20220331_La Musica del Segle Passat

 

                                               

Thin Lizzy - At The BBC (2011)

 

Este lanzamiento se recopila de todas las grabaciones de Lizzy propiedad de la BBC que aún existen en el archivo y traza el ascenso inexorable de la banda: desde los primeros pasos como trío en el sello Decca, hasta los días de gloria como uno de los más grandes en vivo. actos de todos los tiempos. La BBC le dio a la banda una plataforma y apoyo en etapas cruciales de su carrera y, por lo tanto, "Thin Lizzy Live At The BBC" podría verse esencialmente como un Greatest Hits alternativo, un musical que crece entre el público. Este increíble archivo representa un gran conjunto de grabaciones inéditas en el catálogo de Lizzy. La colección se reunió rastreando los archivos de la BBC, pero también invitando a los fanáticos a contribuir. La BBC tenía la costumbre de borrar las cintas después de su emisión, lo que ha significado que parte de la producción de la Corporación se haya perdido para siempre. Sin embargo, gracias a los fanáticos que graban transmisiones en casa, se han recuperado un par de gemas aquí para este set. Esta colección reúne una gran cantidad de sesiones y grabaciones en vivo a lo largo de la carrera de la banda, incluido el último concierto con Phil Lynott del festival de Reading en 1983. También se incluye un DVD de las bandas buscadas después de las apariciones en Top of the Pops y The Old Grey Whistle Test y conciertos de toda la carrera de la banda. Esta es la primera vez para la banda, ya que estas grabaciones nunca antes habían estado disponibles en un solo lugar. Con notas completas de Malcolm Dome de Classic Rock, que cuenta la historia de la banda en la BBC. Totalmente respaldada y respaldada por la banda: la formación actual, pero también la delgada original Lizzy Live At The BBC "es una colección triunfal de los momentos decisivos. de un acto de rock británico verdaderamente seminal, como fue presenciado, transmitido y archivado por la voz de la nación, la BBC.

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This release is collated from all of the BBC owned Lizzy recordings that still exist in the archive and charts the inexorable rise of the band: from the first steps as a three piece on the Decca label, to the glory days as one of the greatest live acts of all time. The BBC gave the band a platform and support at crucial stages in their career and thus "Thin Lizzy Live At The BBC" could be seen essentially as an alternate Greatest Hits, a musical growing up in public. This incredible archive represents a great set of previously unreleased recordings in the Lizzy catalogue. The collection has been brought together by trawling the BBC archives, but also by inviting contributions from fans. The BBC had a habit of wiping tapes after they were broadcast which has meant that some of the Corporation's output has been lost for ever. However thanks to fans recording broadcasts at home a couple of gems have been reclaimed here for this set. This collection brings together a raft of sessions and live recordings form through-out the band's career including the last concert with Phil Lynott from the Reading festival in 1983. Included also is a DVD of the bands sought after appearances on Top of the Pops and the Old Grey Whistle Test a well as concerts from throughout the band's career. This is a first for the band as these recordings have never been available in one place before. With comprehensive notes by Classic Rock's Malcolm Dome who tells the story of the bands history at the BBC Fully supported and endorsed by the band - the current line up but also the original thin Lizzy Live At The BBC" is a triumphant collection of the defining moments of a truly seminal British rock act, as witnessed, broadcast and archived by the voice of the nation, the BBC.

Cette sortie est rassemblée à partir de tous les enregistrements de Lizzy appartenant à la BBC qui existent encore dans les archives et retrace l'ascension inexorable du groupe : des premiers pas en tant que trois morceaux sur le label Decca, aux jours de gloire en tant que l'un des plus grands groupes live. actes de tous les temps. La BBC a donné au groupe une plate-forme et un soutien à des étapes cruciales de leur carrière et ainsi "Thin Lizzy Live At The BBC" pourrait être considéré essentiellement comme un Greatest Hits alternatif, une comédie musicale grandissant en public. Cette archive incroyable représente un grand ensemble d'enregistrements inédits dans le catalogue Lizzy. La collection a été constituée en parcourant les archives de la BBC, mais aussi en invitant les contributions des fans. La BBC avait l'habitude d'effacer les bandes après leur diffusion, ce qui signifie qu'une partie de la production de la société a été perdue à jamais. Cependant, grâce aux fans enregistrant des émissions à la maison, quelques joyaux ont été récupérés ici pour cet ensemble. Cette collection rassemble une série de sessions et d'enregistrements en direct tout au long de la carrière du groupe, y compris le dernier concert avec Phil Lynott du festival de Reading en 1983. Un DVD des groupes recherchés après des apparitions sur Top of the Pops et le Old Grey Whistle Test ainsi que des concerts tout au long de la carrière du groupe. C'est une première pour le groupe car ces enregistrements n'ont jamais été disponibles au même endroit auparavant. Avec des notes complètes de Malcolm Dome de Classic Rock qui raconte l'histoire du groupe à la BBC. Entièrement soutenu et approuvé par le groupe - le line up actuel mais aussi le mince original Lizzy Live At The BBC" est une collection triomphale des moments déterminants. d'un acte de rock britannique véritablement fondateur, tel qu'en ont été témoins, diffusés et archivés par la voix de la nation, la BBC.

Bruce Springsteen - Tracks (1998)

 

Tracks és una caixa de quatre discos del cantant i compositor nord-americà Bruce Springsteen, llançada el 1998 que conté 66 cançons. Aquest box set consisteix principalment en cançons inèdites gravades durant les sessions dels seus nombrosos àlbums, però també inclou una sèrie de cares B individuals, així com demos i versions alternatives de material ja publicat. La propera vegada que us trobeu debatent sobre el valor de Bruce Springsteen, treu aquest brillant conjunt de quatre discos. Amb un toc del seu canell de grease-mono, Springsteen demostra, simplement amb l'emissió de material inèdit, per què és el compositor més consistent (llegiu: important) en el camp del pop-rock de la seva generació. Està allà en una dotzena de cares B incloses ("Pink Cadillac", "Shut Out the Light", "Janey Don't You Lose Heart"). És allà en innombrables himnes que desperta la multitud, el valor del cantant en el comerç de la classe treballadora ("Roulette", "Stand on It", "Car Wash", "Brothers Under the Bridges"). Però, principalment, és allà entre línies, en les petites idiosincràsies que Springsteen va detectar en gairebé tots els talls que el van fer, fins ara, retenir aquest material. Algunes són evidentment evidents: la cançó "Living on the Edge of the World", la lletra de la qual es va aixecar més tard per a la més sinistra "Open All Night"; la transformació de diversos versos de "Iceman" en sentiments expressats a Darkness on the Edge of Town. Algunes són curiositats col·leccionables, com les versions alternatives totalment dispars de "Stolen Car" i "Born in the U.S.A". I d'altres són més meticulosos, sovint es redueixen a una frase simple, un riff o una línia melòdica que va acabar rebutjant la reunió final. I quan ensopegues amb aquells moments minúsculs i fugaços, moments que només importarien a un veritable perfeccionista, el veritable art artístic de Springsteen es desplega amb tota la seva glòria esquitxada.

 https://ydray.com/get/l/Di16484461280475/NYXp8EGiFTU

 

Tracks is a four-disc box set by American singer-songwriter Bruce Springsteen, released in 1998 containing 66 songs. This box set mostly consists of never-before-released songs recorded during the sessions for his many albums, but also includes a number of single B-sides, as well as demos and alternate versions of already-released material. Next time you find yourself debating the worth of Bruce Springsteen, pull out this brilliant four-disc outtake set. With a flick of his grease-monkey wrist, Springsteen proves, simply by issuing long-unreleased material, why he's the most consistent (read: important) composer in the pop-rock field of his generation. It's there in a dozen included B-sides ("Pink Cadillac," "Shut Out the Light," "Janey Don't You Lose Heart"). It's there in countless rabble-rousing anthems, the singer's stock in working-class trade ("Roulette," "Stand on It," "Car Wash," "Brothers Under the Bridges"). But, mainly, it's there between the lines, in the small idiosyncrasies Springsteen detected within almost every cut that made him--until now--withhold this material. Some are glaringly obvious--the singsong "Living on the Edge of the World," whose lyrics were later lifted for the more sinister "Open All Night"; the morphing of several "Iceman" verses into sentiments expressed on Darkness on the Edge of Town. Some are collectible curiosities, like the starkly disparate alternate takes of "Stolen Car" and "Born in the U.S.A." And others are more meticulous, often coming down to a simple phrase, riff, or melody line that wound up flunking final-cut muster. And when you stumble across those tiny, fleeting moments, moments that would matter to only a true perfectionist, the true artistry of Springsteen unfurls in all its ragged glory.

 

Tracks est un coffret de quatre disques de l'auteur-compositeur-interprète américain Bruce Springsteen, sorti en 1998 et contenant 66 chansons. Ce coffret se compose principalement de chansons inédites enregistrées pendant les sessions de ses nombreux albums, mais comprend également un certain nombre de faces B simples, ainsi que des démos et des versions alternatives de matériel déjà sorti. La prochaine fois que vous vous retrouverez à débattre de la valeur de Bruce Springsteen, sortez ce brillant ensemble de quatre disques. D'un simple coup de poignet, Springsteen prouve, simplement en publiant du matériel inédit depuis longtemps, pourquoi il est le compositeur le plus cohérent (lire : important) dans le domaine pop-rock de sa génération. Il est là dans une douzaine de faces B incluses ("Pink Cadillac", "Shut Out the Light", "Janey Don't You Lose Heart"). C'est là dans d'innombrables hymnes émeutiers, le stock du chanteur dans le commerce ouvrier ("Roulette", "Stand on It", "Car Wash", "Brothers Under the Bridges"). Mais, principalement, c'est là entre les lignes, dans les petites idiosyncrasies que Springsteen a détectées dans presque chaque coupe qui lui a fait - jusqu'à présent - retenir ce matériel. Certains sont d'une évidence flagrante - la chanson "Living on the Edge of the World", dont les paroles ont ensuite été remplacées par le plus sinistre "Open All Night" ; la transformation de plusieurs couplets "Iceman" en sentiments exprimés sur Darkness on the Edge of Town . Certaines sont des curiosités à collectionner, comme les prises alternatives radicalement disparates de "Stolen Car" et "Born in the U.S.A." Et d'autres sont plus méticuleux, se résumant souvent à une simple phrase, un riff ou une ligne mélodique qui a fini par échouer. Et lorsque vous tombez sur ces petits moments fugaces, des moments qui n'auraient d'importance que pour un vrai perfectionniste, le véritable talent artistique de Springsteen se déploie dans toute sa splendeur en lambeaux.

