems from Crazy Horse, though not bad on their own terms -- the group plays from less melodic strength and raw inventiveness, but make up for it with a lot of enthusiasm and positive vibes in their sound, especially on the acoustic numbers such as the gorgeous "One Thing I Love" or "All Alone Now." The real treat, however, is the second disc, which opens with a string of extraordinary outtakes, including the title track -- the outtakes sound incredible and feature exceptional playing, and "Scratchy" by itself is worth the price of admission, 12 minutes of stunning electric interaction; and it's followed by the gorgeous acoustic piece "Dear Song Singer," plus a long version of "Downtown"; the first Danny & the Memories cut, "Can't Help Loving That Girl," was, in its own time, a throwback to early-'60s doo wop style, while the second, "Don't Go," was much more contemporary circa 1965. The set is attractively designed, with separate pockets for each disc and a beautifully designed booklet with extensive annotation, all in a very practical slipcase-style package. It's a bargain for any fan of this band or any of its members, and worth tracking down.

Neil Young n'autorisera peut-être jamais la sortie de ses prises de Reprise, mais cela ne signifie pas qu'il n'y a pas beaucoup de choses tout aussi cool d'une orbite proche de la sienne qui ne peuvent pas être appréciées – et Rhino Handmade a frappé un filon mère avec ça double CD, qui offre bien plus que ce que même les fans de Crazy Horse peuvent attendre. Grâce à leur histoire d'adhésion alambiquée et à une série de changements de label, Crazy Horse avait l'une des histoires de sortie les plus étranges de presque tous les groupes des années 70 et, dans une certaine mesure, leur son est partout sur la carte. Scratchy: The Complete Reprise Recordings plaide cependant en faveur de la primauté de la première formation et de leur travail sur Reprise, rassemblant tous leurs travaux sortis pour le label plus l'équivalent de la valeur d'un album en extraits et spots radio, et deux morceaux de Danny & the Memories, le groupe qui a précédé la formation de Crazy Horse d'environ cinq ans. Le premier album éponyme du groupe a été imprimé et épuisé au cours des 34 dernières années, mais ici, il a été remasterisé avec le genre d'attention qui donne l'impression que l'on entend pour la première fois le son proche des guitares acoustiques. sur "I Don't Want to Talk About It" et les instruments électriques rugissants sur "Gone Dead Train", "Dance, Dance, Dance" et "Downtown" sont impressionnants pour ces oreilles, les numéros les plus durs affichant maintenant le la puissance brute et l'impact que le groupe dégageait sur scène ; le travail de remasterisation a annulé l'inévitable processus d'aplatissement qui accompagnait la sortie du vinyle, de sorte que la basse de Billy Talbot, en particulier, obtient désormais une vitrine de tueur, et le piano de Jack Nitzsche sur "Carolay" obtient autant de jeu que les guitares acoustiques massives qui portent la figure rythmique au centre de la chanson. De plus, la netteté du son a fait ressortir le chant dans les moindres détails si le LP aurait pu sonner aussi vivifiant et puissant, ce groupe aurait bien pu connaître le succès qu'il méritait. La seconde moitié du premier CD est remplie des morceaux de leur deuxième album, Loose; grâce aux changements de line-up qui ont suivi, ils sont un peu déçus après les 11 joyaux de Crazy Horse, mais pas mal selon leurs propres termes - le groupe joue avec moins de force mélodique et d'inventivité brute, mais compense avec beaucoup d'enthousiasme et des vibrations positives dans leur son, en particulier sur les morceaux acoustiques tels que le magnifique "One Thing I Love" ou "All Alone Now". Le vrai régal, cependant, est le deuxième disque, qui s'ouvre sur une série de prises extraordinaires, y compris la chanson titre - les prises sonnent incroyables et offrent un jeu exceptionnel, et "Scratchy" vaut à lui seul le prix d'entrée, 12 minutes d'une interaction électrique époustouflante ; et il est suivi par la magnifique pièce acoustique "Dear Song Singer", plus une longue version de "Downtown"; la première coupe de Danny & the Memories, "Can't Help Loving That Girl", était, à son époque, un retour au style doo wop du début des années 60, tandis que la seconde, "Don't Go", était beaucoup plus contemporain vers 1965. L'ensemble est joliment conçu, avec des pochettes séparées pour chaque disque et un livret magnifiquement conçu avec de nombreuses annotations, le tout dans un emballage de style étui très pratique. C'est une bonne affaire pour tout fan de ce groupe ou de l'un de ses membres, et cela vaut la peine d'être recherché.

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20220526_La Musica del Segle Passat (Taco Sal)

Taco Sal

Banda formada en canarias hace 15 años por

+Moisés Alberto- Vocalista y Guitarra

+Roberto Alayon- Batería

+Alberto Delgado- Bajo

+Andreas Dehner- Guitarra

Su primer Ep. “Adiccion Natural”

Van Morrison - What’s It Gonna Take (2022)

 

Van Morrison és un dels veritables originals de la música: totalment únic i inspirador amb un llegat que abasta les últimes set dècades. Nascut a Belfast el 1945 i inspirat en el blues, el country i el gospel, va formar la banda de R&B de gran èxit Them el 1964 abans de passar a un regne diferent com a artista solista. Un dels artistes discogràfics més prolífics i els intèrprets en directe que més han treballat de la seva època, Van Morrison ha creat un catàleg inigualable de llançaments que es mou sense esforç a través de la seva infinitat d'influències, com ara poesia de carrer visionària, jazz, swing, skiffle i arrels celtes i inclou algunes d'elles. les cançons més estimades del segle XX. També ha aconseguit mantenir una ètica de treball tant a l'escenari com a l'estudi que faria vergonya als artistes més joves. Què prendrà? és el 43è àlbum d'estudi de Van Morrison. Què prendrà? inclou quinze noves composicions de Van Morrison que reflecteixen col·lectivament l'impuls infatigable de l'artista per gravar i actuar en directe davant del públic. L'àlbum va precedit per Pretending, una magnífica cançó de soul inquieta, en línia a tot arreu ara, i va ser produït per Van Morrison i va ser gravat entre Real World Studios (Wiltshire), Bath Spa Hotel (Bath), Richard Dunn's Studio, Culloden Hotel (Co. Down) Holywood Studio (Co. Down) i Musicbox Studios (Cardiff).

 

Van Morrison is one of music’s true originals - utterly unique and inspirational with a legacy that spans the last seven decades. Born in Belfast in 1945 and inspired by blues, country and gospel, he formed the hugely successful R&B band Them in 1964 before moving on to a different realm as a solo artist. One of the most prolific recording artists and hardest working live performers of his era, Van Morrison has crafted an unparalleled catalogue of releases that moves effortlessly through his myriad influences, including visionary street poetry, jazz, swing, skiffle and Celtic roots and includes some of the best loved songs of the 20th century. He has also managed to maintain a work ethic both on stage and in the studio that would shame younger artists. What’s It Gonna Take? is Van Morrison’s 43rd studio album. What’s It Gonna Take? features fifteen new Van Morrison compositions that collectively reflect the artist’s indefatigable drive to record and perform live in front of audiences. The album is preceded by Pretending - a gorgeous restless soul track, online everywhere now - and was produced by Van Morrison and was recorded between Real World Studios (Wiltshire), Bath Spa Hotel (Bath), Richard Dunn’s Studio, Culloden Hotel (Co. Down) Holywood Studio (Co. Down) and Musicbox Studios (Cardiff).

