Riding with the King es un álbum de blues de Eric Clapton y B.B. King que fue lanzado en 2000. Fue su primer álbum colaborativo y ganó el Premio Grammy 2000 al Mejor Álbum de Blues Tradicional. El álbum alcanzó el número uno en los mejores álbumes de blues de Billboard y fue certificado 2 veces multiplatino en los Estados Unidos.
El álbum de 12 pistas de grabaciones de estudio completamente nuevas de clásicos del blues y canciones contemporáneas ha sido remasterizado a partir de las cintas originales (por Bob Ludwig) y se ha ampliado, con dos pistas adicionales inéditas (grabadas durante las sesiones originales). El coproductor original Simon Climie estuvo a la altura de las circunstancias y produjo y mezcló estos dos números adicionales especialmente para esta reedición. El álbum presenta contribuciones de músicos como Andy Fairweather Low, Steve Gadd, Nathan East, Susannah y Wendy Melvoin, y Jim Keltner. Arif Mardin contribuyó con arreglos de cuerdas y orquestación en dos pistas. La nueva versión de 14 pistas se presenta en vinilo negro de 2LP y CD, aunque también está disponible una edición limitada en vinilo azul. Riding With The King se reedita el 26 de junio de 2020.
Riding with the King est un album de blues d'Eric Clapton et B.B. King sorti en 2000. C'était leur premier album collaboratif et a remporté le Grammy Award 2000 du meilleur album de blues traditionnel. L'album a atteint le numéro un des meilleurs albums de blues de Billboard et a été certifié 2 × multi-platine aux États-Unis.
L'album de 12 pistes de tout nouveaux enregistrements studio de classiques du blues et de chansons contemporaines a été remasterisé à partir des bandes originales (par Bob Ludwig) et est élargi, avec deux pistes bonus inédites (enregistrées pendant les sessions originales). Le coproducteur original Simon Climie a saisi l'occasion et a produit et mixé ces deux numéros supplémentaires spécialement pour cette réédition. L'album présente des contributions de musiciens tels qu'Andy Fairweather Low, Steve Gadd, Nathan East, Susannah et Wendy Melvoin et Jim Keltner. Arif Mardin a contribué aux arrangements de cordes et à l'orchestration de deux morceaux. La nouvelle version 14 pistes est présentée sur vinyle noir 2LP et CD, bien qu'une édition limitée en vinyle bleu soit également disponible. Riding With The King est réédité le 26 juin 2020.
Riding with the King is a blues album by Eric Clapton and B.B. King that was released in 2000. It was their first collaborative album and won the 2000 Grammy Award for Best Traditional Blues Album. The album reached number one on Billboard's Top Blues Albums and was certified 2× Multi-Platinum in the United States.
The 12-track album of all-new studio recordings of blues classics and contemporary songs has been remastered from the original tapes (by Bob Ludwig) and is expanded, featuring two unreleased bonus tracks (recorded during the original sessions). Original co-producer Simon Climie rose to the occasion and produced and mixed these two additional numbers especially for this reissue. The album features contributions from musicians such as Andy Fairweather Low, Steve Gadd, Nathan East, Susannah and Wendy Melvoin, and Jim Keltner. Arif Mardin contributed string arrangements and orchestration to two tracks. The new 14-track version is presented on 2LP black vinyl and CD, although a limited blue vinyl edition is also available. Riding With The King is reissued on 26 June 2020.
Starship es una banda estadounidense de rock, establecida en 1983 a raíz de la salida de Paul Kantner de la banda Jefferson Starship (quien fuera fundador de la legendaria banda Jefferson Airplane) y que ocasionó problemas legales con el uso del nombre, lo que generó que el cambio en su estilo musical, la ausencia de personalidades importantes de Jefferson Starship y su nuevo nombre, le dieran una nueva identidad. Tuvieron varios éxitos entre los que destacan "Nothing's Gonna Stop Us Now" y "We Built This City".
En junio de 1983, Paul Kantner (el último miembro fundador de Jefferson Airplane), abandona Jefferson Starship e inicia acciones legales contra sus antiguos compañeros por el uso del nombre "Jefferson Starship", por lo cual llegan a firmar un acuerdo en el cual ambas partes se comprometían a no usar los nombres "Jefferson" ni "Airplane", salvo que todos los miembros de Jefferson Airplane Inc. (Bill Thompson, Paul Kantner, Grace Slick, Jorma Kaukonen y Jack Casady) estuvieran de acuerdo. La banda cambia su nombre a Starship Jefferson por un breve período de tiempo, mientras las acciones legales se llevaban a cabo, aunque luego reducirían definitivamente su nombre a Starship.
Starship est un groupe de rock américain, créé en 1983 suite au départ de Paul Kantner du groupe Jefferson Starship (qui était le fondateur du groupe légendaire Jefferson Airplane) et qui a causé des problèmes juridiques avec l'utilisation du nom, ce qui a généré que le changement dans son style musical, l'absence de personnalités importantes de Jefferson Starship et son nouveau nom, lui ont donné une nouvelle identité. Ils ont eu plusieurs tubes dont "Nothing's Gonna Stop Us Now" et "We Built This City".
En juin 1983, Paul Kantner (le dernier membre fondateur de Jefferson Airplane), quitte Jefferson Starship et engage une action en justice contre ses anciens collègues pour l'utilisation du nom "Jefferson Starship", pour lequel ils viennent signer un accord dans lequel les deux les parties ont convenu de ne pas utiliser les noms "Jefferson" ou "Airplane" à moins que tous les membres de Jefferson Airplane Inc. (Bill Thompson, Paul Kantner, Grace Slick, Jorma Kaukonen et Jack Casady) ne soient d'accord. Le groupe a changé son nom en Starship Jefferson pendant une brève période pendant qu'une action en justice avait lieu, bien qu'ils aient ensuite raccourci leur nom en Starship.
Starship is an American rock band, established in 1983 following the departure of Paul Kantner from the band Jefferson Starship (who was the founder of the legendary band Jefferson Airplane) and which caused legal problems with the use of the name, which generated that the change in his musical style, the absence of important personalities from Jefferson Starship and his new name, gave him a new identity. They had several hits including "Nothing's Gonna Stop Us Now" and "We Built This City."
In June 1983, Paul Kantner (the last founding member of Jefferson Airplane), leaves Jefferson Starship and initiates legal action against his former colleagues for the use of the name "Jefferson Starship", for which they come to sign an agreement in which both The parties agreed not to use the names "Jefferson" or "Airplane" unless all members of Jefferson Airplane Inc. (Bill Thompson, Paul Kantner, Grace Slick, Jorma Kaukonen and Jack Casady) agreed. The band changed its name to Starship Jefferson for a brief period of time while legal action was taking place, although they later shortened their name to Starship.
Esta compilación de 2008 vuelve a imprimir el primer catálogo de Motown de Rare Earth de una sola vez con un paquete de tres discos con sonido remasterizado, notas nuevas con créditos completos y reproducciones exactas del arte original del álbum. Desafortunadamente, eso significa que debe buscar todo el conjunto para obtener acceso a cualquiera de los cinco para obtener una copia física, pero siempre hay una descarga selectiva. Si bien Rare Earth nunca fue un competidor de la lista A, incluso durante sus días de éxito, el grupo, dirigido por el baterista cantante Pete Rivera (nee Hoorelbeke) tuvo muchos buenos momentos, no todos ellos recopilados en los varios conjuntos de lo mejor que ya están impresos. Como la primera incursión de Motown en el rock blanco, Rare Earth también se convirtió en el nombre del sello subsidiario de la compañía para el que grabaron, junto con un puñado de otros actos en su mayoría olvidados (¿Toe Fat, alguien?). El resumen de cinco páginas del autor de notas Scott Schinder sobre la carrera de la Tierra entre 1969 y 1974, que también incluye una entrevista con Rivera, brinda excelente información de fondo junto con anécdotas y recuerdos de su miembro fundador y su voz destacada. Nueve bonus tracks difíciles de encontrar (sencillos editados, caras A y B que no pertenecen al álbum) se agregan de manera un tanto incongruente al final del disco uno (que también incluye el debut de Get Ready) en lugar de secuenciarse junto al álbum. está asociado con. De lo contrario, este conjunto, con su empaque de lápida redondeada que imita la forma única de muchos de los primeros lanzamientos del sello Rare Earth, es una presentación sencilla de los cinco discos, junto con notas e incluso reproducciones de carátulas internas. Estos registros establecieron a Rare Earth como semiestrellas robustas y en funcionamiento. Perseveraron a través de giras duras, algunas canciones de primer nivel como "I Just Want to Celebrate" de One World (escrita para ellos por Nick Zesses y Dino Fekaris), y reorganizaron con imaginación versiones de rock y R&B, para lograr al menos una nota al pie en historia de la música popular. En el mejor de los casos, generalmente en las producciones de Norman Whitfield de sus propias composiciones como "(I Know) I'm Losing You" de Ecology y el álbum Ma, Rare Earth personificó un estilo de soul psicodélico de ojos azules que, si bien estaba anticuado , todavía se mantiene como lo suficientemente único como para haber dado como resultado más éxitos de los que el grupo realmente logró. Dado que su música más reconocible está bien representada en la impresionante Antología de dos discos de Motown: The Best of Rare Earth y otros discos, esto es para coleccionistas que necesitan todo, desde los años de mayor éxito comercial y artístico de Rare Earth. Como tal, es una presentación elegante de una banda cuyos mejores momentos siguen siendo impresionantes, incluso ocasionalmente innovadores, pero casi influyentes.