Rolling Stones gira 2022 Europa

 

https://ydray.com/get/l/JD16486637779894/Z8siSLFcwYt 

 Madrid será la ciudad en la que The Rolling Stone comenzará su próxima gira europea, SIXTY (sesenta) con la que celebran sesenta años juntos, el próximo 1 de junio en el Wanda Metropolitano, según han anunciado en Twitter. "Estamos encantados de anunciar la gira Rolling Stones 2022! titulada SIXTY para celebrar 60 años especiales juntos; Mick, Keith y Ronnie tocarán en toda Europa este verano, incluidos 2 espectáculos en el BST Hyde Park de Londres", ha anunciado la banda en su perfil de Twitter. A esta gira, el grupo llega con una ausencia notoria, la del batería Charlie Watts, que falleció el pasado mes de agosto a los 80 años tras más de medio siglo de carrera en sus filas. Para este aniversario, Los Stones, que el año pasado hicieron una gira por Estados Unidos -"No Filter"- 

 Las fechas anunciadas son las siguientes: 

 1 de junio: Madrid, Wanda Metropolitano (España)

 5 de junio: Munich, Estadio Olímpico (Alemania)

 9 de junio: Liverpoool, Anfield Stadium (Alemania) 

13 de junio: Amsterdam, Johan Cruijff Arena (Holanda) 

17 de junio: Berna, Wankdorf Stadium (Suiza) 

21 de junio: Milán, San Siro Stadium (Italia) 

25 de junio: Londres, American Express Presents BST Hyde Park (UK) 

3 de julio: Londres, American Express Presents BST Hyde Park (UK)

11 de julio: Bruselas, King Baudouin Stadium (Bélgica) 

15 de julio: Viena, Ernst Happel Stadium (Austria) 

19 de julio: Lyon, Groupama Stadium (Francia) 

23 de julio: París, Hippodrome ParisLongchamp (Francia) 

27 de julio: Gelsenkirchen, Veltins-Arena (Alemania) 

31 de julio: Estocolmo, Friends Arena, (Suecia) 

 Madrid will be the city where The Rolling Stone will begin its next European tour, SIXTY (sixty) with which they celebrate sixty years together, on June 1 at the Wanda Metropolitano, as announced on Twitter. "We are delighted to announce the Rolling Stones 2022! SIXTY tour to celebrate 60 special years together; Mick, Keith and Ronnie will be playing across Europe this summer, including 2 shows at BST Hyde Park in London," the band announced in their Twitter profile. On this tour, the group arrives with a notorious absence, that of drummer Charlie Watts, who passed away last August at the age of 80 after more than half a century of career in his ranks. For this anniversary, the Stones, who last year toured the United States - "No Filter" -

Madrid sera la ville où The Rolling Stone entamera sa prochaine tournée européenne, SIXTY (soixante) avec laquelle ils fêteront leurs soixante ans ensemble, le 1er juin au Wanda Metropolitano, comme annoncé sur Twitter. "Nous sommes ravis d'annoncer la tournée Rolling Stones 2022! SIXTY pour célébrer ensemble 60 années spéciales; Mick, Keith et Ronnie joueront à travers l'Europe cet été, dont 2 concerts au BST Hyde Park à Londres", a annoncé le groupe sur son Twitter. profil. Sur cette tournée, le groupe arrive avec une absence notoire, celle du batteur Charlie Watts, décédé en août dernier à l'âge de 80 ans après plus d'un demi-siècle de carrière dans ses rangs. Pour cet anniversaire, les Stones, qui ont fait l'an dernier une tournée aux Etats-Unis - "No Filter" -

Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins - The Survivors (1982)

 

The Survivors Live és un àlbum en directe dels músics country Johnny Cash, Carl Perkins i Jerry Lee Lewis, publicat el 1982 a Columbia Records. Va ser gravat el 23 d'abril de 1981 a Stuttgart, Alemanya Occidental, quan els tres cantants, que havien estat companys de segell a Sun Records al començament de la seva carrera, estaven de gira per Europa. Inicialment, l'espectacle només havia de comptar amb Cash, però Lewis i Perkins es van unir a ell a l'escenari una nit en què no tenien un concert programat. Els tres van interpretar una sèrie de cançons per les quals eren coneguts, com ara "Get Rhythm" de Cash i "Blue Suede Shoes" de Perkins, així com composicions una mica més fosques.

  https://www.mediafire.com/file/1qbtkgw8bg0i6ke

 

The Survivors Live is a live album by country musicians Johnny Cash, Carl Perkins and Jerry Lee Lewis, released in 1982 on Columbia Records. It was recorded on April 23, 1981 in Stuttgart, West Germany, when all three singers, who had been labelmates at Sun Records at the beginning of their careers, were touring Europe. The show had initially been meant to feature only Cash, but Lewis and Perkins joined him onstage on a night when they did not have a concert scheduled themselves. The three performed a number of songs they were known for - including Cash's "Get Rhythm" and Perkins' "Blue Suede Shoes" - as well as slightly more obscure compositions.

 

The Survivors Live est un album live des musiciens country Johnny Cash, Carl Perkins et Jerry Lee Lewis, sorti en 1982 sur Columbia Records. Il a été enregistré le 23 avril 1981 à Stuttgart, en Allemagne de l'Ouest, lorsque les trois chanteurs, qui avaient été compagnons de label chez Sun Records au début de leur carrière, étaient en tournée en Europe. Le spectacle était initialement censé ne présenter que Cash, mais Lewis et Perkins l'ont rejoint sur scène un soir où ils n'avaient pas de concert prévu eux-mêmes. Les trois ont interprété un certain nombre de chansons pour lesquelles ils étaient connus – dont « Get Rhythm » de Cash et « Blue Suede Shoes » de Perkins – ainsi que des compositions un peu plus obscures.

John Renbourn (DISCOGRAFIA)

 

John Renbourn (8 de agosto de 1944 – 26 de marzo de 2015) fue un guitarrista y compositor inglés. Fue mejor conocido por su colaboración con el guitarrista Bert Jansch, así como por su trabajo con el grupo folk Pentangle, aunque mantuvo una carrera en solitario antes, durante y después de la existencia de esa banda (1967-1973). Trabajó más tarde en un dúo con Stefan Grossman Aunque más comúnmente etiquetado como un músico folclórico, los gustos e intereses musicales de Renbourn se centraron en la música antigua, la música clásica, el jazz, el blues y la música del mundo. Su álbum más influyente, Sir John Alot (1968), presentó su versión de melodías de la época medieval. Renbourn murió el 26 de marzo de 2015 de un ataque al corazón en su casa en Hawick, en las fronteras escocesas, a los 70 años. 

 https://ydray.com/get/l/VL16484886064452/lQahTgiM3kC

 

John Renbourn (August 8, 1944 – March 26, 2015) was an English guitarist and songwriter. He was best known for his collaboration with guitarist Bert Jansch, as well as his work with the folk group Pentangle, although he did maintain a solo career before, during and after that band's existence (1967-1973). ). He later worked on a duet with Stefan Grossman Although more commonly labeled as a folk musician, Renbourn's musical tastes and interests centered around early music, classical music, jazz, blues, and world music. His most influential album, Sir John Alot (1968), featured his take on melodies from medieval times. Renbourn died on March 26, 2015 of a heart attack at his home in Hawick, in the Scottish Borders, aged 70.

John Renbourn (8 août 1944 - 26 mars 2015) était un guitariste et auteur-compositeur anglais. Il était surtout connu pour sa collaboration avec le guitariste Bert Jansch, ainsi que pour son travail avec le groupe folk Pentangle, bien qu'il ait maintenu une carrière solo avant, pendant et après l'existence de ce groupe (1967-1973). Il a ensuite travaillé sur un duo avec Stefan Grossman Bien que plus communément qualifié de musicien folk, les goûts et intérêts musicaux de Renbourn se sont concentrés sur la musique ancienne, la musique classique, le jazz, le blues et la musique du monde. Son album le plus influent, Sir John Alot (1968), présentait sa vision des mélodies de l'époque médiévale. Renbourn est décédé le 26 mars 2015 d'une crise cardiaque à son domicile de Hawick, dans les Scottish Borders, à l'âge de 70 ans.

Emerson, Lake & Palmer - Out Of This World - Live [1970-1997] (2021)

 

Més de 50 anys després d'Emerson, Lake & Palmer van fer el seu segon concert a l'Isle of Wight Festival 1970 davant d'un públic estimat en aproximadament 600.000 persones, la caixa de 7 CD (o 10 LP) va ser Out of this World: Live (1970-1997) fa una ullada enrere als punts forts dels gegants del rock progressiu com a equip d'actuació durant diverses dècades. Dos dels seus primers espectacles amb més història obren la col·lecció. El conjunt complet de l'Illa de Wight, que es va publicar el 1997 però que havia quedat exhaurit, és aquí. Amb l'ambiciós "Pictures at An Exhibition" com a peça central llarga, aquesta aparició d'ELP va estar a la cúspide del rock progressiu que es va convertir en una força comercial als anys 70 amb aquest trio al capdavant. En el moment del segon espectacle que apareix en aquesta caixa, ELP va ser un gran atractiu quan van encapçalar (amb Deep Purple) el festival California Jam de 1974. Per als curiosos, aquesta versió en CD de l'espectacle de Cal Jam reflecteix el llançament descatalogat del 2012 del conjunt que es va publicar amb el nom de Live in California 1974. Tot i que no s'inclou l'actuació completa (com va ser el cas de el llançament anterior), els fans estaran encantats de veure aquest material disponible una vegada més, amb ELP a l'altura dels seus poders durant l'any del seu àlbum d'èxit Brain Salad Surgery. El treball ràpid de Keith Emerson a "Piano Improvisations" amenaça de desdibuixar la línia entre la capacitat humana i la ciència ficció. La caixa també captura la banda en l'última etapa de la seva popularitat inicial amb el 2-CD Works Live, una actuació canadenca de 1977, i mira cap als seus últims anys amb un espectacle de 1992 del Royal Albert Hall de Londres i un Phoenix de 2 CD. Arizona data de 1997. És una col·lecció que atraurà els fans, però qualsevol persona oberta a l'evidència de com un trio de músics hipertalentosos (Carl Palmer és una força de bateria de la natura) podria fusionar elements clàssics amb rock i trobar ells mateixos jugant als estadis ho trobaran a Out of This World i, com va cantar Greg Lake, "L'espectacle que mai s'acaba".