Van Morrison est l'un des véritables originaux de la musique - tout à fait unique et inspirant avec un héritage qui s'étend sur les sept dernières décennies. Né à Belfast en 1945 et inspiré par le blues, la country et le gospel, il a formé le groupe R&B à succès Them en 1964 avant de passer à un autre domaine en tant qu'artiste solo. L'un des artistes d'enregistrement les plus prolifiques et des interprètes live les plus travaillants de son époque, Van Morrison a créé un catalogue inégalé de sorties qui se déplace sans effort à travers ses myriades d'influences, y compris la poésie de rue visionnaire, le jazz, le swing, le skiffle et les racines celtiques et comprend certaines des les chansons les plus aimées du 20e siècle. Il a également réussi à maintenir une éthique de travail à la fois sur scène et en studio qui ferait honte aux jeunes artistes. Qu'est-ce que ça va prendre ? est le 43e album studio de Van Morrison. Qu'est-ce que ça va prendre ? présente quinze nouvelles compositions de Van Morrison qui reflètent collectivement la volonté infatigable de l'artiste d'enregistrer et de se produire en direct devant le public. L'album est précédé de Pretending - un magnifique morceau soul agité, en ligne partout maintenant - et a été produit par Van Morrison et a été enregistré entre Real World Studios (Wiltshire), Bath Spa Hotel (Bath), Richard Dunn's Studio, Culloden Hotel (Co. Down) Holywood Studio (Co. Down) et Musicbox Studios (Cardiff). 

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Gary Wright - Gary Wright's Extraction (1971) + Footprint (1972) [2005]

 

Gary Wright és un cantant, compositor, músic i compositor nord-americà conegut per les seves cançons d'èxit de 1976 "Dream Weaver" i "Love Is Alive", i pel seu paper en ajudar a establir el sintetitzador com a instrument líder en la música rock i pop. L'àlbum innovador de Wright, The Dream Weaver (1975), va arribar després d'haver passat set anys a Londres com, alternativament, membre de la banda britànica de heavy rock Spooky Tooth i solista a A&M Records. Mentre estava a Anglaterra, va tocar els teclats al triple àlbum All Things Must Pass (1970) de l'antic Beatle George Harrison, de manera que va començar una amistat que va inspirar els temes religiosos indis i l'espiritualitat inherent a la posterior composició de cançons de Wright. El seu treball des de finals de la dècada de 1980 ha abraçat la música del món i el gènere new age, tot i que cap dels seus llançaments posteriors a 1976 ha igualat la popularitat de The Dream Weaver. Un antic actor infantil, Wright va actuar a Broadway a l'èxit musical Fanny abans d'estudiar medicina i després psicologia a Nova York i Berlín. Després de conèixer Chris Blackwell d'Island Records a Europa, Wright es va traslladar a Londres, on va ajudar a establir Spooky Tooth com un acte popular en directe. També va ser el principal compositor de cançons de la banda en els seus enregistraments, entre ells, els coneguts àlbums Spooky Two (1969) i You Broke My Heart So I Busted Your Jaw (1973). El seu àlbum en solitari Footprint (1971), gravat amb contribucions d'Harrison, va coincidir amb la formació de l'efímera banda de Wright Wonderwheel, que incloïa el guitarrista Mick Jones. A més, durant la dècada de 1970, Wright va tocar en enregistraments notables de B.B. King, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, Harry Nilsson i Ronnie Spector, mentre que la seva associació musical amb Harrison va perdurar fins poc abans de la mort d'aquest últim el 2001. Wright va dedicar-se a la banda sonora de pel·lícules a principis dels anys vuitanta, inclosa la regravació de la seva cançó més popular, "Dream Weaver", per a la comèdia de 1992 Wayne's World. Després de la gira de reunió de Spooky Tooth el 2004, Wright ha actuat en directe amb freqüència, ja sigui com a membre de la Starr's All-Starr Band, amb la seva pròpia banda en directe, o en posteriors reunions de Spooky Tooth. Els àlbums en solitari més recents de Wright, inclosos Waiting to Catch the Light (2008) i Connected (2010), s'han publicat al seu segell discogràfic Larklio. El 2014, Jeremy P. Tarcher va publicar l'autobiografia de Wright, Dream Weaver: Music, Meditation, and My Friendship with George Harrison.

Gary Wright is an American singer, songwriter, musician, and composer best known for his 1976 hit songs "Dream Weaver" and "Love Is Alive", and for his role in helping establish the synthesizer as a leading instrument in rock and pop music. Wright's breakthrough album, The Dream Weaver (1975), came after he had spent seven years in London as, alternately, a member of the British heavy rock band Spooky Tooth and a solo artist on A&M Records. While in England, he played keyboards on former Beatle George Harrison's triple album All Things Must Pass (1970), so beginning a friendship that inspired the Indian religious themes and spirituality inherent in Wright's subsequent songwriting. His work since the late 1980s has embraced world music and the new age genre, although none of his post-1976 releases has matched the popularity of The Dream Weaver. A former child actor, Wright performed on Broadway in the hit musical Fanny before studying medicine and then psychology in New York and Berlin. After meeting Chris Blackwell of Island Records in Europe, Wright moved to London, where he helped establish Spooky Tooth as a popular live act. He also served as the band's principal songwriter on their recordings – among them, the well-regarded albums Spooky Two (1969) and You Broke My Heart So I Busted Your Jaw (1973). His solo album Footprint (1971), recorded with contributions from Harrison, coincided with the formation of Wright's short-lived band Wonderwheel, which included guitarist Mick Jones. Also, during the early 1970s, Wright played on notable recordings by B.B. King, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, Harry Nilsson and Ronnie Spector, while his musical association with Harrison endured until shortly before the latter's death in 2001. Wright turned to film soundtrack work in the early 1980s, including re-recording his most popular song, "Dream Weaver", for the 1992 comedy Wayne's World. Following Spooky Tooth's reunion tour in 2004, Wright has performed live frequently, either as a member of Starr's All-Starr Band, with his own live band, or on subsequent Spooky Tooth reunions. Wright's most recent solo albums, including Waiting to Catch the Light (2008) and Connected (2010), have all been issued on his Larklio record label. In 2014, Jeremy P. Tarcher published Wright's autobiography, Dream Weaver: Music, Meditation,