Cette compilation de 2008 réimprime d'un seul coup le premier catalogue Motown de Rare Earth avec un ensemble de trois disques contenant un son remasterisé, de nouvelles notes de pochette avec des crédits complets et des reproductions exactes de l'art original de l'album. Malheureusement, cela signifie que vous devez vous précipiter sur l'ensemble pour avoir accès à l'un des cinq pour une copie physique, mais il y a toujours un téléchargement sélectif. Alors que Rare Earth n'a jamais été un concurrent de la liste A même pendant ses jours de salade, le groupe, dirigé par le batteur chanteur Pete Rivera (né Hoorelbeke) a eu de nombreux bons moments, pas tous collectés sur les différents meilleurs sets déjà imprimés. En tant que première incursion de Motown dans le rock blanc, Rare Earth est également devenu le nom du label filiale de la société pour lequel ils ont enregistré, avec une poignée d'autres groupes pour la plupart oubliés (Toe Fat, n'importe qui ?). Le récapitulatif de cinq pages de l'écrivain Scott Schinder sur la course de la Terre de 1969 à 1974, qui comprend également une interview de Rivera, fournit d'excellentes informations de base ainsi que des anecdotes et des réminiscences de son membre fondateur et de sa voix vedette. Neuf pistes bonus difficiles à trouver (singles édités, faces A et B hors album) sont collées de manière quelque peu incongrue à la fin du premier disque (qui comprend également les débuts de Get Ready) au lieu d'être séquencées à côté de l'album qu'elles sont associés avec. Sinon, cet ensemble, avec son emballage tombstone arrondi qui imite la forme unique de bon nombre des premières sorties du label Rare Earth, est une présentation simple des cinq disques, ainsi que des notes de pochette et même des reproductions de pochettes intérieures. Ces enregistrements ont établi Rare Earth comme des demi-étoiles robustes et fonctionnelles. Ils ont persévéré à travers des tournées difficiles, quelques chansons de premier ordre telles que "I Just Want to Celebrate" de One World (écrite pour eux par Nick Zesses et Dino Fekaris), et ont réarrangé avec imagination des reprises de rock et de R&B, pour atteindre au moins une note de bas de page dans histoire de la musique pop. À son meilleur, généralement sur les productions de Norman Whitfield de ses propres compositions telles que "(I Know) I'm Losing You" d'Ecology et l'album Ma, Rare Earth personnifiait un style de soul psychédélique aux yeux bleus et jammy qui, bien que daté , se présente toujours comme suffisamment unique pour avoir donné lieu à plus de succès que le groupe n'en a réellement atteint. Étant donné que sa musique la plus reconnaissable est bien représentée sur l'impressionnante anthologie à deux disques de Motown: Le meilleur de Rare Earth et d'autres disques, c'est pour les collectionneurs qui ont besoin de tout des années les plus réussies sur le plan commercial et artistique de Rare Earth. En tant que tel, il s'agit d'une présentation élégante d'un groupe dont les meilleurs moments restent impressionnants, voire parfois innovants, mais à peine influents.
This 2008 compilation puts Rare Earth's early Motown catalog back into print in one fell swoop with a three-disc package featuring remastered sound, new liner notes with full credits, and exact reproductions of the album's original art. Unfortunately, that means you have to spring for the whole set to get access to any one of the five for a physical copy, but there is always selective downloading. While Rare Earth was never an A-list contender even during its salad days, the group, led by singing drummer Pete Rivera (nee Hoorelbeke) had many fine moments, not all of them collected on the various best-of sets already in print. As Motown's first foray into white rock, Rare Earth also became the name of the company's subsidiary label that they, along with a handful of mostly forgotten other acts (Toe Fat anyone?), recorded for. Notes writer Scott Schinder's five-page recap of the Earth's 1969-1974 run, which also includes an interview with Rivera, provides excellent background information along with anecdotes and reminiscences from its founding member and featured voice. Nine difficult-to-find bonus tracks (edited singles, non-album A- and B-sides) are somewhat incongruously tacked onto the end of disc one (which also includes the Get Ready debut) instead of being sequenced next to the album they are associated with. Otherwise, this set, with its rounded tombstone packaging that mimics the unique shape of many of the first Rare Earth label releases, is a straightforward presentation of the five records, along with liner notes and even inner record sleeve reproductions. These records established Rare Earth as rugged, working semi-stars. They persevered through hard touring, a few top-notch songs such as One World's "I Just Want to Celebrate" (written for them by Nick Zesses and Dino Fekaris), and imaginatively rearranged rock and R&B covers, to attain at least a footnote in pop music history. At its best, generally on the Norman Whitfield productions of his own compositions such as Ecology's "(I Know) I'm Losing You" and the Ma album, Rare Earth personified a style of blue-eyed, jammy psychedelic soul that, while dated, still holds up as unique enough to have resulted in more hits than the group actually achieved. Since its most recognizable music is well represented on Motown's impressive two-disc Anthology: The Best of Rare Earth and other discs, this is for collectors who need everything from Rare Earth's most commercially and artistically successful years. As such it is a classy presentation of a band whose finest moments remain impressive, even occasionally innovative, but just short of influential.
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Luisiana, 29 de septiembre de 1935-28 de octubre de 2022)1 fue un pianista y cantante estadounidense, pionero del rock and roll. Fue ampliamente considerado como uno de los cantantes más influyentes e importantes del rock y uno de los pianistas más influyentes del siglo xx. Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, el "Rey del Rock". Su popularidad decayó a finales de los años cincuenta por diversos escándalos, resurgiendo a mediados de los años sesenta con varios éxitos en la música country.
Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del estilo, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24.º de los mejores músicos del siglo.2 Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Great Balls of Fire! (1989), donde fue interpretado por el actor Dennis Quaid.
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiane, 29 septembre 1935 - 28 octobre 2022) était un pianiste et chanteur américain, un pionnier du rock and roll. Il était largement considéré comme l'un des chanteurs de rock les plus influents et les plus importants et l'un des pianistes les plus influents du XXe siècle. Surnommé "The Killer" ("The Assassin") pour sa forte personnalité et sa mise en scène, et après avoir été considéré comme une sérieuse alternative à Elvis Presley, le "King of Rock". Sa popularité a décliné à la fin des années 1950 en raison de divers scandales, refaisant surface au milieu des années 1960 avec plusieurs succès de la musique country.
Sa figure a été réhabilitée au cours des dernières décennies, faisant partie du Rock Hall of Fame en 1986 au sein du premier groupe, aux côtés d'autres pionniers du style, puis du Rockabilly Hall of Fame. En 2003, le magazine Rolling Stone l'a classé 24ème plus grand musicien du siècle et sa vie a été portée au grand écran dans le film Great Balls of Fire ! (1989), où il a été joué par l'acteur Dennis Quaid.