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Over 50 years after Emerson, Lake & Palmer performed their second concert at Isle of Wight Festival 1970 before a crowd estimated at roughly 600,000, the 7-CD (or 10-LP) box set Out of this World: Live (1970-1997) takes a look back at the prog-rock giants’ strengths as a performing outfit over multiple decades. Two of their most storied early shows open the collection. The full Isle of Wight set, which was released in 1997 but had gone out of print, is here. With the ambitious “Pictures at An Exhibition” as its lengthy centerpiece, this ELP appearance was at the cusp of progressive rock becoming a commercial force in the ’70s with this trio at its fore. By the time of the second show featured in this box, ELP were a major draw when they co-headlined (with Deep Purple) 1974’s California Jam festival. For those curious, this single-CD version of the Cal Jam show mirrors the out-of-print 2012 release of the set that was released under the name Live in California 1974. While the complete performance is not included (as was the case with the previous release), fans will be glad to see this material available once again, with ELP at the height of their powers during the year of their hit album Brain Salad Surgery. Keith Emerson’s lightning-fast work on “Piano Improvisations” threatens to blur the line between human capability and science fiction. The box also captures the band at the late stage of their early popularity with the 2-CD Works Live, a Canadian performance from 1977, and looks toward their later years with a 1992 show from London’s Royal Albert Hall and a 2-CD Phoenix, Arizona date from 1997. It’s a collection that will be of obvious appeal to fans, but anyone open to evidence of how a trio of hyper-talented musicians (Carl Palmer is a drumming force of nature throughout) could meld classical elements with rock and find themselves playing stadiums will find it in Out of This World and, as Greg Lake sang, “The show that never ends.”

Plus de 50 ans après qu'Emerson, Lake & Palmer ont donné leur deuxième concert au Festival de l'île de Wight en 1970 devant une foule estimée à environ 600 000 personnes, le coffret de 7 CD (ou 10 LP) Out of this World: Live (1970-1997) revient sur les forces des géants du rock progressif en tant que groupe performant sur plusieurs décennies. Deux de leurs premiers spectacles les plus célèbres ouvrent la collection. L'ensemble complet de l'île de Wight, sorti en 1997 mais épuisé, est ici. Avec l'ambitieux "Pictures at An Exhibition" comme pièce maîtresse de longue date, cette apparition d'ELP était à l'aube du rock progressif devenant une force commerciale dans les années 70 avec ce trio à sa tête. Au moment du deuxième spectacle présenté dans cette boîte, ELP était un attrait majeur lorsqu'ils ont co-dirigé (avec Deep Purple) le festival California Jam de 1974. Pour les curieux, cette version CD unique du spectacle Cal Jam reflète la version épuisée de 2012 de l'ensemble qui a été publié sous le nom de Live in California 1974. Bien que la performance complète ne soit pas incluse (comme c'était le cas avec la version précédente), les fans seront ravis de voir ce matériel à nouveau disponible, avec ELP à l'apogée de ses pouvoirs au cours de l'année de son album à succès Brain Salad Surgery. Le travail ultra-rapide de Keith Emerson sur les "improvisations au piano" menace de brouiller la frontière entre les capacités humaines et la science-fiction. La boîte capture également le groupe à la fin de sa popularité précoce avec le 2-CD Works Live, une performance canadienne de 1977, et se tourne vers ses dernières années avec un spectacle de 1992 au Royal Albert Hall de Londres et un 2-CD Phoenix, Arizona date de 1997. C'est une collection qui sera d'un attrait évident pour les fans, mais toute personne ouverte à la preuve de la façon dont un trio de musiciens hyper talentueux (Carl Palmer est une force de tambour de la nature tout au long) pourrait fusionner des éléments classiques avec du rock et trouver eux-mêmes jouant dans des stades le trouveront dans Out of This World et, comme Greg Lake l'a chanté, "Le spectacle qui ne se termine jamais".

Deep Purple - Gold (2009)

 

Deep Purple es una banda británica de hard rock formada en 1968 en Hertford, Reino Unido. Está considerada como una de las pioneras de dicho subgénero, y los pioneros del heavy metal junto a Led Zeppelin y Black Sabbath. Su música ha incorporado elementos del rock progresivo, rock sinfónico, rock psicodélico, blues rock, funk rock, britpop y la música clásica. Deep Purple ha vendido más de 150 millones de discos en todo el mundo.

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Deep Purple is a British hard rock band formed in 1968 in Hertford, United Kingdom. She is considered one of the pioneers of this subgenre, and the pioneers of heavy metal along with Led Zeppelin and Black Sabbath. Their music has incorporated elements of progressive rock, symphonic rock, psychedelic rock, blues rock, funk rock, Britpop, and classical music. Deep Purple have sold more than 150 million records worldwide.

 

Deep Purple est un groupe de hard rock britannique formé en 1968 à Hertford, au Royaume-Uni. Elle est considérée comme l'une des pionnières de ce sous-genre, et les pionnières du heavy metal avec Led Zeppelin et Black Sabbath. Leur musique a incorporé des éléments de rock progressif, de rock symphonique, de rock psychédélique, de blues rock, de funk rock, de Britpop et de musique classique. Deep Purple a vendu plus de 150 millions de disques dans le monde.

Aerosmith - Essentials (2020)

 

Aerosmith es una banda estadounidense de rockformada en Boston en 1970. Sus miembros son: Steven Tyler (cantante), Joe Perry (guitarra), Tom Hamilton (bajo), Joey Kramer (batería) y Brad Whitford (guitarra). Conocidos también como "Los chicos malos de Boston" o "Toxic Twins" –apelativo por el que se conoce a sus dos líderes por su histórica adicción a las drogas su sonido, agresivamente rítmico, tiene raíces en el blues, y contribuyó a establecer el sonido del hard rock y pop rock entre los años 1981 y 1990.

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Aerosmith is an American rock band formed in Boston in 1970. Its members are: Steven Tyler (singer), Joe Perry (guitar), Tom Hamilton (bass), Joey Kramer (drums), and Brad Whitford (guitar). Also known as "The Bad Boys of Boston" or "Toxic Twins" – a name by which their two leaders are known for their historical drug addiction, their aggressively rhythmic sound has roots in the blues, and helped establish the sound of hard rock and pop rock between the years 1981 and 1990.

 

Aerosmith est un groupe de rock américain formé à Boston en 1970. Ses membres sont : Steven Tyler (chanteur), Joe Perry (guitare), Tom Hamilton (basse), Joey Kramer (batterie) et Brad Whitford (guitare). Aussi connu sous le nom de "The Bad Boys of Boston" ou "Toxic Twins" - un nom sous lequel leurs deux leaders sont connus pour leur toxicomanie historique, leur son rythmique agressif a des racines dans le blues et a contribué à établir le son du hard rock et pop rock entre les années 1981 et 1990.

John Mayall - The Sun Is Shining Down (2022)

Quan es tracta de l'escena del blues britànic, ningú no ha arribat ni tan sols a incendiar-lo amb la magnitud que té John Mayall. En una carrera que ara abasta més de 60 anys, la seva banda ha encès la carrera de talents musicals incipients: Mick Taylor, Peter Green i un tal Mr. Clapton només per citar-ne alguns. Fins i tot a l'edat de 88 anys, el "Padrí del blues britànic" no mostra cap senyal de reflectir els raigs càlids que brindan el seu so característic de fusió jazz-blues. No trobareu un músic a l'hemisferi del blues que no faci un triple salt davant la perspectiva de fregar-se al costat d'un home imbuït de la reialesa del blues. The Sun Is Shining Down no és una excepció quan es tracta de l'estricta política de contractació de Mayall que s'enorgulleix de la millor opció. Amb convidats especials com Mike Campbell de The Heartbreakers, el virtuós en ascens de la guitarra Marcus King, la icona del Chicago Blues Melvin Taylor, Scarlet Rivera (coneguda membre de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan) i l'artista d'ukulele hawaià Jake Shimabukuro, és tan allunyat del fons de el bé com s'ha arribat a esperar d'un home amb una oïda estranya per al talent i una obsessió molt arrelada pel gènere. Com a artista que proporciona el vincle entre Cream, Fleetwood Mac i els Rolling Stones, és segur dir que el seu seient a la història musical ja està reservat. Si teníeu dubtes sobre la gana de Mayall per seguir produint els productes, aleshores la cançó d'obertura "Hungry And Ready" aviat posarà qualsevol premonició que vau haver de dormir. Mayall sona amb energia: la seva veu encara talla la mostassa i, si necessiteu recordar-ho (com l'escriptor d'aquí), és un harmònic infernal. Taylor també il·lustra la seva classe amb un joc de plom meravellosament fluid. "Take No More" presenta la innocència de la joventut mentre King pren el protagonisme. Conegut pel seu alt to humbucker, fuma i espurneja en aquest original Mayall emotiu, sense la menor visió de sorprendre. "Chills and Thrills" em posa la pell de gallina funky mentre Campbell demostra ser un mestre de la guitarra discreta. No hi ha ningú per perdre una nota, el seu saborós calçat és tan melòdic que podríeu pensar que és un pilar entre el repartiment d'estrelles. No acostumo a mencionar l'ukelele elèctric, però l'habilitat de Shimabukuro a "One Special Lady" és gens fascinant. Aporta un so ric i ple, que s'equilibra perfectament al costat de la banda de suport per excel·lència. A l'adequadament titulat "A Quitter Never Wins", Mayall s'ocupa merescudament de la protagonisme mentre ho fa en solitari sense un convidat per ruixar la pols de fades. Finalitzant amb la cançó principal "The Sun Is Shining Down", Carolyn Wonderland (apropant-se al seu quart any com a guitarrista principal de la banda) toca molt bé en aquest número de ritme mitjà que em deixa sentir el cel vermell a la nit, el plaer del pastor. No crec que existeixi cap superlatiu que pugui fer justícia a la contribució de John Mayall a la música blues. En la seva etapa de la vida i tenint en compte tot el que ha aconseguit, t'has de treure les sabates (a més d'apuntar el barret) al nivell de feina que encara està fent. Queda per veure si Mayall promet unes quantes sortides de sol més, però, afortunadament, no hi ha cap mena d'ell cap a la posta de sol aviat. Continua brillant John.