Gary Wright est un chanteur, auteur-compositeur, musicien et compositeur américain surtout connu pour ses chansons à succès de 1976 "Dream Weaver" et "Love Is Alive", et pour son rôle dans l'établissement du synthétiseur comme un instrument de premier plan dans la musique rock et pop. L'album révolutionnaire de Wright, The Dream Weaver (1975), est sorti après avoir passé sept ans à Londres en tant que membre du groupe de rock britannique Spooky Tooth et artiste solo sur A&M Records. Pendant son séjour en Angleterre, il a joué des claviers sur le triple album All Things Must Pass (1970) de l'ancien Beatle George Harrison, commençant ainsi une amitié qui a inspiré les thèmes religieux indiens et la spiritualité inhérente à l'écriture ultérieure de Wright. Son travail depuis la fin des années 1980 a embrassé la musique du monde et le genre new age, bien qu'aucune de ses sorties après 1976 n'ait égalé la popularité de The Dream Weaver. Ancien enfant acteur, Wright a joué à Broadway dans la comédie musicale à succès Fanny avant d'étudier la médecine puis la psychologie à New York et à Berlin. Après avoir rencontré Chris Blackwell d'Island Records en Europe, Wright a déménagé à Londres, où il a aidé à établir Spooky Tooth en tant qu'acteur live populaire. Il a également été le principal auteur-compositeur du groupe sur leurs enregistrements - parmi lesquels les albums très appréciés Spooky Two (1969) et You Broke My Heart So I Busted Your Jaw (1973). Son album solo Footprint (1971), enregistré avec des contributions de Harrison, a coïncidé avec la formation du groupe éphémère de Wright, Wonderwheel, qui comprenait le guitariste Mick Jones. De plus, au début des années 1970, Wright a joué sur des enregistrements notables de BB King, Jerry Lee Lewis, Ringo Starr, Harry Nilsson et Ronnie Spector, tandis que son association musicale avec Harrison a duré jusqu'à peu de temps avant la mort de ce dernier en 2001. Wright s'est tourné vers la bande originale de films au début des années 1980, notamment en réenregistrant sa chanson la plus populaire, "Dream Weaver", pour la comédie de 1992 Wayne's World. Après la tournée de retrouvailles de Spooky Tooth en 2004, Wright s'est fréquemment produit en direct, soit en tant que membre du Starr's All-Starr Band, avec son propre groupe live, soit lors des réunions ultérieures de Spooky Tooth. Les albums solo les plus récents de Wright, dont Waiting to Catch the Light (2008) et Connected (2010), ont tous été publiés sur son label Larklio. En 2014, Jeremy P. Tarcher a publié l'autobiographie de Wright, Dream Weaver: Music, Meditation, and My Friendship with George Harrison. https://ydray.com/get/t/16532321850199WcMgef7aefd780d6mw

Roy Harper & Jimmy Page - Whatever Happened To Jugula (1985)

 

¿Qué pasó con Jugula? es el decimotercer álbum de estudio del cantautor y guitarrista inglés de folk/rock Roy Harper. Fue lanzado por primera vez el 4 de marzo de 1985 a través de Beggars Banquet Records. Jimmy Page contribuye. Historia Con un título provisional de "Rizla", Whatever Happened to Jugula? fue lanzado en el sello Beggars Banquet (BBL60) y alcanzó el Top 20 del Reino Unido. Se graba de una manera fresca y espontánea, a menudo con solo el sonido único de las guitarras y voces de Ovation. Ocasionalmente, los arreglos están llenos de sintetizador y guitarra eléctrica. La portada del álbum se basa en un paquete de Rizla naranja desenredado. El álbum fue grabado parcialmente en el sótano de la casa de un viejo amigo de la escuela en Lytham. Boiler House Studios estaba dirigido por Tony Beck, quien había alentado a Harper a renovar su relación con Jimmy Page. Juntos, Harper y Page grabaron en la casa de Page en un carrete teac de ocho pistas para carrete tomado de Pete Townshend. Page también visitó Lytham y también se hicieron grabaciones allí. 'Jugula' expuso a Harper a un público nuevo y más amplio a través de esta conexión con Jimmy Page, sus apariciones en el Cambridge Folk Festival en 1984, la gira del álbum (de la cual cuatro actuaciones fueron filmadas y existen en imágenes de archivo) y una entrevista televisada de 15 minutos por Mark Ellen en el Old Grey Whistle Test (16 de noviembre de 1984). La entrevista presentó a Harper y Page tocando guitarras acústicas en el lado de Side Pike en el Distrito de los Lagos ingleses, una entrevista algo diferente e inusual para la época. Las canciones tocadas incluyeron "Hangman" y una sección de "The Same Old Rock". El álbum fue el quinto en el que Harper y Page habían trabajado, pero el primero que hicieron juntos por completo. La guitarra de Page es bastante evidente a lo largo del álbum, y es un complemento natural para el trabajo de guitarra único de Harper. La primera canción, "Nineteen Forty-Eightish", una referencia a Nineteen Eighty-Four de George Orwell, crescendos con la guitarra principal de Page. Otras canciones incluyen "Hangman", una canción que expresa los sentimientos de un hombre inocente condenado a morir y "Frozen Moment". El título de 'Jugula' vino de jugar Trivial Pursuit, para explicar a todos cómo deberían responder a las preguntas de la manera más directa y honesta posible, diría: "Ve por la yugular". Iba a ser 'Harper & Page' por un tiempo, pero eso es como vender el nombre de Jimmy, luego fue a '1214', que es el año en que se firmó la Carta Magna ... pero eso era un poco esotérico. Así que un día estábamos hablando y apareció "jugula", así que llamé al artista y habían diseñado hasta el 'Whatever happened to...' un poco así que dije déjalo ahí y pon a Jugula al final. La canción "Hope" se originó como una canción escrita por David Gilmour para su segundo álbum en solitario About Face. Le pidió a Pete Townshend que le proporcionara letras, pero sintió que no podía relacionarse con ellas, por lo que Townshend usó la canción en lugar de darle el título a "White City Fighting", con Gilmour tocando la guitarra, en su álbum White City: A Novel.Gilmour envió la misma melodía a Harper, cuya letra tuvo el mismo efecto en Gilmour. [6] Harper usó el resultado, "Hope", que tiene un tempo marcadamente más lento,en este álbum, con su hijo Nick Harper (16 años en ese momento), tocando la guitarra principal. "Hangman" trata sobre los sentimientos de un hombre inocente condenado a ser ejecutado por un crimen que no cometió. De la pena capital Harper declaró: Que la gente pueda incluso pensar en recuperar la pena de muerte es profano. Sí, algunas personas merecen estar encerradas para siempre, pero son responsabilidad de la sociedad. Son parte de lo que somos. Tenemos que ser capaces de civilizar, enseñar con corazón y mantener a los salvajes en nosotros mismos bajo escrutinio en lugar de permitir que la turba en nosotros gobierne.