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiana, September 29, 1935 – October 28, 2022) was an American pianist and singer, a pioneer of rock and roll. He was widely regarded as one of rock's most influential and important singers and one of the most influential pianists of the 20th century. Nicknamed "The Killer" ("The Assassin") for his strong personality and his staging, and after being considered a serious alternative to Elvis Presley, the "King of Rock". Its popularity declined in the late 1950s due to various scandals, resurfacing in the mid-1960s with several hits in country music.
His figure has been rehabilitated in recent decades, becoming part of the Rock Hall of Fame in 1986 within the first group, along with other pioneers of the style, and later the Rockabilly Hall of Fame. In 2003, Rolling Stone magazine ranked him as the 24th greatest musician of the century. His life was brought to the big screen in the movie Great Balls of Fire! (1989), where he was played by actor Dennis Quaid.
Noise & Flowers es un álbum en directo del músico canadiense Neil Young con el grupo Promise of the Real, publicado por la compañía discográfica Reprise Records el 5 de agosto de 2022
Nick Roseblade de Clash calificó a Noise & Flowers como "una selección de grandes éxitos digna de la amistad de 50 años de [el gerente] Elliot Roberts con Neil Young" y "uno de los mejores DVD en vivo de Neil Young y uno que debería deleitar tanto a los viejos como a los nuevos fanáticos de su trabajo".
Noise & Flowers est un album live du musicien canadien Neil Young avec le groupe Promise of the Real, sorti par Reprise Records le 5 août 2022.
Nick Roseblade de Clash a appelé Noise & Flowers "une sélection des plus grands succès digne des 50 ans d'amitié [du manager] Elliot Roberts avec Neil Young" et "l'un des meilleurs DVD live de Neil Young et un qui devrait ravir les anciens et les nouveaux fans de son travailler.
Noise & Flowers is a live album by Canadian musician Neil Young with the group Promise of the Real, released by Reprise Records on August 5, 2022.
Nick Roseblade of Clash called Noise & Flowers "a greatest hits selection worthy of [manager] Elliot Roberts' 50-year friendship with Neil Young" and "one of Neil Young's best live DVDs and one that should delight both old and new fans of his work.
Animals 2018 Remix, el icónico álbum de Pink Floyd de 1977 ha sido remezclado por primera vez por James Guthrie. El remix de James Guthrie no ofrece grandes revelaciones: Animals, como la mayoría de los álbumes de Floyd de la época media, ya era perfecto en un nivel de fidelidad. Las alteraciones aquí son interesantes pero sutiles, modernizando un poco el sonido: percusión más impactante y efectos vocales más prominentes en "Pigs (Three Different Ones)", una disolución más pronunciada de la voz gritada de Waters en el sintetizador arremolinado durante los versos de "Sheep". ." (Una elección extraña: el sabroso y pequeño riff de bajo a las 4:25 en "Dogs" suena notablemente más bajo). Los fanáticos probablemente discutirán los méritos de una versión sobre la otra. Bastante justo, de verdad, no sería un proyecto de Pink Floyd sin un poco de drama. Animals es un álbum conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de Gran Bretaña a mediados de la década de 1970 y fue un cambio con respecto al estilo del trabajo anterior de la banda. El álbum se desarrolló a partir de una colección de canciones no relacionadas con un concepto que describe la aparente decadencia social y moral de la sociedad, comparando la condición humana con la de los animales. Inspirándose en Animal Farm de George Orwell, el álbum muestra las diferentes clases de personas como animales con los cerdos en la parte superior de la cadena social, descendiendo a las ovejas como el rebaño sin sentido que sigue lo que se les dice, con los perros como los jefes de los negocios. engordando con el dinero y el poder que tienen sobre el otro. Aunque ha pasado mucho tiempo desde 1977, la narrativa del álbum aún resuena hoy en día, ya que nuestra situación social y económica refleja la de la época.
Animals 2018 Remix, l'album emblématique de Pink Floyd de 1977 a été remixé pour la première fois par James Guthrie. Le remix de James Guthrie n'offre aucune révélation majeure - Animals, comme la plupart des albums Floyd de la période intermédiaire, était déjà parfait au niveau de la fidélité. Les modifications ici sont intéressantes mais subtiles, modernisant un peu le son : une batterie plus percutante et des effets vocaux plus proéminents sur "Pigs (Three Different Ones)", un fondu plus prononcé de la voix criée de Waters dans le synthé tourbillonnant pendant les couplets de "Sheep ." (Un choix étrange : le savoureux petit riff de basse à 4:25 dans "Dogs" semble nettement plus silencieux.) Les fans discuteront probablement des mérites d'une version par rapport à l'autre. Assez juste, vraiment – ce ne serait pas un projet Pink Floyd sans un petit drame. Animals est un album concept, se concentrant sur les conditions socio-politiques de la Grande-Bretagne du milieu des années 1970, et était un changement par rapport au style des travaux antérieurs du groupe. L'album a été développé à partir d'une collection de chansons sans rapport avec un concept qui décrit l'apparente décadence sociale et morale de la société, comparant la condition humaine à celle des animaux. S'inspirant de la ferme des animaux de George Orwell, l'album dépeint les différentes classes de personnes comme des animaux avec des cochons au sommet de la chaîne sociale, descendant jusqu'aux moutons en tant que troupeau stupide suivant ce qu'on leur dit, avec des chiens comme chefs d'entreprise. grossir avec l'argent et le pouvoir qu'ils détiennent sur l'autre. Même si cela fait longtemps depuis 1977, le récit de l'album résonne encore aujourd'hui alors que notre situation sociale et économique reflète celle de l'époque.
Animals 2018 Remix, the iconic 1977 Pink Floyd album has been remixed for the first time by James Guthrie. James Guthrie’s remix offers no major revelations — Animals, like most middle-period Floyd albums, was already perfect on a fidelity level. The alterations here are interesting but subtle, modernizing the sound a bit: punchier drums and more prominent vocal effects on "Pigs (Three Different Ones)," a more pronounced dissolve from Waters’ shouted vocal into the swirling synth during the verses of "Sheep." (One strange choice: The tasty little bass riff at 4:25 in "Dogs" sounds noticeably quieter.) Fans will probably argue the merits of one version over the other. Fair enough, really — it wouldn’t be a Pink Floyd project without a little drama. Animals is a concept album, focusing on the social-political conditions of mid-1970s Britain, and was a change from the style of the band's earlier work. The album was developed from a collection of unrelated songs into a concept which describes the apparent social and moral decay of society, likening the human condition to that of animals. Taking inspiration from George Orwell's Animal Farm, the album depicts the different classes of people as animals with pigs being at the top of the social chain, dropping down to the sheep as the mindless herd following what they are told, with dogs as the business bosses getting fat on the money and power they hold over the other. Although it's been a long time since 1977, the narrative of the album still resonates today as our social and economic situation mirrors that of the time.
Belle and Sebastian es un grupo de indie pop escocés formado en Glasgow en 1996.1 Está integrado por Stuart Murdoch (voces, guitarra y teclados), Stevie Jackson (voces y guitarra), Chris Geddes (teclados), Sarah Martin (violín y voces), Mick Cooke (trompeta y bajo), Bobby Kildea (guitarra, bajo) y Richard Colburn (batería). Entre sus antiguos miembros se encuentran Isobel Campbell (voces y chelo) y Stuart David (bajo). El nombre del grupo proviene de Belle et Sébastien, libro para niños de Cécile Aubry en el que se relatan las aventuras de un chico (Sébastien) y su perro (Belle).
Belle and Sebastian est un groupe d'indie pop écossais formé à Glasgow en 1996. Il est composé de Stuart Murdoch (chant, guitare et claviers), Stevie Jackson (chant et guitare), Chris Geddes (claviers), Sarah Martin (violon et chant ) , Mick Cooke (trompette et basse), Bobby Kildea (guitare, basse) et Richard Colburn (batterie). Parmi ses anciens membres figurent Isobel Campbell (chant et violoncelle) et Stuart David (basse). Le nom du groupe vient de Belle et Sébastien, un livre jeunesse de Cécile Aubry dans lequel sont racontées les aventures d'un garçon (Sébastien) et de son chien (Belle).