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When it comes to the British Blues scene, nobody has even come close to torching it to the magnitude that John Mayall has. In a career now spanning over 60 years, his band have kindled the careers of bountiful fledgling musical talents – Mick Taylor, Peter Green, and a certain Mr. Clapton just to name a few. Even at the ripe age of 88, the “Godfather of the British Blues” shows no signs of reflecting the warm rays that toast his signature jazz-blues fusion sound. You won’t find a musician out there in the blues hemisphere that wouldn’t triple jump at the prospect of rubbing shoulders alongside a man imbued in blues royalty. The Sun Is Shining Down is no exception when it comes to Mayall’s strict recruitment policy that prides itself on the cream of the crop. With special guests including The Heartbreakers’ Mike Campbell, rising guitar virtuoso Marcus King, Chicago Blues icon Melvin Taylor, Scarlet Rivera (famously a member of Bob Dylan’s Rolling Thunder Revue), and Hawaiian ukulele artist Jake Shimabukuro, it’s as aloof from the bottom of the well as one has come to expect from a man with an uncanny ear for talent and a deep-rooted obsession for the genre. As an artist who provides the link between Cream, Fleetwood Mac, and the Rolling Stones, it’s safe to say his seat in musical history is already reserved. If you had any qualms about Mayall’s appetite to keep producing the goods, then the opening track “Hungry And Ready” will soon put any premonitions you had to bed. Mayall sounds energized – his voice still cuts the mustard, and if you needed reminding (like the writer here) he’s one hell of a harmonica player. Taylor also illustrates his class with some wonderfully fluid lead playing. “Take No More” brings forth the innocence of youth as King takes center stage. Known for his soaring humbucker tone, he smokes and sizzles throughout this soulful Mayall original, without the slightest glimpse of being overawed. “Chills and Thrills” gives me funky goosebumps as Campbell proves himself a master of understated guitar. Not one to waste a note, his tasty fretwork is so melodic that you would think he’s a mainstay in among the star-studded cast. I don’t often get to mention the electric ukulele, but the skill of Shimabukuro on “One Special Lady” is nothing short of mesmerizing. It brings a rich and fuller sound, that balances perfectly alongside the backing band par excellence. On the fittingly titled “A Quitter Never Wins”, Mayall deservedly hogs the limelight as he goes at it solo without a guest to sprinkle over fairy dust. Wrapping up with the title track “The Sun Is Shining Down”, Carolyn Wonderland (approaching her fourth year as the band’s lead guitarist) plays beautifully on this mid-tempo number that leaves me feeling all red sky at night, shepherd’s delight. I don’t think any superlatives exist that can do justice to John Mayall’s contribution to blues music. At his stage in life and given all he’s achieved, you have to take off your shoes (as well as tip your hat) to the level of work he’s still putting out there. Whether Mayall holds promise for a few more sunrises remains to be seen, but mercifully there’s no glimmer of him swanning off into the sunset anytime soon. Keep on shining John.

En ce qui concerne la scène blues britannique, personne n'a même failli l'incendier à l'ampleur de John Mayall. Au cours d'une carrière qui s'étend maintenant sur plus de 60 ans, son groupe a suscité la carrière de nombreux talents musicaux naissants - Mick Taylor, Peter Green et un certain M. Clapton pour n'en nommer que quelques-uns. Même à l'âge mûr de 88 ans, le "parrain du blues britannique" ne montre aucun signe de refléter les rayons chauds qui grillent son son signature jazz-blues fusion. Vous ne trouverez pas un musicien dans l'hémisphère blues qui ne ferait pas un triple saut à la perspective de côtoyer un homme imprégné de la royauté du blues. The Sun Is Shining Down ne fait pas exception à la politique de recrutement stricte de Mayall qui se targue de la crème de la crème. Avec des invités spéciaux comme Mike Campbell des Heartbreakers, le virtuose montant de la guitare Marcus King, l'icône du blues de Chicago Melvin Taylor, Scarlet Rivera (célèbre membre de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan) et l'artiste hawaïen de ukulélé Jake Shimabukuro, c'est aussi distant du fond de le bien que l'on attend d'un homme avec une oreille surnaturelle pour le talent et une obsession profondément enracinée pour le genre. En tant qu'artiste qui fait le lien entre Cream, Fleetwood Mac et les Rolling Stones, on peut dire sans se tromper que sa place dans l'histoire de la musique est déjà réservée. Si vous aviez des scrupules à propos de l'appétit de Mayall pour continuer à produire les marchandises, alors le morceau d'ouverture "Hungry And Ready" mettra bientôt au lit toutes les prémonitions que vous aviez. Mayall semble plein d'énergie - sa voix coupe toujours la moutarde, et si vous aviez besoin de le rappeler (comme l'écrivain ici), il est un sacré joueur d'harmonica. Taylor illustre également sa classe avec un jeu de rôle merveilleusement fluide. "Take No More" fait ressortir l'innocence de la jeunesse alors que King occupe le devant de la scène. Connu pour sa tonalité de humbucker montante, il fume et grésille tout au long de cet original de Mayall soul, sans le moindre aperçu d'être intimidé. "Chills and Thrills" me donne la chair de poule funky alors que Campbell se révèle être un maître de la guitare discrète. Pas du genre à perdre une note, son chantournage savoureux est si mélodique qu'on pourrait penser qu'il est un pilier parmi la distribution étoilée. Je ne parle pas souvent du ukulélé électrique, mais le talent de Shimabukuro sur "One Special Lady" est tout simplement fascinant. Il apporte un son riche et plein, qui s'équilibre parfaitement avec le groupe d'accompagnement par excellence. Sur le titre à juste titre "A Quitter Never Wins", Mayall monopolise à juste titre la vedette alors qu'il y va en solo sans invité à saupoudrer de poussière de fée. Pour conclure avec la chanson titre "The Sun Is Shining Down", Carolyn Wonderland (approchant sa quatrième année en tant que guitariste principale du groupe) joue magnifiquement sur ce numéro à mi-tempo qui me laisse sentir tout le ciel rouge la nuit, le délice du berger. Je ne pense pas qu'il existe des superlatifs qui puissent rendre justice à la contribution de John Mayall à la musique blues. À son stade de la vie et compte tenu de tout ce qu'il a accompli, vous devez enlever vos chaussures (et lever votre chapeau) au niveau de travail qu'il fait encore. Reste à savoir si Mayall promet quelques levers de soleil supplémentaires, mais heureusement, il n'y a aucune lueur de lui se précipiter vers le coucher du soleil de si tôt. Continuez à briller John.

Bryan Adams - So Happy It Hurts (2022)

 

So Happy It Hurts és el quinzè àlbum d'estudi del cantautor canadenc Bryan Adams, llançat l'11 de març de 2022 a través de BMG, només una setmana després del llançament en línia de l'àlbum Pretty Woman – The Musical. L'àlbum és el primer del cantant a ser llançat en el segell BMG Rights Management després que el seu àlbum anterior Shine a Light fos llançat per Polydor Records i el seu segell matriu Universal Music Group. Adams va confirmar que l'àlbum es diria So Happy It Hurts, descrivint l'àlbum com un "retorn a la vida" após la pandèmia de COVID-19. En descriure l'àlbum, també va dir: "La pandèmia i el confinament realment van portar a casa la veritat que l'espontaneïtat es pot treure", va dir en un comunicat de premsa. De sobte, tot el recorregut es va aturar, ningú va poder saltar a l'acte i marxar. La cançó principal "So Happy It Hurts" tracta sobre la llibertat, l'autonomia, l'espontaneïtat i l'emoció del camí obert. L'àlbum del mateix nom toca moltes de les coses efímeres de la vida que són realment el secret de la felicitat i, el més important, la connexió humana”. Adams va tocar tots els instruments mentre enregistrava l'àlbum. Va detallar el procés en una entrevista amb la revista Rock Cellar: "L'únic que és diferent en aquest disc en comparació dels àlbums anteriors és que no ho vaig poder interpretar amb la meva banda. Vaig haver de trobar una altra manera. I llavors, el que estava fent era gravar tots els instruments jo mateix, un per un, i tractar de crear la sensació d'una banda, i mentrestant, potser aquesta sigui una de les raons per les quals el disc és força alegre. M'ho vaig passar molt bé fent-ho. molt divertit tractar de viure el meu somni de tota la vida de ser baterista i després estructurar cada peça del disc una per una fins que sonés com una cançó o sonés com un àlbum”. Diverses de les cançons són anteriors a la pandèmia de COVID-19, va dir Adams al diari holandès Metro.Va admetre que la cançó These Are The Moments That Make Up Our Life va ser originalmente pensada per a la pel·lícula de 2008 Marley & Me, protagonitzada per Owen Wilson i Jennifer Aniston. "Mai ho completem a temps. No obstant això, en ajuntar idees per a aquest àlbum, vaig trobar una demo aproximada que havia fet de la cançó i així que vaig tornar a fer-ho. Aquesta podria ser la meva cançó favorita a l'àlbum compositivament, almenys avui ho és ". La cançó I've Been Looking For You es remunta a les sessions d'escriptura de Pretty Woman: The Musical, Adams explica: "Escriure aquest musical va ser una classe magistral a la composició de cançons, també va ser una classe magistral per no perdre el cap , ja que hi va haver tanta reescriptura i rebuig durant el procés de producció, però això no significa que les cançons rebutjades no hagin trobat una llar. per descomptat és una llàstima que no estiguin al musical, però així és com rebota la pilota de Broadway”. A la mateixa entrevista, Adams comenta sobre la reconnexió amb el compositor i productor Robert John "Mutt" Lange: "Havíem estat rebotant idees d'una banda a l'altra per a un parell de cançons, just abans de treballar al disc. Simplement va succeir naturalment, així que seguim escrivint cançons.Em va agradar una cançó que havia començat anomenada Kick Ass i així que vam treballar en això.Després li vaig demanar que m'ajudés amb una idea que havia anomenat On The Road i ho vam fer.Era només una cançó darrere una altra, era una mica de màgia si ho penso, la seva darrera col·laboració va ser a l'àlbum 11 de 2008.