What happened to Jugula? is the thirteenth studio album by English folk/rock guitarist and singer-songwriter Roy Harper. It was first released on March 4, 1985 through Beggars Banquet Records. Jimmy Page contributes. History With a working title of "Rizla", Whatever Happened to Jugula? it was released on the Beggars Banquet label (BBL60) and reached the UK Top 20. It's recorded in a fresh and spontaneous way, often with just the unique sound of Ovation's guitars and vocals. Occasionally, the arrangements are full of synth and electric guitar. The album cover is based on an unraveled pack of orange Rizla. The album was partially recorded in the basement of an old school friend's house in Lytham. Boiler House Studios was run by Tony Beck, who had encouraged Harper to renew his relationship with Jimmy Page. Together, Harper and Page recorded at Page's home on a reel-to-reel eight-track teac reel borrowed from Pete Townshend. Page also visited Lytham and recordings were made there as well. 'Jugula' exposed Harper to a new and wider audience through this connection with Jimmy Page, her appearances at the Cambridge Folk Festival in 1984, the album tour (of which four performances were filmed and exist on archival footage). ) and a 15-minute televised interview by Mark Ellen on the Old Gray Whistle Test (November 16, 1984). The interview featured Harper and Page playing acoustic guitars on the side of Side Pike in the English Lake District, a somewhat different and unusual interview for the time. Songs played included "Hangman" and a section of "The Same Old Rock". The album was the fifth that Harper and Page had worked on, but the first they had done together entirely. Page's guitar is quite evident throughout the album, and is a natural complement to Harper's unique guitar work. The first song, "Nineteen Forty-Eightish", a reference to George Orwell's Nineteen Eighty-Four, crescendos with Page's lead guitar. Other songs include "Hangman", a song that expresses the feelings of an innocent man sentenced to die, and "Frozen Moment". The title of 'Jugula' came from playing Trivial Pursuit, to explain to everyone how they should answer the questions as directly and honestly as possible, she would say, "Go for the jugular." It was going to be 'Harper & Page' for a while, but that's like selling Jimmy's name, then it went to '1214', which is the year Magna Carta was signed... but that was a bit esoteric. So one day we were talking and 'jugula' came up so I called the artist and they had designed even 'Whatever happened to...' a little bit so I said leave it there and put Jugula at the end. The song "Hope" originated as a song written by David Gilmour for his second solo album About Face. He asked Pete Townshend to provide lyrics, but felt he couldn't relate to them, so Townshend used the song instead of giving the title to "White City Fighting", with Gilmour playing guitar, on his White City album. : A Novel.Gilmour sent the same tune to Harper, whose lyrics had the same effect on Gilmour. [6] Harper used the result, "Hope", which has a markedly slower tempo, on this album, with his son Nick Harper (age 16 at the time), playing lead guitar. "Hangman" is about the feelings of an innocent man sentenced to be executed for a crime he did not commit. Of capital punishment Harper stated: That people can even think of bringing back the death penalty is unholy. Yes, some people deserve to be locked up forever, but they are the responsibility of society. They are part of who we are. We have to be able to civilize, teach with heart, and hold the savages in ourselves under scrutiny instead of allowing the mob in us to rule.

Qu'est-il arrivé à Jugula ? est le treizième album studio du guitariste et auteur-compositeur-interprète anglais folk/rock Roy Harper. Il est sorti pour la première fois le 4 mars 1985 via Beggars Banquet Records. Jimmy Page contribue. Histoire Avec un titre provisoire de "Rizla", Qu'est-il arrivé à Jugula ? il est sorti sur le label Beggars Banquet (BBL60) et a atteint le Top 20 britannique. Il est enregistré d'une manière fraîche et spontanée, souvent avec juste le son unique des guitares et de la voix d'Ovation. De temps en temps, les arrangements regorgent de synthé et de guitare électrique. La couverture de l'album est basée sur un pack démêlé de Rizla orange. L'album a été partiellement enregistré dans le sous-sol de la maison d'un vieil ami d'école à Lytham. Boiler House Studios était dirigé par Tony Beck, qui avait encouragé Harper à renouveler sa relation avec Jimmy Page. Ensemble, Harper et Page ont enregistré chez Page sur une bobine teac à huit pistes empruntée à Pete Townshend. Page a également visité Lytham et des enregistrements y ont également été réalisés. "Jugula" a exposé Harper à un public nouveau et plus large grâce à cette connexion avec Jimmy Page, ses apparitions au Cambridge Folk Festival en 1984, la tournée de l'album (dont quatre performances ont été filmées et existent sur des images d'archives) et un 15- minute d'interview télévisée de Mark Ellen sur le Old Grey Whistle Test (16 novembre 1984). L'interview mettait en vedette Harper et Page jouant de la guitare acoustique du côté de Side Pike dans le Lake District anglais, une interview quelque peu différente et inhabituelle pour l'époque. Les chansons jouées comprenaient " Hangman " et une section de " The Same Old Rock ". L'album était le cinquième sur lequel Harper et Page avaient travaillé, mais le premier qu'ils avaient fait entièrement ensemble. La guitare de Page est assez évidente tout au long de l'album et est un complément naturel au travail de guitare unique de Harper. La première chanson, "Nineteen Forty-Eightish", une référence au Nineteen Eighty-Four de George Orwell, crescendos avec la guitare solo de Page. D'autres chansons incluent "Hangman", une chanson qui exprime les sentiments d'un homme innocent condamné à mort, et "Frozen Moment". Le titre de « Jugula » est venu du jeu Trivial Pursuit, pour expliquer à tout le monde comment répondre aux questions le plus directement et le plus honnêtement possible, je dirais : « Allez à la jugulaire ». Ça allait être 'Harper & Page' pendant un moment, mais c'est comme vendre le nom de Jimmy, puis c'est passé à '1214', qui est l'année de la signature de la Magna Carta... mais c'était un peu ésotérique. Alors un jour, nous parlions et 'jugula' est apparu alors j'ai appelé l'artiste et ils avaient même conçu 'Whatever came to...' un petit peu alors j'ai dit de laisser là et de mettre Jugula à la fin. La chanson "Hope" est à l'origine une chanson écrite par David Gilmour pour son deuxième album solo About Face. Il a demandé à Pete Townshend de fournir des paroles, mais a estimé qu'il ne pouvait pas s'y identifier, alors Townshend a utilisé la chanson au lieu de donner le titre à "White City Fighting", avec Gilmour jouant de la guitare, sur son album White City. : A Novel. Gilmour a envoyé le même air à Harper, dont les paroles ont eu le même effet sur Gilmour. [6] Harper a utilisé le résultat, "Hope", qui a un tempo nettement plus lent, sur cet album, avec son fils Nick Harper (16 ans à l'époque), jouant de la guitare principale. "Hangman" parle des sentiments d'un homme innocent condamné à être exécuté pour un crime qu'il n'a pas commis. À propos de la peine capitale, Harper a déclaré: Que les gens puissent même penser à ramener la peine de mort est impie. Oui, certaines personnes méritent d'être enfermées pour toujours, mais elles sont sous la responsabilité de la société. Ils font partie de qui nous sommes. Nous devons être capables de civiliser, d'enseigner avec le cœur et de tenir les sauvages en nous sous surveillance au lieu de laisser la foule en nous régner.

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Led Zeppelin - A Tribute to Johnny Kid and The Pirates [1970,1973]

 

Johnny Kidd & the Pirates fue una agrupación británica de rock and roll liderada por el cantante y compositor Johnny Kidd. Grabaron numerosos sencillos que lograron repercusión a finales de la década de 1950 y comienzos de 1960 como "Shakin' All Over" y "Please Don't Touch". Su puesta en escena, que constaba de trajes de piratas y parches de ojos, fue una fuerte influencia para el género que posteriormente se conocería como glam rock.