Belle and Sebastian is a Scottish indie pop group formed in Glasgow in 1996. It is made up of Stuart Murdoch (vocals, guitar and keyboards), Stevie Jackson (vocals and guitar), Chris Geddes (keyboards), Sarah Martin (violin and vocals) , Mick Cooke (trumpet and bass), Bobby Kildea (guitar, bass) and Richard Colburn (drums). Among its former members are Isobel Campbell (vocals and cello) and Stuart David (bass). The name of the group comes from Belle et Sébastien, a children's book by Cécile Aubry in which the adventures of a boy (Sébastien) and his dog (Belle) are recounted.
B.B. King rarament s'allunya dels fonaments del blues, però en aquest llançament, concreta el seu so característic de recanvi amb l'addició d'una secció de trompa de 12 homes, inclòs el jugador de sessió de crack David Sanborn, que proporciona un contrapunt contundent a King's. veu i guitarra. No es complau amb Lucille tant com en altres enregistraments, però encara hi ha molts moments de destral de foc. A l'obertura de l'àlbum, una versió de "Summer in the City" de Lovin' Spoonful, King fa baixar la cançó uns quants esglaons en el tempo, menys els sorolls del carrer, però manté intacte l'esperit ansiós de la cançó. L'àlbum alterna entre números alegres de blues, com ara "Shouldn't Have Left Me" i l'alegre "Better Lovin' Man", i números lents i majestuosos. El més proper, "Five Long Years" conté un solo especialment eloqüent, els revolts i els silencis característics de King semblen parlar l'idioma de la seva ànima ferida. Presenta la seva veu més angoixada del disc, cantant "she had the nerve to put me out..." d'una manera que et donarà calfreds.
BB King s'écarte rarement des fondamentaux du blues, mais sur cette version, il étoffe son son de rechange signature avec l'ajout d'une section de cuivres de 12 hommes, dont le joueur de session crack David Sanborn, qui fournit un contrepoint puissant à King's. voix et guitare Il ne se plie pas autant à Lucille que sur d'autres enregistrements, mais il y a encore beaucoup de moments de hache enflammés. Dans l'ouverture de l'album, une reprise de "Summer in the City" de Lovin' Spoonful, King ralentit la chanson de quelques crans dans le tempo, moins les bruits de la rue, mais conserve l'esprit anxieux de la chanson. L'album alterne entre des numéros bluesy optimistes, tels que "Shouldn't Have Left Me" et le optimiste "Better Lovin' Man", et des numéros lents et majestueux. Closer "Five Long Years" contient un solo particulièrement éloquent, les rebondissements et les silences caractéristiques de King semblant parler le langage de son âme blessée. Elle présente sa voix la plus angoissée sur le disque, chantant "elle a eu le culot de me mettre dehors ..." d'une manière qui vous donnera des frissons.
BB King rarely strays from blues fundamentals, but on this release, he fleshes out his signature spare sound with the addition of a 12-man horn section, including crack session player David Sanborn, who provides counterpoint forceful at King's. voice and guitar He doesn't pander to Lucille as much as on other recordings, but there are still plenty of fiery ax moments. In the album's opener, a cover of the Lovin' Spoonful's "Summer in the City," King takes the song down a few notches in tempo, minus the street noises, but keeps the anxious spirit of the song The album alternates between upbeat bluesy numbers, such as "Shouldn't Have Left Me" and the upbeat "Better Lovin' Man," and slow, majestic numbers. Closer "Five Long Years" contains a particularly eloquent solo, King's signature twists and silences seeming to speak the language of his wounded soul. She features her most anguished voice on the record, singing "she had the nerve to put me out..." in a way that will give you chills.
Frank Vincent Zappa (Baltimore, Maryland; 21 de diciembre de 1940-Los Ángeles, California; 4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, cantante, productor discográfico y director de cine estadounidense. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock, jazz, blues, electrónica, música artística y música concreta, entre otros. También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de sesenta álbumes que grabó con The Mothers of Invention y en solitario.
En su adolescencia adquirió gusto por compositores de avant-garde basada en la percusión como Edgard Varèse, y la música rhythm and blues de los años 50. Comenzó a escribir música artística en la escuela secundaria, mientras tocaba la batería en algunas bandas de rhythm and blues, instrumento que después cambió por la guitarra eléctrica. Era un compositor y músico autodidacta, y por su diversidad de gustos musicales llegó a crear música a veces imposible de clasificar. Su álbum debut de 1966 con la banda The Mothers of Invention, Freak Out!, combinaba canciones de rock convencionales con improvisaciones imposibles y sonidos generados en el estudio de grabación. Sus álbumes posteriores eran una mezcla de música experimental y ecléctica, independientemente de que fueran de rock, jazz o música artística. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto y con la religión y fue un gran defensor de la libertad de expresión y de la abolición de la censura.
Zappa fue un artista muy prolífico y recibió grandes críticas positivas. Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1997.
Zappa estuvo casado con Kathryn J. «Kay» Sherman desde 1960 a 1964, repitiendo nupcias en 1967 con Gail Sloatman, con quien permaneció hasta su muerte por cáncer de próstata en 1993. Tuvieron cuatro hijos: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. Gail Zappa coordinó hasta su fallecimiento en 2015 los negocios familiares bajo el nombre de Zappa Family Trust.
Frank Vincent Zappa (Baltimore, Maryland, 21 décembre 1940 - Los Angeles, Californie, 4 décembre 1993) était un compositeur, guitariste, chanteur, producteur de disques et réalisateur américain. Avec une carrière de plus de trente ans, Zappa a composé du rock, du jazz, du blues, de la musique électronique, de la musique savante et de la musique concrète, entre autres. Il a également travaillé comme réalisateur de films et de vidéoclips et a conçu des pochettes d'albums. De plus, il était en charge de la production de plus de soixante albums qu'il a enregistrés avec The Mothers of Invention et en solo.
À l'adolescence, il prend goût aux compositeurs d'avant-garde basés sur les percussions, comme Edgard Varèse, et à la musique rythmique et blues des années 1950. Il commence à écrire de la musique savante au lycée, tout en jouant de la batterie dans certains groupes de rythmique et de blues. qu'il a ensuite changé pour la guitare électrique. Il était un compositeur et musicien autodidacte, et en raison de sa diversité de goûts musicaux, il en est venu à créer une musique parfois impossible à classer. Son premier album de 1966 avec le groupe The Mothers of Invention, Freak Out!, combinait des chansons rock conventionnelles avec des improvisations impossibles et des sons générés en studio d'enregistrement. Leurs albums suivants étaient un mélange de musique expérimentale et éclectique, qu'il s'agisse de rock, de jazz ou de musique savante. Il a écrit les paroles de toutes ses chansons, souvent humoristiques. Il critiquait le politiquement correct et la religion et était un grand défenseur de la liberté d'expression et de l'abolition de la censure.
Zappa était un artiste très prolifique et a reçu d'excellentes critiques positives. Plusieurs de ses albums sont considérés comme essentiels dans l'histoire du rock, et il est reconnu comme l'un des guitaristes et compositeurs les plus originaux de son temps, étant aujourd'hui une référence pour un grand nombre d'artistes. Il a connu un certain succès commercial, notamment en Europe, ce qui lui a permis d'être un artiste indépendant pendant la grande majorité de sa carrière. Il a été intronisé à titre posthume au Rock and Roll Hall of Fame en 1995 et a reçu un Lifetime Achievement Grammy Award en 1997.
Zappa a été marié à Kathryn J. "Kay" Sherman de 1960 à 1964, se remariant en 1967 avec Gail Sloatman, avec qui il est resté jusqu'à sa mort d'un cancer de la prostate en 1993. Ils ont eu quatre enfants : Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan et Diva Mince Muffin Cochon. Gail Zappa a coordonné les entreprises familiales sous le nom de Zappa Family Trust jusqu'à sa mort en 2015.
Frank Vincent Zappa (Baltimore, Maryland, December 21, 1940-Los Angeles, California, December 4, 1993) was an American composer, guitarist, singer, record producer, and film director. With a career spanning more than thirty years, Zappa composed rock, jazz, blues, electronic, art music, and concrete music, among others. He also worked as a film and music video director, and designed album covers. In addition, he was in charge of the production of the more than sixty albums that he recorded with The Mothers of Invention and solo.