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So Happy It Hurts is the fifteenth studio album by Canadian singer-songwriter Bryan Adams, released on March 11, 2022 via BMG, just one week after the online release of the album Pretty Woman - The Musical. The album is the singer's first to be released on BMG Rights Management after their previous album Shine a Light was released by Polydor Records and their parent label Universal Music Group. Adams confirmed that the album would be called So Happy It Hurts, describing the album as a "return to life" after the COVID-19 pandemic. Describing the album, he also said: "The pandemic and confinement really brought home the truth that spontaneity can be taken away," he said in a press release. Suddenly, the whole route stopped, no one could jump on the spot and leave. The lead song "So Happy It Hurts" is about freedom, autonomy, spontaneity and the excitement of the open road. The album of the same name touches on many of the ephemeral things in life that are really the secret of happiness and, most importantly, the human connection. Adams played all the instruments while recording the album. He detailed the process in an interview with Rock Cellar magazine: "The only thing that is different about this album compared to previous albums is that I couldn't perform it with my band. , what I was doing was recording all the instruments myself, one by one, and trying to create the feeling of a band, and in the meantime, maybe this is one of the reasons why the record is quite cheerful. I had a great time doing it, a lot of fun trying to live my lifelong dream of being a drummer and then structuring each piece of the record one by one until it sounded like a song or it sounded like an album. " Several of the songs predate the COVID-19 pandemic, Adams told the Dutch newspaper Metro. He admitted that the song These Are The Moments That Make Up Our Life was originally intended for the 2008 film Marley & Me, starring Owen Wilson and Jennifer Aniston. "I never completed it on time. However, when I put together ideas for this album, I found a rough demo of the song and so I did it again. This could be my favorite song on the album. album compositionally, at least today it is ". The song I've Been Looking For You goes back to the writing sessions of Pretty Woman: The Musical, Adams explains: "Writing this musical was a master class in songwriting, it was also a master class for not lose your head, as there was so much rewriting and rejection during the production process, but that doesn't mean the discarded songs haven't found a home, of course it's a shame they're not in the musical Broadway ball ”. In the same interview, Adams comments on the reconnection with composer and producer Robert John "Mutt" Lange: "We had been bouncing ideas from side to side for a couple of songs, just before working on the record. it happened naturally, so we kept writing songs. I liked a song that had started called Kick Ass and so we worked on it. Then I asked him to help me with an idea that he had called On The Road and we did .It was just one song after another, it was a bit of magic if I think about it, his last collaboration was on the album 11 of 2008.

So Happy It Hurts est le quinzième album studio de l'auteur-compositeur-interprète canadien Bryan Adams, sorti le 11 mars 2022 via BMG, une semaine seulement après la sortie en ligne de l'album Pretty Woman - The Musical. L'album est le premier du chanteur à sortir sur BMG Rights Management après que leur précédent album Shine a Light soit sorti par Polydor Records et leur label parent Universal Music Group. Adams a confirmé que l'album s'appellerait So Happy It Hurts, décrivant l'album comme un "retour à la vie" après la pandémie de COVID-19. Décrivant l'album, il a également déclaré: "La pandémie et le confinement ont vraiment fait comprendre que la spontanéité peut être supprimée", a-t-il déclaré dans un communiqué de presse. Du coup, tout le parcours s'est arrêté, personne ne pouvait sauter sur place et repartir. La chanson principale "So Happy It Hurts" parle de liberté, d'autonomie, de spontanéité et de l'excitation de la route ouverte. L'album du même nom touche à de nombreuses choses éphémères de la vie qui sont vraiment le secret du bonheur et, surtout, du lien humain. Adams a joué de tous les instruments lors de l'enregistrement de l'album. Il a détaillé le processus dans une interview avec le magazine Rock Cellar : "La seule chose qui diffère de cet album par rapport aux albums précédents, c'est que je ne pouvais pas le jouer avec mon groupe. , ce que je faisais, c'était d'enregistrer tous les instruments moi-même, un par un, et essayer de créer le sentiment d'un groupe, et en attendant, c'est peut-être l'une des raisons pour lesquelles le disque est assez joyeux. J'ai passé un bon moment à le faire, beaucoup de plaisir à essayer de vivre ma vie rêve d'être batteur et ensuite de structurer chaque morceau du disque un par un jusqu'à ce que ça sonne comme une chanson ou que ça sonne comme un album." Plusieurs des chansons sont antérieures à la pandémie de COVID-19, a déclaré Adams au journal néerlandais Metro. Il a admis que la chanson These Are The Moments That Make Up Our Life était à l'origine destinée au film de 2008 Marley & Me, avec Owen Wilson et Jennifer Aniston. "Je ne l'ai jamais terminé à temps. Cependant, lorsque j'ai rassemblé des idées pour cet album, j'ai trouvé une démo approximative de la chanson et je l'ai donc refaite. Cela pourrait être ma chanson préférée sur l'album. compositionnellement, du moins aujourd'hui c'est ". La chanson I've Been Looking For You remonte aux séances d'écriture de Pretty Woman : The Musical, Adams explique : "Écrire cette comédie musicale était une classe de maître dans l'écriture de chansons, c'était aussi une classe de maître pour ne pas perdre la tête, comme là-bas il y a eu tellement de réécriture et de rejet pendant le processus de production, mais cela ne signifie pas que les chansons abandonnées n'ont pas trouvé de foyer, bien sûr, c'est dommage qu'elles ne soient pas dans le bal musical de Broadway ». Dans la même interview, Adams commente la reconnexion avec le compositeur et producteur Robert John "Mutt" Lange : "Nous avions échangé des idées d'un côté à l'autre pour quelques chansons, juste avant de travailler sur le disque. C'est arrivé naturellement, alors nous J'ai continué à écrire des chansons. J'ai aimé une chanson qui avait commencé qui s'appelait Kick Ass et nous avons donc travaillé dessus. Puis je lui ai demandé de m'aider avec une idée qu'il avait appelée On The Road et nous l'avons fait. C'était juste une chanson après l'autre, c'était un peu magique si j'y pense, sa dernière collaboration était sur l'album 11 de 2008.

Blood Sweat & Tears - Original Album Classics (1968/1972)

 

Blood, Sweat & Tears és un grup de música jazz rock fundat a la ciutat de Nova York el 1967. Es destaquen per la seva combinació d'instrumentació de banda de metalls i rock. El grup va gravar cançons de compositors de rock/folk com Laura Nyro, James Taylor, the Band i els Rolling Stones, així com Billie Holiday i Erik Satie. També van incorporar música de Thelonious Monk i Sergei Prokofiev als seus arranjaments. Des dels inicis, la banda ha passat per nombroses iteracions amb personal variable i ha abastat una multitud d'estils musicals. La banda és més notable per la seva fusió de rock, blues, música pop, arranjaments de trompa i improvisació de jazz en un híbrid que va arribar a ser conegut com a jazz rock. A diferència de les bandes de "jazz fusió", que tendeixen cap a exhibicions virtuoses de la instal·lació instrumental i certa experimentació amb instruments elèctrics, les cançons de Blood, Sweat & Tears van fusionar els estils del rock, el pop i la música R&B/soul amb la big band, alhora que afegeixen elements de les tradicions clàssiques i de petit combo jazz del segle 20.

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Blood, Sweat & Tears is a jazz rock music group founded in New York City in 1967. They are noted for their combination of brass band and rock instrumentation. The group recorded songs by rock/folk songwriters such as Laura Nyro, James Taylor, the Band, and the Rolling Stones, as well as Billie Holiday and Erik Satie. They also incorporated music by Thelonious Monk and Sergei Prokofiev in their arrangements. Since its inception, the band has gone through numerous iterations with varying personnel and has spanned a multitude of musical styles. The band is most notable for its fusion of rock, blues, pop music, horn arrangements, and jazz improvisation into a hybrid that came to be known as "jazz rock". Unlike "jazz fusion" bands, which tend toward virtuosic displays of instrumental installation and some experimentation with electric instruments, the songs on Blood, Sweat & Tears fused the styles of rock, pop, and R&B/soul music with the big band, while adding elements of 20th-century classical and small-combo jazz traditions.

Sang, sueur & Tears est un groupe de musique jazz rock fondé à New York en 1967. Ils sont connus pour leur combinaison de fanfare et d'instrumentation rock. Le groupe a enregistré des chansons d'auteurs-compositeurs rock/folk tels que Laura Nyro, James Taylor, the Band et les Rolling Stones, ainsi que Billie Holiday et Erik Satie. Ils ont également incorporé de la musique de Thelonious Monk et Sergei Prokofiev dans leurs arrangements. Depuis sa création, le groupe a traversé de nombreuses itérations avec un personnel varié et a traversé une multitude de styles musicaux. Le groupe est surtout connu pour sa fusion de rock, de blues, de musique pop, d'arrangements de cor et d'improvisation jazz dans un hybride connu sous le nom de "jazz rock". Contrairement aux groupes de "jazz fusion", qui tendent vers des démonstrations virtuoses d'installations instrumentales et quelques expérimentations avec des instruments électriques, les chansons de Blood, Sweat & Tears a fusionné les styles de musique rock, pop et R & B / soul avec le big band, tout en ajoutant des éléments des traditions de jazz classique et de petit combo du XXe siècle.