 

Johnny Kidd & the Pirates was a British rock and roll group led by singer-songwriter Johnny Kidd. They recorded numerous hit singles in the late 1950s and early 1960s such as "Shakin' All Over" and "Please Don't Touch." His staging, which consisted of pirate costumes and eye patches, was a strong influence for the genre that would later be known as glam rock.

Johnny Kidd & the Pirates était un groupe de rock and roll britannique dirigé par l'auteur-compositeur-interprète Johnny Kidd. Ils ont enregistré de nombreux singles à succès à la fin des années 1950 et au début des années 1960 tels que " Shakin 'All Over " et " Please Don't Touch ". Sa mise en scène, composée de tenues de pirates et de cache-œil, a eu une forte influence sur le genre qui deviendra plus tard connu sous le nom de glam rock. 

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Muere Vangelis a los 79 años

 

Evángelos Odysséas Papathanassíou ,más conocido como Vangelis(Volos, 29 de marzo de 1943 - París, 17 de mayo de 2022) fue un teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las bandas sonoras originales de las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982) y 1492: La conquista del paraíso (1992) Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas o, más ampliamente, como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica que aconteció a mediados de los años 1970. Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985) y The Beauty and the Beast (1986). Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.

 

Evangelos Odysséas Papathanassíou, better known as Vangelis (Volos, March 29, 1943 - Paris, May 17, 2022) was a Greek keyboardist and composer of electronic, orchestral, ambient, new age and progressive rock music. Among his best-known works are the original soundtracks for the films Chariots of Fire (winner of the Oscar for best soundtrack in 1981), Blade Runner (1982) and 1492: The Conquest of Paradise (1992) His music is characterized by the use of synthesizers and occasionally acoustic instruments to create surround sound atmospheres, in a generally grand and solemn tone. It is not easy to frame his music within a specific genre, although it is common for him to be included among the ranks of the so-called New Musics or, more broadly, as a contemporary classical musician. In any case, the diversity and complexity of the work contained in his discography makes it difficult to classify him as a purely New Age artist, since he is even considered one of the pioneers of the avant-garde of electronic music that occurred in the mid-1970s. Although some of his best known works are from the world of film and television music, Vangelis has achieved recognition for both his soundtracks and his studio albums. His works include several creations for plays: Elektra (1983), Medea (1992), Las Troyanas (2001), The Tempest (2002). He has also composed for ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), and The Beauty and the Beast (1986). He has developed a parallel career as a painter, and has held several international exhibitions. His contribution to various projects of cultural interest have established him as a personality of considerable media weight, especially in his native Greece. In his honor the International Astronomical Union gave his name to an asteroid: (6354) Vangelis.

 

Evangelos Odysséas Papathanassíou, plus connu sous le nom de Vangelis (Volos, 29 mars 1943 - Paris, 17 mai 2022) était un claviériste et compositeur grec de musique électronique, orchestrale, ambiante, new age et rock progressif. Parmi ses œuvres les plus connues figurent les bandes originales des films Chariots of Fire (lauréat de l'Oscar de la meilleure bande originale en 1981), Blade Runner (1982) et 1492 : The Conquest of Paradise (1992) Leur musique se caractérise par l'utilisation de synthétiseurs et parfois d'instruments acoustiques pour créer des ambiances sonores surround, dans un ton généralement grandiose et solennel. Il n'est pas facile d'inscrire sa musique dans un genre spécifique, même s'il est courant qu'il soit inclus dans les rangs de la soi-disant nouvelle musique ou, plus largement, en tant que musicien classique contemporain. En tout cas, la diversité et la complexité de l'œuvre contenue dans sa discographie rend difficile de le classer comme un artiste purement New Age, puisqu'il est même considéré comme l'un des pionniers de l'avant-garde de la musique électronique qui s'est produite au milieu -années 1970. Bien que certaines de ses œuvres les plus connues appartiennent au monde de la musique de film et de télévision, Vangelis a acquis une reconnaissance à la fois pour ses bandes sonores et ses albums studio. Parmi ses œuvres figurent également plusieurs créations pour des pièces de théâtre : Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). Il a également composé pour le ballet : R. B. Sque (1983), Frankenstein : Modern Prometheus (1985) et The Beauty and the Beast (1986). Il a développé parallèlement une carrière de peintre et a organisé plusieurs expositions internationales. Sa contribution à divers projets d'intérêt culturel l'ont établi comme une personnalité au poids médiatique considérable, notamment dans sa Grèce natale. En son honneur, l'Union astronomique internationale a donné son nom à un astéroïde : (6354) Vangelis.

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Jon Lord & the London Symphony Orchestra - Gemini Suite 1970 (Remastered 2016)

 

Després del Concert per a grup i orquestra de fusió clàssica i rock de 1969, Jon Lord va rebre l'encàrrec d'escriure un seguiment. Es tractava de Gemini Suite, cinc llargs moviments inspirats en els membres de Deep Purple, i van actuar en directe el setembre de 1970 al Royal Festival Hall amb The Light Music Society Orchestra (l'àlbum del concert es va publicar el 1993 com a Gemini Suite Live). Després, Jon Lord el va gravar a l'estudi com el seu primer projecte en solitari el 1971, amb l'Orquestra Simfònica de Londres dirigida per Malcolm Arnold i solistes extrets del món del rock. Gemini Suite va ser un pas important per a Lord i va donar lloc a àlbums com Windows (1974) i Sarabande (1976). L'àlbum es va publicar originalment a Europa i Amèrica l'any 1971 amb diferents dibuixos de portada. La reedició dels Estats Units de 1973 va incloure una tercera versió de la portada. El 1983 l'àlbum es va reeditar en LP a Alemanya i quatre anys més tard també per primera vegada en CD. La versió digital remasteritzada de l'àlbum es va estrenar en CD el 2008.

 

After the 1969 classical / rock fusion Concerto for Group and Orchestra, Jon Lord was commissioned to write a follow-up. This was Gemini Suite, five long movements inspired by the members of Deep Purple, and performed live in September 1970 at the Royal Festival Hall with The Light Music Society Orchestra (the album of the concert was issued in 1993 as Gemini Suite Live). Jon Lord then recorded it in the studio as his first solo project in 1971, with the London Symphony Orchestra conducted by Malcolm Arnold and soloists drawn from the rock world. Gemini Suite was an important step for Lord and led to albums such as Windows (1974) and Sarabande (1976). The album was originally released in Europe and America in 1971 with different cover artwork. The 1973 US reissue featured a third version of the cover artwork. In 1983 the album was re-released on LP in Germany and four years later also for the first time on CD. The digital remastered version of the album premiered on CD in 2008.