In his teens he acquired a taste for percussion-based avant-garde composers such as Edgard Varèse, and 1950s rhythm and blues music. He began writing art music in high school, while playing drums in some rhythm and blues bands. blues, an instrument that he later changed to the electric guitar. He was a self-taught composer and musician, and due to the diversity of his musical tastes, he came to create music that was sometimes impossible to classify. His 1966 debut album with the band The Mothers of Invention, Freak Out!, combined conventional rock songs with impossible improvisations and sounds generated in the recording studio. His later albums were a mixture of experimental and eclectic music, regardless of whether they were rock, jazz or art music. He wrote the lyrics for all of his songs, often humorous. He was critical of political correctness and religion and was a great advocate of freedom of expression and the abolition of censorship.
Zappa was a very prolific artist and received great positive reviews. Many of his albums are considered essential in the history of rock, and he is recognized as one of the most original guitarists and composers of his time, being today a reference for a large number of artists. He had some commercial success, especially in Europe, so he was able to be an independent artist for the vast majority of his career. He was posthumously inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1995 and received a Grammy Award for Lifetime Achievement in 1997.
Zappa was married to Kathryn J. "Kay" Sherman from 1960 to 1964, remarrying in 1967 with Gail Sloatman, with whom he remained until her death from prostate cancer in 1993. They had four children: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan and Diva Thin Muffin Pig. Gail Zappa coordinated the family businesses under the Zappa Family Trust name until her death in 2015.
Light in the Attic Records, en cooperación con Laurie Anderson, anuncia con orgullo el título inaugural de su Lou Reed Archive Series en curso: Words & Music, mayo de 1965. Lanzado junto con las celebraciones del 80 cumpleaños del difunto artista, el álbum ofrece una extraordinaria y sin adornos. , y una visión claramente conmovedora de uno de los verdaderos poetas y compositores de Estados Unidos. Capturando a Reed en sus años de formación, esta colección de canciones inéditas, escritas por un joven Lou Reed, grabadas en cinta con la ayuda de su futuro compañero de banda John Cale, y enviadas por correo a sí mismo como "derechos de autor de los pobres", permanecieron selladas en su original. sobre y sin abrir durante casi 50 años. Su contenido incorpora algunas de las contribuciones más vitales e innovadoras a la música popular estadounidense grabada en cinta en el siglo XX. A través del examen de estas canciones arraigadas firmemente en la tradición popular, vemos claramente la influencia duradera de Lou en el desarrollo de la música estadounidense moderna, desde el punk hasta el art-rock y todo lo demás. Una verdadera cápsula del tiempo, estas grabaciones no solo recuerdan las chispas nacientes de lo que se convertiría en las semillas de la increíblemente influyente Velvet Underground; también consolidan a Reed como un verdadero observador con un talento innato para sintetizar y destilar el mundo que lo rodea en pura poesía sonora.
Light in the Attic Records, en coopération avec Laurie Anderson, annonce fièrement le titre inaugural de leur série d'archives Lou Reed en cours : Words & Music, mai 1965. Sorti en même temps que les célébrations du 80e anniversaire de l'artiste décédé, l'album offre une expérience extraordinaire et sans fioritures. . , et un aperçu émouvant de l'un des véritables poètes et auteurs-compositeurs américains. Capturant Reed dans ses années de formation, cette collection de chansons inédites, écrites par un jeune Lou Reed, enregistrées sur bande avec l'aide du futur coéquipier John Cale, et envoyées à lui-même sous le nom de "copyright of the Poor", sont restées scellées dans leur version originale. . fini et fermé depuis près de 50 ans. Son contenu intègre certaines des contributions les plus vitales et innovantes à la musique populaire américaine enregistrées sur bande au XXe siècle. À travers l'examen de ces chansons fermement ancrées dans la tradition populaire, nous voyons clairement l'influence durable de Lou sur le développement de la musique américaine moderne, du punk à l'art-rock et tout le reste. Véritable capsule temporelle, ces enregistrements ne rappellent pas seulement les étincelles naissantes de ce qui allait devenir les germes du incroyablement influent Velvet Underground ; ils cimentent également Reed en tant que véritable observateur avec un talent inné pour synthétiser et distiller le monde qui l'entoure en pure poésie sonore.
Light in the Attic Records, in cooperation with Laurie Anderson, proudly announces the inaugural title of their ongoing Lou Reed Archive Series: Words & Music, May 1965. Released in conjunction with the late artist's 80th birthday celebrations, the album offers an extraordinary and unadorned. , and a distinctly moving insight into one of America's true poets and songwriters. Capturing Reed in his formative years, this collection of previously unreleased songs, written by a young Lou Reed, recorded on tape with the help of future bandmate John Cale, and mailed to himself as "copyright of the poor", remained sealed in their original. over and unopened for almost 50 years. Its content incorporates some of the most vital and innovative contributions to American popular music recorded on tape in the 20th century. Through examination of these songs firmly rooted in popular tradition, we clearly see Lou's enduring influence on the development of modern American music, from punk to art-rock and everything in between. A true time capsule, these recordings not only recall the nascent sparks of what would become the seeds of the incredibly influential Velvet Underground; they also cement Reed as a true observer with an innate talent for synthesizing and distilling the world around him into pure sound poetry.
Enregistrat el 1971, però inèdit als Estats Units fins al 1999, B.B. King's Live al Japó mereix qualificacions altes només per l'exuberància. Si Live in Cook County Jail no només hagués saltat a les llistes, aquest àlbum en directe podria haver estat publicat fa molt de temps. L'enregistrament s'obre amb una inflor d'aclamacions entusiastes, mentre King es llança a un ritme "Every Day I Have the Blues". També hi ha molts altres clàssics aquí, com ara "How Blue Can You Get?", "Sweet Sixteen" i "The Thrill Is Gone" (que provoca una altra ronda d'ànims de les notes inicials). Potser Live in Japan no tingui la reputació de la presó del comtat de Cook o Live at the Regal, però és un àlbum excel·lent, amb una sensació decididament diferent d'aquests dos clàssics. L'entusiasme evident de King per la seva música i pel seu públic és contagiós, i se'n pot sentir la gran alegria a cada nota. I, per a aquells que realment no sentin que necessiten versions addicionals de cançons conegudes, cal esmentar que Live in Japan conté l'única interpretació en directe de King de "Hummingbird", per no parlar d'un parell de jams únics ("japonès Boogie", "Jamming at Sankei Hall" i "Hikari #88").
Enregistré en 1971, mais inédit aux États-Unis jusqu'en 1999, B.B. King's Live in Japan mérite des notes élevées rien que pour son exubérance. Si Live in Cook County Jail n'avait pas simplement sauté dans les charts, cet album live aurait pu sortir il y a longtemps. L'enregistrement s'ouvre sur une vague d'acclamations enthousiastes, alors que King se lance dans un rythme "Every Day I Have the Blues". Il y a aussi beaucoup d'autres classiques ici, y compris "How Blue Can You Get?", "Sweet Sixteen" et "The Thrill Is Gone" (qui déclenche une autre salve d'acclamations dès les premières notes). Live in Japan n'a peut-être pas la réputation de Cook County Jail ou Live at the Regal, mais c'est un excellent album, avec une sensation résolument différente de ces deux classiques. L'enthousiasme évident de King pour sa musique et son public est contagieux, et vous pouvez sentir sa pure joie dans chaque note. Et, pour ceux qui ne sentent pas vraiment qu'ils ont besoin de versions supplémentaires de chansons bien connues, il convient de mentionner que Live in Japan contient la seule performance live de King de "Hummingbird", sans parler de quelques jams uniques ("Japanese Boogie" , "Brouillage au Sankei Hall" et "Hikari #88").
Recorded in 1971, but unreleased in the United States until 1999, B.B. King's Live in Japan deserves high marks for exuberance alone. If Live in Cook County Jail hadn't just jumped the charts, this live album could have been released a long time ago. The recording opens with a swell of rapturous cheers, as King launches into an "Every Day I Have the Blues" beat. There are plenty of other classics here too, including "How Blue Can You Get?", "Sweet Sixteen" and "The Thrill Is Gone" (which prompts another round of cheers from the opening notes). Live in Japan may not have the reputation of Cook County Jail or Live at the Regal, but it's an excellent album, with a decidedly different feel from those two classics. King's obvious enthusiasm for his music and his audience is contagious, and you can feel his sheer joy in every note. And, for those who don't really feel they need additional versions of well-known songs, it's worth mentioning that Live in Japan contains King's only live performance of "Hummingbird," not to mention a couple of unique jams ("Japanese Boogie", "Jamming at Sankei Hall" and "Hikari #88").