The Allman Brothers Band - Midnight Callin' - The Broadcast Travelog Volume Two (2021)

 

"Duane Allman estava ple d'energia... era una força a tenir en compte. El seu impuls i enfocament, així com la seva intensa creença en ell mateix i en la nostra banda, van ser increïbles. Sabia que ho aconseguiríem. Tots sabíem que érem una bona banda, però ningú tenia aquesta confiança suprema com ell, i va ser una gran cosa, perquè la seva confiança i entusiasme eren contagiosos... diu molt que el seu heroi va ser Muhammad Ali. Aquest tipus de confiança suprema que tenia Ali: d'aquí venia Duane". Dickie Betts Volum dos de la sèrie Travelog. Cinc hores més d'actuacions rares/inèdites de tota la seva història. Origen i remasteritzat a partir de les emissions originals. Digipak 4cd d'edició limitada. Disc One Lonestar Roadhouse, NYC, 30 de març de 1992, WNEW Broadcast Intro Seven Turns Midnight Rider Come On In My Kitchen Melissa Goin' Down The Road Feelin' Bad Steady Rolling Man Gregg Allman - Auditorium Shore, Austin, TX. 18 de juliol de 1987, emissió sindicada No és la meva creu per suportar cares de sentiment sense noms sense noms No hi ha més problemes. 'Lanta No sóc un àngel, si us plau, truqueu a casa. Emissió No et vull més No és la meva creu suportar Long Time Gone Midnight Rider Ramblin' Man Guanyar, perdre o empatar No pots perdre el que mai no has tingut One Way Out High Falls Tot i això Statesboro Blues Sweet Mama Jessica Disc Tres Nassau Coliseum, Uniondale, NY, 13 de març de 1976, WLIR Broadcast (cont.) Stormy Monday You Don't Love Me Les Brers In A Minor Warren Haynes – Beale St. Blues Show, Memphis, 16 d'octubre de 1994, WEGR-FM Broadcast Look On Enllà de la paret Quin blau pots aconseguir? (feat. James Cotton) Disc Four Fillmore East, Nova York, 23 de setembre de 1970, PBS Broadcast Don't Keep Me Wonderin' Dreams In Memory Of Elizabeth Reed Whipping Post Grand Opera House, Macon, GA. 10 de setembre de 1973, emissió sindicada ABC Done Somebody Wrong Southbound Midnight Rider Ain't Wastin' Time No More Statesboro Blues Gregg Allman - 'The Inside Track' amb Graham Nash, gener de 1991, A & E Broadcast Melissa Midnight Rider Aquests dies vénen i van Els blaus

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“Duane Allman was bursting with energy…he was a force to be reckoned with. His drive and focus, as well as his intense belief in himself and our band, was incredible. He knew we were going to make it. We all knew we were a good band, but no one had that supreme confidence like he did, and it was a great thing, because his confidence and enthusiasm were infectious…it says a lot that his hero was Muhammad Ali. That kind of supreme confidence that Ali had – that’s where Duane was coming from.” Dickie Betts Volume two of the Travelog series. Another five hours of rare/unreleased performances from across their history. Sourced and remastered from the original broadcasts. Limited edition 4cd digipak. Disc One Lonestar Roadhouse, NYC, March 30th 1992, WNEW Broadcast Intro Seven Turns Midnight Rider Come On In My Kitchen Melissa Goin’ Down The Road Feelin’ Bad Steady Rolling Man Gregg Allman - Auditorium Shore, Austin, TX. July 18th 1987, Syndicated Broadcast It’s Not My Cross To Bear Old Time Feeling Faces Without Names Trouble No More Anything Goes Hot ‘Lanta I’m No Angel Please Call Home Whipping Post Disc Two Nassau Coliseum, Uniondale, NY, March 13th 1976, WLIR Broadcast Don’t Want You No More It’s Not My Cross To Bear Long Time Gone Midnight Rider Ramblin’ Man Win, Lose or Draw You Can’t Lose What You Never Had One Way Out High Falls Nevertheless Statesboro Blues Sweet Mama Jessica Disc Three Nassau Coliseum, Uniondale, NY, March 13th 1976, WLIR Broadcast (cont.) Stormy Monday You Don’t Love Me Les Brers In A Minor Warren Haynes – Beale St. Blues Show, Memphis, October 16th 1994, WEGR-FM Broadcast Look On Yonder Wall How Blue Can You Get? (feat. James Cotton) Disc Four Fillmore East, New York, September 23rd 1970, PBS Broadcast Don’t Keep Me Wonderin’ Dreams In Memory Of Elizabeth Reed Whipping Post Grand Opera House, Macon, GA. September 10th 1973, ABC Syndicated Broadcast Done Somebody Wrong Southbound Midnight Rider Ain’t Wastin’ Time No More Statesboro Blues Gregg Allman - ‘The Inside Track’ with Graham Nash, January 1991, A & E Broadcast Melissa Midnight Rider These Days Come And Go Blues

« Duane Allman débordait d'énergie… il était une force avec laquelle il fallait compter. Son dynamisme et sa concentration, ainsi que sa confiance intense en lui-même et en notre groupe, étaient incroyables. Il savait que nous allions y arriver. Nous savions tous que nous étions un bon groupe, mais personne n'avait cette confiance suprême comme lui, et c'était une bonne chose, car sa confiance et son enthousiasme étaient contagieux… cela en dit long sur le fait que son héros était Muhammad Ali. Ce genre de confiance suprême qu'Ali avait - c'est de là que venait Duane. Dickie Betts Volume deux de la série Travelog. Encore cinq heures de performances rares / inédites à travers leur histoire. Source et remasterisé à partir des émissions originales. Digipack 4cd en édition limitée. Disque 1 Lonestar Roadhouse, NYC, 30 mars 1992, WNEW Broadcast Intro Seven Turns Midnight Rider Come On In My Kitchen Melissa Goin' Down The Road Feelin' Bad Steady Rolling Man Gregg Allman - Auditorium Shore, Austin, TX. 18 juillet 1987, Diffusion syndiquée Ce n'est pas ma croix pour porter des visages sans noms Trouble Old Time Feeling No More Anything Goes Hot 'Lanta I'm No Angel Please Call Home Whipping Post Disc Two Nassau Coliseum, Uniondale, NY, 13 mars 1976, WLIR Diffusé Don't Want You No More Ce n'est pas ma croix à porter Long Time Gone Midnight Rider Ramblin 'Man Win, Lose or Draw You Can't Lose What You Never Had One Way Out High Falls Néanmoins Statesboro Blues Sweet Mama Jessica Disc Three Nassau Coliseum, Uniondale, NY, 13 mars 1976, WLIR Broadcast (suite) Stormy Monday You Don't Love Me Les Brers In A Minor Warren Haynes – Beale St. Blues Show, Memphis, 16 octobre 1994, WEGR-FM Broadcast Look On Yonder Wall À quel point pouvez-vous devenir bleu ? (avec James Cotton) Disque Quatre Fillmore East, New York, 23 septembre 1970, PBS Broadcast Don't Keep Me Wonderin' Dreams In Memory Of Elizabeth Reed Whipping Post Grand Opera House, Macon, GA. 10 septembre 1973, ABC Syndicated Broadcast Done Somebody Wrong Southbound Midnight Rider Ain't Wastin' Time No More Statesboro Blues Gregg Allman - 'The Inside Track' avec Graham Nash, janvier 1991, A & E Broadcast Melissa Midnight Rider These Days Come And Go Bleus

Lou Reed - I'm So Free - The 1971 RCA Demos

 

El lanzamiento de 2015 de The Complete Matrix Tapes restaurado, ampliado y remezclado podría haber sido el último de una larga lista de obsequios de archivo para deleitar a los fanáticos de The Velvet Underground y Lou Reed, pero aún así, el armario no está vacío. Nos enteramos de otra grabación supuestamente perdida a la que eventualmente se le puede dar el mismo tratamiento. Viene en forma de dos cintas de carrete a carrete, nunca antes escuchadas desde 1972, propiedad del distribuidor de discos Alexander Budny, quien se las compró a Tom Adams. Ese es Tom Adams, el artista y diseñador famoso por las ilustraciones de libros de los años 60 para una amplia variedad de escritores, incluidos Kingsley Amis, Raymond Chandler, Agatha Christie y John Fowles. En 1971, Lou Reed era fanático de las portadas de los libros de Adams y propuso al ilustrador que proporcionara el arte de la portada para su inminente álbum debut en solitario. Reed voló al Reino Unido a principios de 1972 y tuvo varias reuniones con Adams, "Primero en su hotel, luego en mi departamento", según Adams. Fue durante estas discusiones que Reed le dio a Adams dos cintas de carrete a carrete que comprenden 17 demos de canciones que tenía la intención de trabajar en Morgan Studios de Monty Babson en Willesden. De hecho, Reed incluso revisó las canciones con Adams mientras las escuchaban en el reproductor de carrete a carrete de Adam y subrayó en las cajas de cinta las 10 canciones que él y su productor Richard Robinson habían destinado para el LP. Esto fue para darle a Adams inspiración para la ilustración que finalmente adornó la portada de Lou Reed. Las demostraciones se habían grabado en un estudio desconocido de Londres en esta época con Reed acompañándose con la guitarra acústica en todas las pistas. Nunca alguien que olvide una canción, I Can't Stand It, Lisa Says, Ride Into The Sun, Ocean, I'm Stick With You y She's My Best Friend fueron escritas durante el mandato de Reed en The Velvet Underground. Puedes escuchar las versiones de los Velvet de todos estos en las colecciones de tomas descartadas VU (1985) y Another View (1986), mientras que los primeros cuatro llegaron al debut de Reed. Sorprendentemente, considerando que se convertiría en una de las canciones emblemáticas de Reed, A Perfect Day (como estaba etiquetado en la caja) se reservó para su próximo álbum, Transformer, junto con I'm So Free, Hang Around (sic). , y New York Conversation (falta el "Teléfono" en el título). Kill All Your Sons, junto al cual Reed había escrito "¡No!" en la caja, tendría que esperar hasta Sally Can't Dance de 1974 para ver la luz del día. Si bien las 17 canciones excepto I'm Sticking With You estarían en los álbumes en solitario de Reed, estas cintas brindan una mirada increíble e íntima de Reed, el compositor e intérprete. Como sabrán los fanáticos de Velvets, I'm Sticking With You fue cantada con la baterista Maureen Tucker en el eventual lanzamiento de Velvets, por lo que escuchar a Reed tomar los primeros versos es de especial interés. Budny espera que el coleccionista de Velvets o una compañía discográfica le compre las cintas y luego haga arreglos para que se publiquen para que las disfruten los fanáticos de Velvet Underground y Lou Reed. He escuchado ambas cintas y la calidad del audio es de primera y sorprendentemente íntima, ya que fueron grabadas y balanceadas profesionalmente. De hecho, estas cintas de Adams suenan mucho mejor que otras maquetas acústicas grabadas por Reed que han surgido de este período. En total, las 17 pistas duran alrededor de 53 minutos, lo que encajaría perfectamente en un LP doble o un CD y sería una valiosa adición al formidable catálogo de Reed. ¡Mira este espacio!