Après le Concerto pour groupe et orchestre fusion classique/rock de 1969, Jon Lord a été chargé d'écrire une suite. Il s'agissait de Gemini Suite, cinq longs mouvements inspirés par les membres de Deep Purple, et joués en direct en septembre 1970 au Royal Festival Hall avec The Light Music Society Orchestra (l'album du concert est sorti en 1993 sous le nom de Gemini Suite Live). Jon Lord l'enregistre ensuite en studio comme son premier projet solo en 1971, avec le London Symphony Orchestra dirigé par Malcolm Arnold et des solistes issus du monde du rock. Gemini Suite a été une étape importante pour Lord et a conduit à des albums tels que Windows (1974) et Sarabande (1976). L'album est initialement sorti en Europe et en Amérique en 1971 avec différentes pochettes. La réédition américaine de 1973 comportait une troisième version de la pochette. En 1983, l'album a été réédité sur LP en Allemagne et quatre ans plus tard également pour la première fois sur CD. La version numérique remasterisée de l'album a été créée sur CD en 2008. https://ydray.com/get/t/16529759050641HbfG45238644c6edMI

Ian Gillan - Contractual Obligation #2 - Live in Warsaw (2019)

Ian Gillan, juntament amb Robert Plant, Ozzy Osbourne i uns quants més, és considerada una de les veus llegendàries que van donar forma al rock dur. Malgrat el seu compromís amb Deep Purple, el cantant ha construït una impressionant carrera en solitari. "Contractual Obligation" és una col·lecció d'actuacions durant una gira recent per Europa de l'Est, que conté tres espectacles. Tots els espectacles van ser realment únics, amb Airey i McBride oferint actuacions perfectes nit rere nit. El material de Deep Purple (incloent rareses com "Razzle Dazzle" o "Anya") va anar de la mà de les cançons en solitari de Gillan i les sorpreses per als que es trobaven en el catàleg més profund. El títol és una referència humorística a la notòria reticència d'Ian Gillan a prestar atenció als seus llançaments en directe o de Deep Purple (tal com explica a les notes de l'àlbum). Aquest àlbum i vídeo en directe podria ser un dels capítols més bonics de la producció en solitari de Gillan i un recordatori de com han estat els seus concerts i la seva música en solitari al llarg dels anys.

 

Ian Gillan, together with Robert Plant, Ozzy Osbourne and a few others, is considered one of the legendary voices that shaped hard rock. Despite his commitment to Deep Purple, the singer has built an impressive solo career. “Contractual Obligation” is a collection of performances during a recent tour through Eastern Europe, which contains three shows. All shows were truly unique, with Airey and McBride delivering perfect performances night after night. Deep Purple material (including rarities like “Razzle Dazzle” or “Anya”) went hand in hand with Gillan solo songs and surprises for those into the deepest catalogue. The title is a humorous reference to Ian Gillan’s notorious reticence to pay any attention to his own or Deep Purple live releases (as he explains in the album liner notes). This live album and video might well be one of the nicest chapters in Gillan’s solo production ever and a reminder about how great his solo music and concerts have been over the years.

 

Ian Gillan, avec Robert Plant, Ozzy Osbourne et quelques autres, est considéré comme l'une des voix légendaires qui ont façonné le hard rock. Malgré son engagement dans Deep Purple, le chanteur a construit une impressionnante carrière solo. "Contractual Obligation" est une collection de performances lors d'une récente tournée à travers l'Europe de l'Est, qui contient trois spectacles. Tous les spectacles étaient vraiment uniques, Airey et McBride offrant des performances parfaites nuit après nuit. Le matériel Deep Purple (y compris des raretés comme "Razzle Dazzle" ou "Anya") est allé de pair avec les chansons solo de Gillan et des surprises pour ceux qui sont dans le catalogue le plus profond. Le titre est une référence humoristique à la réticence notoire d'Ian Gillan à prêter attention à ses propres sorties live ou à celles de Deep Purple (comme il l'explique dans les notes de pochette de l'album). Cet album live et cette vidéo pourraient bien être l'un des plus beaux chapitres de la production solo de Gillan et un rappel de la qualité de sa musique solo et de ses concerts au fil des ans.

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Edgar Winter - Brother Johnny (2022)

 

Després de la mort de Johnny Winter el 2014, el germà multiinstrumentista Edgar, que havia gravat i tocat amb ell sovint, va considerar que organitzar un homenatge musical tan proper al seu traspàs no era adequat. Però després d'uns anys, el jove Winter es va animar per altres, inclosa la seva dona, a seguir endavant. El resultat és aquest conjunt de 17 temes sincers, anys en procés, en què Edgar demana a un grup divers d'estrelles d'alt perfil per ajudar una banda principal que dirigeix. És una formació impressionant. Els músics que van estar influenciats per Johnny (Joe Bonamassa, Derek Trucks, Kenny Wayne Shepherd, Doyle Bramhall ll, Warren Haynes), volien contribuir com els seus companys texans Billy Gibbons, David Grissom o companys com Bobby Rush i Joe Walsh, per torns. lot de clàssics d'hivern, moltes d'elles portades que el guitarrista va elaborar amb el seu propi estil. No en va, Edgar toca tot, fa la veu principal a aproximadament la meitat de les seleccions i ajuda a combinar cançons amb artistes. També va escriure dues noves composicions. El Delta acústic "Lone Star Blues" on comparteix la veu principal amb Keb' Mo' (que posa diverses guitarres), parla en la veu en primera persona de Johnny explicant la seva història de vida des de l'obscuritat fins a una relació incòmoda amb el superestrellat. El tancament "End of the Line" és una balada seriosa, encara que una mica lamentable, acompanyada de cordes sobre la mort que deixa l'àlbum d'alt voltatge generalment apagat en un moment de meditació. La major part de la generosa col·lecció d'hora i quart està plena d'actuacions accidentades, majoritàriament rockers i energitzades, clarament motivades emocionalment, que mostren l'amor dels col·laboradors per les cançons, les veus i la interpretació que van fer que l'atac basat en el blues de Winter sigui tan emblemàtic. Bonamassa fuma en tobogan per a l'obertura "Mean Town Blues" que explota amb la mateixa passió i intensitat que Johnny desprenia en el seu millor moment. Shepherd estableix un sol fulminant a "Still Alive and Well" i Gibbons es dispara mentre es lluita amb Derek Trucks en un ardent "I'm Yours and I'm Hers", un dels moments destacats de l'àlbum. Walsh comparteix la veu principal (però deixa la guitarra a David Grissom) amb Edgar per a "Johnny B. Goode", ja que aquest últim afegeix piano i saxo alt. Haynes porta el seu joc A a un dur "Memory Pain" amb un solo de guitarra altíssim i la seva veu gruñida que reflecteix la de Johnny. Els moments més tranquils seleccionats ofereixen un respir dels focs artificials sonors amb Michael McDonald mantenint-se ferm a l'agredolç "Stranger" de Winter i Bramhall ll va en solitari desconnectat en una versió fidel de "When You Got a Good Friend" de Robert Johnson, que Winter va incloure en el seu alt perfil. 1969 Debut a Columbia. La difunta Taylor Hawkins fa una aparició sorpresa com a cantant en un abrasador "Guess I'll Go Away". Shepherd puja de velocitat en un cotxe per "Highway 61 Revisited" i Steve Lukather llança un "Rock N' Roll Hoochie Koo" creïble que es manté fidel a l'original. Curiosament, el material dels àlbums posteriors de Winter per Alligator és MIA, com ho és després de 1977. Aquesta és una omissió important, ja que alguns dels millors treballs de Johnny van ser durant aquelles dècades i mereixen l'atenció. Segurament, una lectura més aviat memoritzada del ja sobregravat "Stormy Monday Blues", fins i tot amb un solo contundent de Robben Ford, podria haver-se rebutjat en lloc de cançons addicionals escrites per a Winter. Això no disminueix l'excel·lència general d'aquest homenatge i pot deixar la porta oberta a un volum dos. Com a mínim, el germà Johnny hauria d'enviar els fans del blues, o els nous al seu catàleg, de nou als enregistraments inicials per apreciar el talent del llegendari guitarrista en la seva màxima inspiració.