Georgios Kyriacos Panayiotou (East Finchley, Barnet, Londres, 25 de junio de 1963-Goring-on-Thames, Oxfordshire, 25 de diciembre de 2016), más conocido como George Michael, fue un cantante y compositor británico. Ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluidos tres Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces el Premio Grammy. Michael saltó a la fama en la década de 1980, cuando formó el dúo Wham! junto a su amigo de escuela Andrew Ridgeley. Su primer sencillo en solitario, "Careless Whisper" fue lanzado cuando aún formaba parte del dúo y vendió cerca de seis millones de copias en todo el mundo.
Asimismo, era conocido por su controvertida imagen pública, pues fue un sex symbol rodeado de escándalos relacionados con el sexo y las drogas. Tras muchos años negando las especulaciones acerca de su orientación sexual, Michael declaró en 1998 que era gay, tras ser detenido por conducta sexual inapropiada en un baño público de Beverly Hills en California.
Como solista, vendió más de 80 millones de discos en todo el mundo, incluidos siete sencillos y siete álbumes que fueron número 1 en listas discográficas de Reino Unido, además de diez sencillos y un álbum que alcanzaron la primera posición en las de Estados Unidos.10 El álbum con el que debutó como solista de 1987, Faith ha vendido hasta la fecha más de 25 millones de copias en todo el mundo.11 En 2004, Radio Academy nombró a Michael el artista que acaparó la mayor difusión en la radio británica entre el periodo 1984-2004.
El documental A Different Story (2005) cubrió su vida personal y carrera profesional. En 2006, George Michael anunció su primera gira en quince años. La gira 25 Live fue un enorme proyecto mundial por parte de Michael, del que saldrían tres giras individuales a lo largo de tres años consecutivos (2006, 2007 y 2008)
Georgios Kyriacos Panayiotou (East Finchley, Barnet, Londres, 25 juin 1963 - Goring-on-Thames, Oxfordshire, 25 décembre 2016), mieux connu sous le nom de George Michael, était un chanteur et compositeur britannique. Il a remporté de nombreux prix musicaux tout au long de sa carrière, dont trois Brit Awards, quatre MTV Video Music Awards, quatre Ivor Novello Awards, trois American Music Awards et un Grammy Award à deux reprises. Michael est devenu célèbre dans les années 1980 lorsqu'il a formé le duo Wham! aux côtés de son ami d'école Andrew Ridgeley. Son premier single solo, "Careless Whisper" est sorti alors qu'il faisait encore partie du duo et s'est vendu à près de six millions d'exemplaires dans le monde.
De même, il était connu pour son image publique controversée, car il était un sex-symbol entouré de scandales liés au sexe et à la drogue. Après avoir nié pendant de nombreuses années les spéculations sur son orientation sexuelle, Michael a déclaré en 1998 qu'il était gay, après avoir été arrêté pour inconduite sexuelle dans des toilettes publiques à Beverly Hills, en Californie.
En tant qu'artiste solo, il a vendu plus de 80 millions de disques dans le monde, dont sept singles n ° 1 et sept albums dans les charts britanniques, ainsi que dix singles n ° 1 et un album dans les charts américains.10 Son premier album solo de 1987 Faith s'est vendu à plus de 25 millions d'exemplaires dans le monde à ce jour. En 2004, la Radio Academy a nommé Michael l'artiste le plus diffusé à la radio britannique entre la période 1984-2004.
Le documentaire A Different Story (2005) a couvert sa vie personnelle et sa carrière professionnelle. En 2006, George Michael a annoncé sa première tournée en quinze ans. La tournée 25 Live était un énorme projet mondial de la part de Michael, résultant en trois tournées individuelles sur trois années consécutives (2006, 2007 et 2008).
Georgios Kyriacos Panayiotou (East Finchley, Barnet, London, June 25, 1963-Goring-on-Thames, Oxfordshire, December 25, 2016), better known as George Michael, was a British singer and songwriter. He won numerous music awards throughout his career, including three Brit Awards, four MTV Video Music Awards, four Ivor Novello Awards, three American Music Awards, and a two-time Grammy Award. Michael rose to fame in the 1980s when he formed the duo Wham! alongside his school friend Andrew Ridgeley. His first solo single "Careless Whisper" was released while he was still part of the duo and sold over six million copies worldwide.
Likewise, he was known for his controversial public image, as he was a sex symbol surrounded by scandals related to sex and drugs. After many years denying speculation about his sexual orientation, Michael declared in 1998 that he was gay, after being arrested for sexual misconduct in a public bathroom in Beverly Hills, California.
As a solo artist, he sold over 80 million records worldwide, including seven No. 1 singles and seven albums on the UK charts, as well as ten No. 1 singles and one album on the US charts. 10 His 1987 debut solo album Faith has sold over 25 million copies worldwide to date. In 2004, the Radio Academy named Michael the artist with the most airplay on radio. British between the period 1984-2004.
The documentary A Different Story (2005) covered his personal life and professional career. In 2006, George Michael announced his first tour in fifteen years. The 25 Live tour was a huge worldwide project on Michael's part, resulting in three individual tours over three consecutive years (2006, 2007 and 2008).
David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947–Nueva York, 10 de enero de 2016), más conocido por su nombre artístico David Bowie, fue un cantautor, actor, multiinstrumentista y diseñador británico. Figura importante de la música popular durante casi cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra.
Nacido en Brixton, en el sur de Londres, Bowie mostró gran interés por la música en su niñez, estudiando arte, música y diseño antes de embarcarse en su carrera profesional como músico en 1963. A pesar de haber lanzado un álbum (David Bowie) y varios sencillos, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo, describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular». La relativamente corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.
Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en los Estados Unidos, gracias a su exitoso sencillo «Fame», coescrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul). El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low (1977), la primera de tres colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de Berlín», entraron en el top 5 británico, además de recibir elogios de la crítica.
Después de dispares éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un éxito comercial con su disco de 1983 Let's Dance, del que se extrajeron los exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No salió de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se presentó en vivo desde 2006. Su más reciente disco Blackstar salió al mercado el 8 de enero de 2016, apenas dos días antes de su fallecimiento.
Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública».11 En la encuesta de 2002 de la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en los Estados Unidos. En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien
artistas más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los mejores cantantes de todos los tiempos.
David Robert Jones (Londres, 8 janvier 1947 - New York, 10 janvier 2016), mieux connu sous son nom de scène David Bowie, était un auteur-compositeur-interprète, acteur, multi-instrumentiste et designer britannique. Figure majeure de la musique populaire pendant près de cinq décennies, Bowie est considéré comme un innovateur, notamment pour son travail des années 1970 et sa voix distinctive, ainsi que pour la profondeur intellectuelle de son travail.
Né à Brixton, dans le sud de Londres, Bowie a montré un vif intérêt pour la musique dans son enfance, étudiant l'art, la musique et le design avant de se lancer dans sa carrière professionnelle de musicien en 1963. Malgré la sortie d'un album (David Bowie) et de plusieurs singles, Bowie gagne en notoriété en juillet 1969, lorsque son single "Space Oddity" atteint le top 5 du classement des singles britanniques. Après trois années correspondant à une étape d'expérimentation, il refait surface en 1972, en pleine ère glam rock, avec son alter ego extravagant et androgyne Ziggy Stardust, grâce à son single à succès "Starman" et à l'album The Rise and Fall of Ziggy Stardust et les araignées de Mars. David Buckley, son biographe, décrit l'impact de Bowie à l'époque en disant qu'il "a défié le cœur de la musique rock à l'époque" et "a sans doute créé le personnage le plus important de la culture populaire". La vie relativement courte de Ziggy s'est avérée n'être qu'une facette d'une carrière marquée par une réinvention continue, des innovations musicales et des performances visuelles de toutes sortes.