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The 2015 release of the restored, expanded and remixed The Complete Matrix Tapes might have been the latest in a long line of archival treats to delight fans of The Velvet Underground and Lou Reed but still, the cupboard is by no means bare. We’ve learnt of another assumed-lost recording that may eventually be given the same treatment. It comes in the shape of two reel-to-reel tapes, unheard since 1972, owned by record dealer Alexander Budny, who bought them from Tom Adams. That’s the Tom Adams, the artist and designer famous for 60s book illustrations for a wide variety of writers including Kingsley Amis, Raymond Chandler, Agatha Christie and John Fowles. Back in 1971, Lou Reed was a fan of Adams’ book covers and put the illustrator forward to provide the sleeve art for his impending debut solo album. Reed flew over to the UK early in 1972 and had several meetings with Adams, “First at his hotel, then in my flat,” according to Adams. It was during these discussions that Reed gave Adams two reel-to-reel tapes comprising 17 demos of songs he intended to work up in Monty Babson’s Morgan Studios in Willesden. In fact, Reed even went through the songs with Adams as they listened to them on Adam’s reel-to-reel player and underlined on the tape boxes the 10 songs that he and his producer Richard Robinson had earmarked for the LP. This was to give Adams inspiration for the illustration that eventually graced the cover of Lou Reed. The demos had been recorded in an unknown London studio around this time with Reed accompanying himself on acoustic guitar on all of the tracks. Never one to forget a song, I Can’t Stand It, Lisa Says, Ride Into The Sun, Ocean, I’m Sticking With You and She’s My Best Friend were all written during Reed’s tenure with The Velvet Underground. You can hear the Velvets’ versions of all of these on the outtakes collections VU (1985) and Another View (1986), while the first four made it onto Reed’s debut. Surprisingly, considering it would go on to become one of Reed’s signature tunes, A Perfect Day (as it was labelled on the box) was held over for his next album, Transformer, along with I’m So Free, Hanging Around (sic), and New York Conversation (missing the “Telephone” in the title). Kill All Your Sons – next to which Reed had written “No!” on the box – would have to wait until 1974’s Sally Can’t Dance to see the light of day. While all of the 17 songs bar I’m Sticking With You would make it on to Reed solo albums, these tapes give an amazing, intimate fly-on-the wall look at Reed the songwriter and performer. As Velvets fans will know, I’m Sticking With You was sung with drummer Maureen Tucker on the eventual Velvets release, so hearing Reed take the opening verses is of special interest. Budny hopes that either Velvets collector or a record company will buy the tapes from him and then arrange for them to be released for Velvet Underground and Lou Reed fans to enjoy. I have heard both tapes and the quality of the audio is first rate and amazingly intimate as they were professionally recorded and balanced. Indeed, these Adams Tapes sound much better than other acoustic demos recorded by Reed that have surfaced from this period. All told the 17 tracks clock in at around 53 minutes which would fit perfectly onto a double LP or a CD and would make for a worthy addition to Reed’s formidable catalogue. Watch this space!

 

La sortie en 2015 des bandes restaurées, étendues et remixées de The Complete Matrix aurait peut-être été la dernière d'une longue série de friandises d'archives pour ravir les fans de The Velvet Underground et de Lou Reed, mais le placard n'est en aucun cas vide. Nous avons appris qu'un autre enregistrement présumé perdu pourrait éventuellement recevoir le même traitement. Il se présente sous la forme de deux bandes bobine à bobine, inédites depuis 1972, détenues par le disquaire Alexander Budny, qui les a achetées à Tom Adams. C'est le Tom Adams, l'artiste et designer célèbre pour ses illustrations de livres des années 60 pour une grande variété d'écrivains, dont Kingsley Amis, Raymond Chandler, Agatha Christie et John Fowles. En 1971, Lou Reed était un fan des couvertures de livres d'Adams et a proposé à l'illustrateur de fournir la pochette de son premier album solo imminent. Reed s'est envolé pour le Royaume-Uni au début de 1972 et a eu plusieurs réunions avec Adams, "d'abord à son hôtel, puis dans mon appartement", selon Adams. C'est au cours de ces discussions que Reed a donné à Adams deux bandes bobine à bobine comprenant 17 démos de chansons qu'il avait l'intention de travailler dans les studios Morgan de Monty Babson à Willesden. En fait, Reed a même parcouru les chansons avec Adams pendant qu'ils les écoutaient sur le lecteur bobine à bobine d'Adam et a souligné sur les boîtes à bandes les 10 chansons que lui et son producteur Richard Robinson avaient réservées pour le LP. C'était pour donner à Adams l'inspiration pour l'illustration qui a finalement orné la couverture de Lou Reed. Les démos avaient été enregistrées dans un studio londonien inconnu à cette époque avec Reed s'accompagnant à la guitare acoustique sur toutes les pistes. Jamais du genre à oublier une chanson, I Can’t Stand It, Lisa Says, Ride Into The Sun, Ocean, I’m Sticking With You et She’s My Best Friend ont toutes été écrites pendant le mandat de Reed avec The Velvet Underground. Vous pouvez entendre les versions de Velvets de tout cela dans les collections d'outtakes VU (1985) et Another View (1986), tandis que les quatre premiers ont fait les débuts de Reed. Étonnamment, étant donné qu'il allait devenir l'un des morceaux emblématiques de Reed, A Perfect Day (comme il était étiqueté sur la boîte) a été retenu pour son prochain album, Transformer, avec I'm So Free, Hanging Around (sic) , et New York Conversation (il manque le « Téléphone » dans le titre). Kill All Your Sons – à côté duquel Reed avait écrit « Non ! sur la boîte - il faudrait attendre Sally Can't Dance de 1974 pour voir la lumière du jour. Alors que les 17 chansons de la barre I'm Sticking With You se retrouveraient sur les albums solo de Reed, ces bandes donnent un regard incroyable et intime sur le mur à Reed l'auteur-compositeur et interprète. Comme les fans de Velvets le savent, I'm Sticking With You a été chanté avec la batteuse Maureen Tucker lors de la sortie éventuelle de Velvets, donc entendre Reed prendre les couplets d'ouverture est d'un intérêt particulier. Budny espère que le collectionneur de Velvets ou une maison de disques lui achètera les bandes et organisera ensuite leur sortie pour que les fans de Velvet Underground et de Lou Reed puissent en profiter. J'ai entendu les deux bandes et la qualité de l'audio est de premier ordre et incroyablement intime car elles ont été enregistrées et équilibrées par des professionnels. En effet, ces Adams Tapes sonnent bien mieux que les autres démos acoustiques enregistrées par Reed qui ont fait surface à partir de cette période. Au total, les 17 titres arrivent à environ 53 minutes, ce qui conviendrait parfaitement à un double LP ou à un CD et constituerait un ajout digne du formidable catalogue de Reed. Surveillez cet endroit!

Popa Chubby - Emotional Gangster (2022)

 

Teodoro José "Ted" Horowitz (nascut el 31 de març de 1960 a El Bronx, Nova York, Estats Units), que toca sota el nom artístic de Popa Chubby (un joc de paraules amb el llenguatge d'argot "pop a chubby", que significa tenir una erecció), és un cantant, compositor i guitarrista nord-americà de rock i blues elèctric. Vida i carrera Popa Chubby en directe a Leverkusener Jazztage 2016 Blues Heaven Festival (2018 Dinamarca) Als tretze anys Horowitz va començar a tocar la bateria; poc després, va començar a escoltar la música dels Rolling Stones i va començar a tocar la guitarra. Encara que va créixer a la dècada de 1970, Horowitz va ser influenciat per artistes de la dècada de 1960, inclosos Jimi Hendrix i Cream, entre altres. Als vint anys, encara que tocava principalment música blues, també va treballar com a teloner del poeta punk rock Richard Hell. Horowitz va cridar latenció del públic per primera vegada després de guanyar una recerca nacional de talents de blues patrocinada per KLON, una estació de ràdio pública a Long Beach, Califòrnia, que ara es coneix com KKJZ. El 1989, va aparèixer, com Ted Horowitz, com a guitarrista a The Sky And The Ground de Pierce Turner. Va guanyar el premi al Nou Artista de l'Any i com a resultat va ser elegit com l'acte d'obertura al Festival de Blues de Long Beach el 1992. Horowitz va jugar més de 200 dates de clubs a l'any fins a la dècada de 1990. El 1994, Horowitz va llançar diversos àlbums al seu propi segell Laughing Bear, incloent It's Chubby Time i Gas Money, abans d'obtenir un contracte d'enregistrament amb Sony Music / Okeh Records. Booty and the Beast, el seu primer àlbum de segell important, produït per l'enginyer i productor d'Atlantic Records Tom Dowd, que va treballar en enregistraments per a artistes com Aretha Franklin, Ray Charles i Wilson Pickett, va ser llançat el 1995. El 1996, un enregistrament en viu, Hit the High Hard One, va ser llançada al segell Prime-CD, juntament amb els rellançaments dels seus dos primers àlbums. Dos anys més tard, One Million Broken Guitars va ser llançat a Lightyear Records; Brooklyn Basement Blues va seguir el 1999. El 2000, Horowitz va signar amb Blind Pig Records i va llançar How'd a White Boy Get the Blues? el 2001. Va resultar ser una lleugera desviació de la direcció musical habitual de Horowitz, incorporant elements del pop contemporani i el hip-hop. The Good, the Bad and the Chubby, llançat el 2002, va ser un exemple del desenvolupament de les habilitats de composició de Horowitz i va incloure el comentari del 9/11 "Somebody Let the Devil Out". Blind Pig va llançar una col·lecció dels primers enregistraments de Horowitz, The Hungry Years, el 2003. Un any més tard, Horowitz va llançar Peace, Love and Respect. Dos àlbums anteriorment disponibles només a França, Live at FIP ​​i Wild, van ser compilats pel segell Blind Pig i llançats com Big Man, Big Guitar el 2005, seguits de Stealing the Devil's Guitar un any després. The Fight Is On, va ser el primer àlbum d'estudi de Horowitz després d'una pausa de dos anys. Va ser llançat al febrer de 2010 al segell Provogue a Europa, i Blind Pig a Amèrica del Nord. Va seguir una gira mundial. El 2008, Horowitz i la seva ex esposa Galea, van gravar Vicious Country, que va ser llançat al segell Dixiefrog. Vicious Country va ser triat com a 'Disc de la Setmana' per la cadena de televisió francesa Canal+ al març de 2009. El 2015, va llançar Big Bad and Beautiful, un CD en viu de dos discos gravat a França amb Dave Keyes als teclats i Francesco i Andrea Beccaro tocant el baix i la bateria respectivament. El 2016, va llançar The Catfish al segell francès Verychords ia PCP Productions a Amèrica del Nord. Aquest disc va produir tant el vídeo animat en 3D de la cançó principal de Laurent Mercier de Callicore, com el tribut “Blues For Charlie”. El 2017, va llançar Two Dogs, novament a Verychords per a Europa i PCP North America. El 2018, Eagletone Custom va llançar el Popa Chubby Tribute Stratocaster, una rèplica del seu '66. El 2019, Verychords llançarà una antologia d'edició limitada de dos CD Prime Cuts, elegida per Popa Chubby. Popa Chubby va fer el seu debut al Festival de Jazz i Blues d'Edimburg el 14 de juliol de 2019. La seva formació actual inclou Stefano Giudici (bateria), Max Barrett (baix), Dave Keyes (teclats), així com un elenc recurrent de músics.