After Johnny Winter’s death in 2014, multi-instrumentalist brother Edgar, who had often recorded and played with him, felt that arranging a musical tribute so close to his passing was not appropriate. But after a few years, the young Winter was encouraged by others, including his wife, to move on. The result is this set of 17 sincere tracks, years in the making, in which Edgar asks a diverse group of high-profile stars to help a lead band he directs. It’s an awesome lineup. Musicians who were influenced by Johnny (Joe Bonamassa, Derek Trucks, Kenny Wayne Shepherd, Doyle Bramhall ll, Warren Haynes) wanted to contribute as fellow Texans Billy Gibbons, David Grissom or fellow Bobby Rush and Joe Walsh, in turn. . lot of winter classics, many of them covers that the guitarist made with his own style. Not in vain, Edgar plays everything, plays the lead voice in about half of the selections and helps combine songs with artists. He also wrote two new compositions. The acoustic Delta "Lone Star Blues" where he shares the lead voice with Keb 'Mo' (who plays several guitars), speaks in Johnny's first-person voice telling his life story from the dark to an awkward relationship with the superstar. The closing “End of the Line” is a serious, albeit somewhat unfortunate, ballad accompanied by strings about death that leaves the high-voltage album usually off in a moment of meditation. Most of the generous quarter-hour collection is full of rugged performances, mostly rockers and energized, clearly emotionally motivated, that show the collaborators ’love for the songs, voices and performance they go through. make the Winter Blues-based attack so iconic. Bonamassa smokes on the slide for the opening "Mean Town Blues" which explodes with the same passion and intensity that Johnny unleashed at his best. Shepherd sets a stunning solo on "Still Alive and Well" and Gibbons shoots himself as he fights Derek Trucks in a fiery "I'm Yours and I'm Hers", one of the highlights of the album. Walsh shares the lead vocals (but leaves the guitar to David Grissom) with Edgar for "Johnny B. Goode," as the latter adds piano and alto saxophone. Haynes takes his A play to a tough "Memory Pain" with a very high guitar solo and his growling voice that reflects Johnny's. The quietest moments selected offer a respite from the sound of fireworks with Michael McDonald standing firm in the bittersweet "Stranger" by Winter and Bramhall ll go solo disconnected in a faithful version of "When You Got a Good Friend" by Robert Johnson, which Winter included in his high profile. 1969 Columbia debut. The late Taylor Hawkins makes a surprise appearance as a singer on a scorching "Guess I'll Go Away." Shepherd speeds up in a car for "Highway 61 Revisited" and Steve Lukather launches a believable "Rock N 'Roll Hoochie Koo" that stays true to the original. Interestingly, the material on Alligator's later Winter albums is MIA, as it is after 1977. This is a major omission, as some of Johnny's best work was during those decades and deserves attention. Surely, a rather memorized reading of the already overwritten "Stormy Monday Blues", even with a forceful solo by Robben Ford, could have been rejected instead of additional songs written for Winter. This does not diminish the overall excellence of this tribute and may leave the door open to volume two. At the very least, Brother Johnny should send blues fans, or newcomers to his catalog, back to the initial recordings to appreciate the legendary guitarist’s talent at its peak.

Après la mort de Johnny Winter en 2014, le frère multi-instrumentiste Edgar, qui avait souvent enregistré et joué avec lui, a estimé qu'organiser un hommage musical si près de sa disparition n'était pas approprié. Mais après quelques années, le jeune Winter a été encouragé par d'autres, dont sa femme, à passer à autre chose. Le résultat est cet ensemble de 17 morceaux sincères, des années de préparation, dans lesquels Edgar demande à un groupe diversifié de stars de haut niveau d'aider un groupe principal qu'il dirige. C'est une gamme géniale. Des musiciens influencés par Johnny (Joe Bonamassa, Derek Trucks, Kenny Wayne Shepherd, Doyle Bramhall ll, Warren Haynes) ont voulu contribuer en tant que compatriotes texans Billy Gibbons, David Grissom ou compatriotes Bobby Rush et Joe Walsh, tour à tour. . beaucoup de classiques de l'hiver, dont beaucoup de reprises que le guitariste a faites avec son propre style. Pas en vain, Edgar joue de tout, joue la voix principale dans environ la moitié des sélections et aide à combiner les chansons avec les artistes. Il a également écrit deux nouvelles compositions. L'acoustique Delta "Lone Star Blues" où il partage la voix principale avec Keb 'Mo' (qui joue plusieurs guitares), parle de la voix à la première personne de Johnny racontant l'histoire de sa vie de l'obscurité à une relation délicate avec la superstar. La finale "End of the Line" est une ballade sérieuse, quoique quelque peu malheureuse, accompagnée de cordes sur la mort qui laisse l'album à haute tension généralement éteint dans un moment de méditation. La majeure partie de la généreuse collection d’un quart d’heure est pleine de performances robustes, principalement des rockers et énergiques, clairement motivés émotionnellement, qui montrent l’amour des collaborateurs pour les chansons, les voix et les performances qu’ils traversent rendent l’attaque basée sur Winter Blues si emblématique. Bonamassa fume sur la diapositive pour l'ouverture "Mean Town Blues" qui explose avec la même passion et intensité que Johnny déchaînait à son meilleur. Shepherd établit un solo époustouflant sur "Still Alive and Well" et Gibbons se tue alors qu'il combat Derek Trucks dans un fougueux "I'm Yours and I'm Hers", l'un des moments forts de l'album. Walsh partage le chant principal (mais laisse la guitare à David Grissom) avec Edgar pour "Johnny B. Goode", ce dernier ajoutant le piano et le saxophone alto. Haynes emmène sa pièce A dans un "Memory Pain" difficile avec un solo de guitare très aigu et sa voix grondante qui reflète celle de Johnny. Les moments les plus calmes sélectionnés offrent un répit au son des feux d'artifice avec Michael McDonald qui reste ferme dans le doux-amer "Stranger" de Winter et Bramhall ira en solo déconnecté dans une version fidèle de "When You Got a Good Friend" de Robert Johnson, que Winter inclus dans son profil élevé. 1969 Débuts en Colombie. Le regretté Taylor Hawkins fait une apparition surprise en tant que chanteur sur un torride "Guess I'll Go Away". Shepherd accélère dans une voiture pour "Highway 61 Revisited" et Steve Lukather lance un "Rock N' Roll Hoochie Koo" crédible qui reste fidèle à l'original. Fait intéressant, le matériel des derniers albums d'hiver d'Alligator est MIA, comme c'est le cas après 1977. Il s'agit d'une omission majeure, car certains des meilleurs travaux de Johnny ont eu lieu au cours de ces décennies et méritent l'attention. Certes, une lecture plutôt mémorisée du "Stormy Monday Blues" déjà écrasé, même avec un solo énergique de Robben Ford, aurait pu être rejetée au lieu de chansons supplémentaires écrites pour Winter. Cela n'enlève rien à l'excellence globale de cet hommage et peut laisser la porte ouverte au volume deux. À tout le moins, Brother Johnny devrait renvoyer les fans de blues, ou les nouveaux venus dans son catalogue, aux enregistrements initiaux pour apprécier le talent du guitariste légendaire à son apogée. 