Bowie remporte, en 1975, son premier succès aux États-Unis, grâce à son single à succès "Fame", co-écrit avec John Lennon et son album Young Americans, dont il dit lui-même qu'il est l'album définitif de la plastic soul (terme inventé par un musicien noir pour décrire un artiste blanc exécutant de la musique soul). Le son signifiait une rupture radicale avec le style qui l'avait rendu célèbre au Royaume-Uni. Par la suite, il déconcerte à la fois son label et ses fans américains avec le minimaliste Low (1977), la première de trois collaborations avec Brian Eno. Tous ces albums, connus sous le nom de "Berlin Trilogy", sont entrés dans le top 5 britannique et ont été acclamés par la critique.
Après un succès commercial mitigé à la fin des années 1970, il a eu un succès numéro un au Royaume-Uni avec le single "Ashes to Ashes" et son album qui l'accompagne, Scary Monsters (et Super Creeps). Il collabore avec Queen au numéro un du palmarès des ventes "Under Pressure" et, peu de temps après, renoue avec le succès commercial avec son album de 1983 Let's Dance, dont sont extraits les singles à succès "Let's Dance", "China Girl". » et « L'amour moderne ». Tout au long des années 1990 et 2000, Bowie a continué à expérimenter différents styles musicaux, notamment la soul aux yeux bleus, l'industriel, le contemporain pour adultes et la jungle. Il n'a pas tourné depuis sa tournée A Reality Tour de 2003-2004 et n'a pas joué en direct depuis 2006. Son dernier album Blackstar est sorti le 8 janvier 2016, deux jours seulement avant sa mort.
Buckley dit de Bowie : "Son influence était unique dans la culture populaire, il a imprégné et changé plus de vies que toute autre personnalité publique." numéro 29. Il a vendu environ 136 millions de disques tout au long de sa carrière. Il a reçu neuf disques de platine, onze d'or et huit disques d'argent au Royaume-Uni et cinq disques de platine et sept disques d'or aux États-Unis. En 2004, le magazine Rolling Stone l'a classé numéro 39 sur sa liste des cent
plus grands artistes de tous les temps et au numéro 23 sur leur liste des plus grands chanteurs de tous les temps.
David Robert Jones (London, January 8, 1947 – New York, January 10, 2016), better known by his stage name David Bowie, was a British singer-songwriter, actor, multi-instrumentalist and designer. A major figure in popular music for nearly five decades, Bowie is considered an innovator, particularly for his 1970s work and his distinctive voice, as well as the intellectual depth of his work.
Born in Brixton, South London, Bowie showed a keen interest in music in his childhood, studying art, music and design before embarking on his professional career as a musician in 1963. Despite having released one album (David Bowie) and various singles, Bowie gained notoriety in July 1969, when his single "Space Oddity" reached the top 5 of the UK singles chart. After three years corresponding to a stage of experimentation, he resurfaced in 1972, in the middle of the glam rock era, with his extravagant and androgynous alter ego Ziggy Stardust, thanks to his successful single "Starman" and the album The Rise and Fall of Ziggy Stardust. and the Spiders from Mars. David Buckley, his biographer, describes Bowie's impact at the time by saying that he "challenged the core of rock music at the time" and "created possibly the most important character in popular culture". Ziggy's relatively short life proved to be just one facet of a career marked by continual reinvention, musical innovation, and visual performance of all kinds.
Bowie achieved, in 1975, his first success in the United States, thanks to his successful single "Fame", co-written with John Lennon and his album Young Americans, which he himself said was the definitive album of plastic soul (a term coined by a black musician to describe a white artist performing soul music). The sound meant a radical departure from the style that had made him famous in the UK. After this, he confused both his label and his American fans with the minimalist Low (1977), the first of three collaborations with Brian Eno. All of these albums, known as the "Berlin Trilogy", entered the UK top 5, as well as receiving critical acclaim.
After mixed commercial success in the late 1970s, he scored a UK number one hit with the single "Ashes to Ashes" and its accompanying album, Scary Monsters (and Super Creeps). He collaborated with Queen at number one on the sales charts "Under Pressure" and, shortly after, returned to commercial success with his 1983 album Let's Dance, from which the successful singles "Let's Dance", "China Girl" were extracted. » and «Modern Love». Throughout the 1990s and 2000s, Bowie continued to experiment with different musical styles, including blue-eyed soul, industrial, adult contemporary, and jungle. He hasn't toured since his 2003-2004 A Reality Tour and hasn't performed live since 2006. His most recent album, Blackstar, was released on January 8, 2016, just two days before his death. the.
Buckley says of Bowie: "His influence was unique in popular culture, he has permeated and changed more lives than any other public figure." number 29. He has sold approximately 136 million records throughout his career. He has received nine platinum, eleven gold and eight silver records in the UK and five platinum and seven gold in the US. In 2004, Rolling Stone magazine ranked him number 39 on its list of one hundred
greatest artists of all time and at number 23 on their list of the greatest singers of all time.
Black Oak Arkansas és una banda de rock del sud dels Estats Units que porta el nom de la ciutat natal de la banda, Black Oak, Arkansas. La banda va assolir el punt àlgid de la seva fama als anys 70 amb quatre àlbums publicats en aquesta dècada. El seu estil està marcat per múltiples guitarristes i la veu ronca i les bromes a l'escenari del vocalista Jim "Dandy" Mangrum.
Set de caixa de cinc CD de 2013 que conté un quintet d'àlbums empaquetats en fundes de cartró mini LP i allotjats en una funda. La banda nord-americana de rock del sud Black Oak Arkansas, és més coneguda pel seu àlbum High On The Hog de 1973, amb la seva exitosa versió de 'Jim Dandy' de LaVerne Baker, que va arribar al top 25 de la llista de senzills Billboard Hot 100. Aquesta col·lecció recopila els cinc primers àlbums d'estudi de la banda, inclòs High On The Hog. Els aspectes més destacats de la col·lecció inclouen 'Keep the Faith', la cançó principal del segon llançament de la banda, i la primera cançó de BOA 'Hot And Nasty' del seu debut homònim. Set de 5 CD. Recull cinc dels seus àlbums originals, en mànigues de rèpliques de cartes LP! Característiques "Black Oak Arkansas" (1971); "Keep The Faith" (1972); "Si un àngel vingués a veure't..." (1972); "High On The Hog" (1973) i "Street Party" (1974).
Black Oak Arkansas est un groupe de rock sud-américain nommé d'après la ville natale du groupe, Black Oak, Arkansas. Le groupe a atteint son apogée dans les années 1970 avec quatre albums sortis au cours de cette décennie. Leur style est marqué par la voix rauque et les plaisanteries sur scène de plusieurs guitaristes et chanteurs Jim "Dandy" Mangrum.
Coffret de cinq CD de 2013 contenant un quintette d'albums conditionnés dans des pochettes cartonnées de mini LP et logés dans une pochette. Le groupe de rock sudiste américain Black Oak Arkansas est surtout connu pour son album de 1973 High On The Hog, avec sa reprise à succès de "Jim Dandy" de LaVerne Baker, qui a atteint le top 25 des singles du Billboard Hot 100. Cette collection compile les premiers singles du groupe cinq albums studio, dont High On The Hog. Les points forts de la collection incluent «Keep the Faith», la chanson titre de la deuxième sortie du groupe, et la première chanson de BOA «Hot And Nasty» de leur premier album éponyme. Ensemble de 5 CD. Collectionnez cinq de leurs albums originaux, dans des répliques de pochettes de cartes LP ! Comprend "Black Oak Arkansas" (1971); "Gardez la foi" (1972); " Si un ange venait te voir ... " (1972); " High On The Hog " (1973) et " Street Party " (1974).
Black Oak Arkansas is a Southern American rock band named after the band's hometown of Black Oak, Arkansas. The band reached the height of their fame in the 1970s with four albums released in that decade. Their style is marked by multiple guitarists and vocalist Jim "Dandy" Mangrum's raspy voice and onstage banter.
2013 five-CD box set containing a quintet of albums packaged in mini LP cardboard sleeves and housed in a sleeve. American Southern rock band Black Oak Arkansas, are best known for their 1973 album High On The Hog, with their hit cover of LaVerne Baker's 'Jim Dandy', which reached the top 25 on the Billboard Hot 100 singles. This collection compiles the band's first five studio albums, including High On The Hog. Highlights from the collection include 'Keep the Faith', the title track from the band's second release, and BOA's first track 'Hot And Nasty' from their self-titled debut. Set of 5 CDs. Collect five of their original albums, in replica LP card sleeves! Features "Black Oak Arkansas" (1971); "Keep The Faith" (1972); "If an Angel Came to See You..." (1972); "High On The Hog" (1973) and "Street Party" (1974).