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Teodoro José "Ted" Horowitz (born March 31, 1960 in The Bronx, New York, USA), who plays under the stage name Popa Chubby (a pun with the slang language "pop a chubby", which means having an erection), is an American singer, songwriter and guitarist of electric rock and blues. Life and career Chubby stern live at Leverkusener Jazztage 2016 Blues Heaven Festival (2018 Denmark) At the age of thirteen Horowitz began playing drums; soon after, he began listening to the music of the Rolling Stones and began playing the guitar. Although he grew up in the 1970s, Horowitz was influenced by artists in the 1960s, including Jimi Hendrix and Cream, among others. At the age of twenty, although he played mainly blues music, he also worked as the opening act for punk rock poet Richard Hell. Horowitz first attracted public attention after winning a national blues talent search sponsored by KLON, a public radio station in Long Beach, California, now known as KKJZ. In 1989, he appeared, as Ted Horowitz, as a guitarist on Pierce Turner's The Sky And The Ground. He won the New Artist of the Year award and as a result was chosen as the opening act for the Long Beach Blues Festival in 1992. Horowitz played over 200 club dates a year until the 1990s. In 1994, Horowitz released several albums on his own label Laughing Bear, including It's Chubby Time and Gas Money, before securing a record deal with Sony Music / Okeh Records. Booty and the Beast, his first major label album, produced by Atlantic Records engineer and producer Tom Dowd, who worked on recordings for artists such as Aretha Franklin, Ray Charles and Wilson Pickett, was released in 1995. In 1996, a live recording, Hit the High Hard One, was released on the Prime-CD label, along with re-releases of their first two albums. Two years later, One Million Broken Guitars was released on Lightyear Records; Brooklyn Basement Blues followed in 1999. In 2000, Horowitz signed with Blind Pig Records and released How'd a White Boy Get the Blues? in 2001. It turned out to be a slight deviation from Horowitz's usual musical direction, incorporating elements of contemporary pop and hip-hop. The Good, the Bad and the Chubby, released in 2002, was an example of the development of Horowitz's composing skills and included the 9/11 commentary "Somebody Let the Devil Out". Blind Pig released a collection of Horowitz's first recordings, The Hungry Years, in 2003. A year later, Horowitz released Peace, Love and Respect. Two albums previously only available in France, Live at FIP ​​and Wild, were compiled by the Blind Pig label and released as Big Man, Big Guitar in 2005, followed by Stealing the Devil's Guitar a year later. The Fight Is On, was Horowitz's first studio album after a two-year hiatus. It was released in February 2010 on the Provogue label in Europe, and Blind Pig in North America. It followed a world tour. In 2008, Horowitz and his ex-wife Galea recorded Vicious Country, which was released on the Dixiefrog label. Vicious Country was chosen as 'Disc of the Week' by the French television channel Canal + in March 2009. In 2015, he released Big Bad and Beautiful, a two-disc live CD recorded in France with Dave Keyes on keyboards and Francesco and Andrea Beccaro playing bass and drums respectively. In 2016, he released The Catfish on the French label Verychords and PCP Productions in North America. This album produced both the 3D animated video of Laurent Mercier's lead song by Callicore and the "Blues For Charlie" tribute. In 2017, he released Two Dogs, again on Verychords for Europe and PCP North America. In 2018, Eagletone Custom released the Popa Chubby Tribute Stratocaster, a replica of its '66. In 2019, Verychords will release a limited edition anthology of two Prime Cuts CDs, chosen by Popa Chubby. Popa Chubby made her debut at the Edinburgh Jazz and Blues Festival on July 14, 2019. His current lineup includes Stefano Giudici (drums), Max Barrett (bass), Dave Keyes (keyboards), as well as a recurring cast of musicians. 4

Theodore Joseph "Ted" Horowitz (né le 31 mars 1960 dans le Bronx, New York, USA), qui joue sous le nom de scène Popa Chubby, un jeu de mots avec le langage argotique "pop a chubby", qui signifie avoir une érection), est un chanteur, auteur-compositeur et guitariste américain de rock électrique et de blues. vie et carrière Chubby Stern en direct au Leverkusener Jazztage 2016 Blues Heaven Festival (2018 Danemark) À l'âge de treize ans, Horowitz a commencé à jouer de la batterie; peu de temps après, il a commencé à écouter la musique des Rolling Stones et a commencé à jouer de la guitare. Bien qu'il ait grandi dans les années 1970, Horowitz a été influencé par des artistes des années 1960, dont Jimi Hendrix et Cream, entre autres. À l'âge de vingt ans, bien qu'il joue principalement de la musique blues, il fait également la première partie du poète punk rock Richard Hell. Horowitz a d'abord attiré l'attention du public après avoir remporté une recherche nationale de talents de blues parrainée par KLON, une station de radio publique de Long Beach, en Californie, maintenant connue sous le nom de KKJZ. En 1989, il est apparu, en tant que Ted Horowitz, en tant que guitariste sur The Sky And The Ground de Pierce Turner. Il a remporté le prix du nouvel artiste de l'année et, par conséquent, a été choisi comme première partie du Long Beach Blues Festival en 1992. Horowitz a joué plus de 200 dates de club par an jusqu'aux années 1990. En 1994, Horowitz sort plusieurs albums sur son propre label Laughing Bear, dont It's Chubby Time et Gas Money, avant de signer un contrat d'enregistrement avec Sony Music / Okeh Records. Booty and the Beast, son premier album de label majeur, produit par l'ingénieur et producteur d'Atlantic Records Tom Dowd, qui a travaillé sur des enregistrements pour des artistes tels qu'Aretha Franklin, Ray Charles et Wilson Pickett, est sorti en 1995. En 1996, un enregistrement live, Hit the High Hard One, est sorti sur le label Prime-CD, ainsi que des rééditions de leurs deux premiers albums. Deux ans plus tard, One Million Broken Guitars est sorti sur Lightyear Records ; Brooklyn Basement Blues a suivi en 1999. En 2000, Horowitz signe avec Blind Pig Records et sort How'd a White Boy Get the Blues? en 2001. Cela s'est avéré être une légère déviation de la direction musicale habituelle d'Horowitz, incorporant des éléments de pop et de hip-hop contemporains. The Good, the Bad and the Chubby , sorti en 2002, était un exemple du développement des compétences de composition d'Horowitz et comprenait le commentaire du 11 septembre " Somebody Let the Devil Out ". Blind Pig a sorti une collection des premiers enregistrements d'Horowitz, The Hungry Years, en 2003. Un an plus tard, Horowitz a sorti Peace, Love and Respect. Deux albums auparavant uniquement disponibles en France, Live at FIP ​​et Wild, ont été compilés par le label Blind Pig et sortis sous le nom de Big Man, Big Guitar en 2005, suivi de Stealing the Devil's Guitar un an plus tard. The Fight Is On, était le premier album studio d'Horowitz après une interruption de deux ans. Il est sorti en février 2010 sur le label Provogue en Europe et Blind Pig en Amérique du Nord. Il a suivi une tournée mondiale. En 2008, Horowitz et son ex-femme Galea ont enregistré Vicious Country, qui est sorti sur le label Dixiefrog. Vicious Country a été élu « Disque de la semaine » par la chaîne de télévision française Canal + en mars 2009. En 2015, il sort Big Bad and Beautiful, un CD live de deux disques enregistré en France avec Dave Keyes aux claviers et Francesco et Andrea Beccaro à la basse et à la batterie respectivement. En 2016, il sort The Catfish sur le label français Verychords et PCP Productions en Amérique du Nord. Cet album a produit à la fois la vidéo animée en 3D de la chanson principale de Laurent Mercier par Callicore et l'hommage "Blues For Charlie". En 2017, il sort Two Dogs, toujours sur Verychords pour l'Europe et PCP Amérique du Nord. En 2018, Eagletone Custom a sorti la Popa Chubby Tribute Stratocaster, une réplique de sa '66. En 2019, Verychords sortira une anthologie en édition limitée de deux CD Prime Cuts, choisis par Popa Chubby. Popa Chubby a fait ses débuts au Edinburgh Jazz and Blues Festival le 14 juillet 2019. Sa formation actuelle comprend Stefano Giudici (batterie), Max Barrett (basse), Dave Keyes (claviers), ainsi qu'un casting récurrent de musiciens.