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Dio (DISCOGRAFIA)

 

Ronnie James Dio (nacido como Ronald James Padavona; Portsmouth, 10 de julio de 1942 - Houston, 16 de mayo de 2010) fue un músico de heavy metal, también conocido por su trabajo en bandas como Rainbow, Black Sabbath, Dio y Heaven & Hell (reedición de Black Sabbath con él como cantante). Por su inconfundible técnica, timbre y registro, muchos lo han considerado una de las voces más emblemáticas e influyentes de la historia del heavy metal y el hard rock, siendo citado a menudo como "la voz del heavy metal" y nombrado por el New York Times como el más grande vocalista de heavy metal de todos los tiempos. Dentro de los clásicos fundamentales de su discografía figuran Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), Rising (1976) y Long Live Rock & Roll (1978), pertenecientes a su etapa en Rainbow; con Black Sabbath están presentes Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981), y Dehumanizer (1992); además de Holy Diver (1983) y The Last in Line (1984) con su propia banda, Dio; y por último The Devil You Know (2009) con sus viejos compañeros de Black Sabbath en Heaven & Hell, siendo este su último disco grabado antes de morir un año después. Desde finales de los años 1970 fue él quien popularizó el uso de la mano cornuta como el símbolo del heavy metal.

 

Dio was an American heavy metal band formed in 1982 and led by vocalist Ronnie James Dio (July 10, 1942 – May 16, 2010). Dio left Black Sabbath with intentions to form a new band with fellow former Black Sabbath member Vinny Appice, the band's drummer. The name Dio was chosen because it made sense from a commercial standpoint, as the name was already well known at that time. The band released ten studio albums and had numerous line-up changes over the years with Dio himself being the only constant member. Guitarists included Vivian Campbell, Craig Goldy, Doug Aldrich, Warren DeMartini, Tracy G, Jake E. Lee and Rowan Robertson. The band dissolved in 2010 when Ronnie James Dio died of stomach cancer at the age of 67. Dio has sold more than 20 million albums worldwide.

Dio était un groupe de heavy metal américain formé en 1982 et dirigé par le chanteur Ronnie James Dio (10 juillet 1942 - 16 mai 2010). Dio a quitté Black Sabbath avec l'intention de former un nouveau groupe avec l'ancien membre de Black Sabbath, Vinny Appice, le batteur du groupe. Le nom Dio a été choisi car il avait un sens d'un point de vue commercial, car le nom était déjà bien connu à cette époque. Le groupe a sorti dix albums studio et a eu de nombreux changements de line-up au fil des ans, Dio lui-même étant le seul membre constant. Les guitaristes comprenaient Vivian Campbell, Craig Goldy, Doug Aldrich, Warren DeMartini, Tracy G, Jake E. Lee et Rowan Robertson. Le groupe s'est dissous en 2010 lorsque Ronnie James Dio est décédé d'un cancer de l'estomac à l'âge de 67 ans. Dio a vendu plus de 20 millions d'albums dans le monde.

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Programa Especial Eduardo Pinilla Blues Band

 

Eduardo Pinilla, guitarrista de Burning durante los últimos 30 años y anteriormente de grupos legendarios como Ñu o Coz o en gira con artistas de la talla de Luz Casal o Joaquín Sabina, presenta su proyecto en solitario: “Stress… Historias de más de una vida”. Con más de 20 discos en su haber con los diferentes grupos, ahora ha llegado el momento de presentar su trabajo personal en éste su primer CD en solitario. Once canciones grabadas en directo en el CES de Madrid, en enero de 2020 y que fueron posteriormente revisadas y arregladas en casa durante el confinamiento, las cuales mantienen todo el sabor del directo y la peculiar sonoridad que se obtiene al grabar nuevas tomas sobre una base in Live. Todas las canciones han sido compuestas, letra y música, por Eduardo Pinilla y hacen referencia tanto a sus vivencias a lo largo de su carrera, como a los músicos que le han influido. El proyecto “Pinilla Blues band” nació a finales de los años 90, con la intención de poder disfrutar tocando en conciertos aquellos temas de grandes figuras que le han ido marcando a lo largo del tiempo, permitiéndole también mostrar las canciones propias que ha ido componiendo y con las que se ha formado este CD. Los músicos que le han acompañado en esta aventura, que conforman la actual Pinilla Blues Band, son los siguientes:

 - Cristina Lubián: Coros, voz y guaus

 - Dany García: bajos - Fernando García: todos los teclados y piano

 - Jorge Henríquez: baterías 

 Todas las guitarras están grabadas por Eduardo Pinilla que, además, en esta ocasión, se ha estrenado en la Voz principal y en la producción en un intento de hacer este trabajo lo más personal e íntimo posible. 

George Thorogood - The Original (2022)

 

Una colección de canciones originales y desenfrenadas escritas desde el corazón de rock and roll de George Thorogood. Junto con su imparable banda desde hace mucho tiempo, The Destroyers, el álbum presenta temas como el himno "Gear Jammer", la sentida balada country "Oklahoma Sweetheart" y el inédito "Back In The U.S.A". Además, incluye canciones contundentes como "I Really Like Girls" y "If You Don't Start Drinkin' (I'm Gonna Leave)", servidas con el estilo clásico y el humor irónico de Thorogood.

A collection of wild, original songs written from the rock and roll heart of George Thorogood. Along with his long-time, unstoppable band The Destroyers, the album features such tracks as the anthemic "Gear Jammer," the heartfelt country ballad "Oklahoma Sweetheart," and the previously unreleased "Back In The U.S.A." Plus, it includes hard-hitting songs like "I Really Like Girls" and "If You Don't Start Drinkin' (I'm Gonna Leave)," served up with Thorogood's classic style and wry humor.

 

Une collection de chansons sauvages et originales écrites à partir du cœur rock and roll de George Thorogood. Avec son groupe de longue date et imparable The Destroyers, l'album contient des morceaux tels que l'hymne "Gear Jammer", la ballade country sincère "Oklahoma Sweetheart" et l'inédit "Back In The U.S.A." De plus, il comprend des chansons percutantes comme "I Really Like Girls" et "If You Don't Start Drinkin' (I'm Gonna Leave)", servies avec le style classique et l'humour ironique de Thorogood.

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