Dexys Midnight Runners és una banda de pop rock anglesa de Birmingham, amb influències soul, que va aconseguir un gran èxit comercial a principis i mitjans dels anys vuitanta. Són més coneguts al Regne Unit per les seves cançons "Come On Eileen" i "Geno", ambdues que van assolir el número 1 a la llista de singles del Regne Unit, així com sis altres singles del top 20. "Come On Eileen" també va encapçalar el Billboard Hot 100 dels EUA, i amb una àmplia reproducció a MTV estan associats amb la Segona Invasió Britànica. A finals de la dècada de 1970 i principis de la dècada de 1980, Dexys va passar per nombrosos canvis de personal al llarg de tres àlbums i 13 senzills, amb només el cantant, compositor i cofundador Kevin Rowland que va romandre a la banda durant totes les transicions i només Rowland i "Big". "Jim Paterson (trombó) apareix a tots els àlbums. El 1985, la banda només estava formada per Rowland i membres de llarga data Helen O'Hara (violí) i Billy Adams (guitarra). La banda es va separar el 1987 i Rowland es va convertir en solista. Després de dos intents fallits de reinici, Dexys va ser reformat per Rowland el 2003 amb nous membres, així com alguns membres que tornaven de la formació original de la banda (coneguda com Dexys Mark I). Dexys va llançar el seu quart àlbum el 2012 i un cinquè el va seguir el 2016.
Searching for the Young Soul Rebels és l'àlbum d'estudi debut del grup pop anglès Dexys Midnight Runners, publicat l'11 de juliol de 1980 a través de Parlophone i EMI Records. Dirigit per Kevin Rowland, el grup es va formar el 1978 a Birmingham, Anglaterra, i es va formar una forta reputació en directe abans de gravar el seu primer material. Enregistrat durant l'abril de 1980, l'àlbum combina l'agressivitat del punk rock amb la música soul, especialment influenciada pel moviment soul del nord. L'àlbum va ser precedit i conté el single d'èxit "Geno", que va encapçalar la llista de singles del Regne Unit. També conté altres dos senzills de llista: "Dance Stance" (regravat com a "Burn It Down") i "There, There, My Dear" (que incloïa la lletra "I've been searching for the young soul rebels" que va inspirar el títol de l'àlbum). L'àlbum va assolir el número 6 a la llista d'àlbums del Regne Unit i està certificat Plat per la indústria fongràfica britànica. Ha estat àmpliament aclamat pels crítics musicals des del seu llançament i està inclòs a 1001 Albums You Must Hear Before You Die. Searching for the Young Soul Rebels s'ha reeditat amb cançons addicionals tres vegades. Més recentment, l'any 2010 es va publicar una edició especial del 30è aniversari que inclou un disc de bonificació de sortides i demos, que inclou totes les cançons addicionals emeses amb It Was Like This (les pistes 3-8 i 19 del disc de bonificació), així com enregistraments addicionals de demostració i en directe de la BBC.
Dexys Midnight Runners est un groupe de pop rock anglais de Birmingham, aux influences soul, qui a connu un succès commercial majeur du début au milieu des années 1980. Ils sont surtout connus au Royaume-Uni pour leurs chansons "Come On Eileen" et "Geno", qui ont toutes deux atteint la première place du UK Singles Chart, ainsi que six autres singles parmi les 20 meilleurs. "Come On Eileen" a également dépassé le Billboard Hot 100 américain, et avec une diffusion intensive sur MTV, ils sont associés à la deuxième invasion britannique. À la fin des années 1970 et au début des années 1980, Dexys a connu de nombreux changements de personnel au cours de trois albums et 13 singles, seul le chanteur / auteur-compositeur / co-fondateur Kevin Rowland restant dans le groupe à travers toutes les transitions et seuls Rowland et "Big " Jim Paterson (trombone) apparaissant sur tous les albums. En 1985, le groupe n'était composé que de Rowland et des membres de longue date Helen O'Hara (violon) et Billy Adams (guitare). Le groupe s'est séparé en 1987, Rowland devenant un artiste solo. Après deux tentatives de redémarrage infructueuses, Dexys a été réformé par Rowland en 2003 avec de nouveaux membres, ainsi que quelques membres de retour de la formation originale du groupe (connue sous le nom de Dexys Mark I). Dexys a sorti son quatrième album en 2012 et un cinquième a suivi en 2016.
Searching for the Young Soul Rebels est le premier album studio du groupe pop anglais Dexys Midnight Runners, sorti le 11 juillet 1980, via Parlophone et EMI Records. Dirigé par Kevin Rowland, le groupe s'est formé en 1978 à Birmingham, en Angleterre, et s'est forgé une solide réputation en direct avant d'enregistrer ses premiers morceaux. Enregistré courant avril 1980, l'album mêle l'agressivité du punk rock à la musique soul, particulièrement influencée par le mouvement soul du Nord. L'album a été précédé et contient le single à succès " Geno ", qui a dominé le UK Singles Chart . Il contient également deux autres singles: "Dance Stance" (réenregistré sous le nom de "Burn It Down") et "There, There, My Dear" (qui comprenait les paroles "J'ai cherché les jeunes rebelles de l'âme" qui inspiré le titre de l'album). L'album a atteint le numéro 6 sur le UK Albums Chart et est certifié Silver par l'industrie phonographique britannique. Il a été largement acclamé par les critiques musicaux depuis sa sortie et est inclus dans 1001 albums que vous devez entendre avant de mourir. Searching for the Young Soul Rebels a été réédité trois fois avec des titres bonus. Plus récemment, une édition spéciale de luxe du 30e anniversaire est sortie en 2010, comprenant un disque bonus d'extraits et de démos, qui comprend toutes les pistes bonus publiées avec It Was Like This (pistes 3 à 8 et 19 sur le disque bonus) ainsi que enregistrements supplémentaires en direct et de démonstration de la BBC.
Dexys Midnight Runners are an English pop rock band from Birmingham, with soul influences, who achieved major commercial success in the early to mid-1980s. They are best known in the UK for their songs "Come On Eileen" and "Geno", both of which peaked at No. 1 on the UK Singles Chart, as well as six other top-20 singles. "Come On Eileen" also topped the US Billboard Hot 100, and with extensive airplay on MTV they are associated with the Second British Invasion. During the late 1970s and early 1980s, Dexys went through numerous personnel changes over the course of three albums and 13 singles, with only singer/songwriter/co-founder Kevin Rowland remaining in the band through all of the transitions and only Rowland and "Big" Jim Paterson (trombone) appearing on all of the albums. By 1985, the band consisted only of Rowland and long-standing members Helen O'Hara (violin) and Billy Adams (guitar). The band broke up in 1987, with Rowland becoming a solo artist. After two failed restart attempts, Dexys was reformed by Rowland in 2003 with new members, as well as a few returning members from the band's original lineup (known as Dexys Mark I). Dexys released their fourth album in 2012 and a fifth followed in 2016.
Searching for the Young Soul Rebels is the debut studio album by English pop group Dexys Midnight Runners, released on 11 July 1980, through Parlophone and EMI Records. Led by Kevin Rowland, the group formed in 1978 in Birmingham, England, and formed a strong live reputation before recording their first material. Recorded during April 1980, the album combines the aggressiveness of punk rock with soul music, particularly influenced by the Northern soul movement. The album was preceded by and contains the hit-single "Geno", which topped the UK Singles Chart. It also contains two other charting singles: "Dance Stance" (re-recorded as "Burn It Down") and "There, There, My Dear" (which included the lyrics "I've been searching for the young soul rebels" that inspired the album's title). The album reached number 6 on the UK Albums Chart and is certified Silver by the British Phonographic Industry. It has been widely acclaimed by music critics since its release and is included in 1001 Albums You Must Hear Before You Die. Searching for the Young Soul Rebels has been reissued with bonus tracks three times. Most recently, a deluxe 30th Anniversary Special Edition was released in 2010 including a bonus disc of outtakes and demos, which includes all of the bonus tracks issued with It Was Like This (tracks 3–8 and 19 on the bonus disk) as well as additional BBC live and demo recordings.
